¿Pasó Shakespeare por Salamanca?

Estamos creando página en Facebook

2011-10-06T21:51:00.002+02:00

Oye, que estamos creando página en Facebook para informaros de mejor forma. Aunque como es un ejercicio de un curso, estamos pensando en si hacerla pública o no.

Os informaremos...

Retomo el blog

2011-10-01T13:09:00.008+02:00

Raúl Prieto en una Fotografía de la Página Web del Teatro de La Abadía

Bueno, pues aquí estoy de nuevo. Hago examen de conciencia y prometo volver a escribir algún post sobre teatro y a poner informaciones, además de enlazar el twitter y esas cosas, que siempre vienen bien. Además, que mis profesoras del curso de Comunity Manager me lo piden y yo lo hago, con retraso, pero con gusto.

La verdad es que quería haber empezado a escribir con una crítica sobre el montaje 'Veraneantes', en el que trabaja Raúl Prieto, pero al final no he podido ir a verla a pesar de que Raúl me invitó al estreno (gracias y disculpa, pero no ha sido posible).

Pero bueno, vaya desde aquí (hacer clic en el enlace) una de las críticas que han salido en el Mundo del Montaje. Por cierto, que en la foto aparece Raúl.

Disfrutad y otras vez disculpas por el abandono.

Crítica de Javier Villán.

Vayan a ver 'Veneno', en el Teatro de Caja Duero

2010-07-03T11:13:00.003+02:00

Fotografía de Ángel García

Luego no digan que no se lo avisé, si se perdieron Veneno, de Intrussión Teatro, vayan a verla el 8 de julio al teatro de Caja Duero. Si ya la vieron repitan porque se le saca mucho jugo al texto y al trabajo de los actores.

Vayan a verla a las 21 h y no se arrepentirán. Y total, la entrada solamente cuesta 5 euros.

Vayan a verla.

Notable alto

2010-06-16T10:07:00.002+02:00

Después de tres días de la finalización del FÁCYL y con las sensaciones que te deja la reflexión y el paso del tiempo, se puede decir que este festival sigue siendo un lujo para la Salamanca moderna y abierta al mundo que, se supone, la mayoría de las personas con buen juicio desean. Otra cosa es que en esta ciudad no haya personas con buen juicio, empezando por las que nos gobiernan y siguiendo por todos los demás.

Errores en todos los sitios hay y el hecho de que todos los espectáculos empezaran quince minutos tarde, que no se vendieran entradas a la puerta de un teatro como Caja Duero o que algunos directores se empeñaran en no dejar hacer fotografías a la prensa indica que hay cosas que mejorar, pero que son menores.

Con lo que hay que quedarse es que ha habido una programación sólida y sin ningún petardazo, muy regular, algo que no se recordaba de las anteriores ediciones, en las que solía haber más de uno y más de dos. Sinceramente creo que hay un criterio, una apuesta. Creo que Calixto Bieito ha marcado un objetivo y hacia allí se ha ido. Podrás estar más de acuerdo en esa línea de trabajo, pero por lo menos se ve que hay un hilo conductor.

Me han gustado mucho, por este orden, Santa Juana de los mataderos, Stemmer y Baal, y, aunque no ha habido una propuesta grandiosa, quizás por culpa de la crisis, se puede decir que ha habido una nota media de más que aprobado para todos los espectáculos. Me reitero: una programación muy regular, interesante y compacta, con sentido. Y si a esto añadimos que me comentan que la organización técnica, logística y coordinadora ha mejorado en mucho, pues me atrevo a decir que la nota media de este FÁCYL 2010 es de notable alto.

Un lujo para Salamanca que no debemos perder y que tienen que apoyar desde arriba hasta abajo porque es de lo poco que nos queda en una ciudad anquilosada en la luz cegadora de su inmensa belleza.

Stemmer

2010-06-14T07:50:00.003+02:00

Stemmer©AndreasKölher

Compañía: Betty Nansen Teatret de Copenhague

Fecha: 12-06-2010

Teatro: Liceo

Aforo: Tres cuartos

Broche perfecto

Programar, seguir una línea, tener una idea clara de lo que deseas hacer no es fácil. Y poner un broche a todo lo anterior, cerrar con clase y categoría algo menos. Por eso este Stemmer de Calixto Bieito es perfecto para clausurar este FÁCYL. Porque es un resumen perfecto de todo lo que ha sido este festival en cuanto a los espectáculos de sala se refiere: elegante, perfectamente facturado, con textos profundos y muy psicoanalíticos, una música cuidada al extremo, una dirección con personalidad…

De vez en cuando, el teatro debe ponerse el Armani y no tener complejos. Si hay gente que te llama snob, pues bueno. Envidia, ya saben. La elegancia y el buen teatro no están reñidos y muchas veces se agradece.

Sintonicé con este montaje desde el primer minuto hasta el último. Un musical perfecto y muy emocional, aunque parezca lo contrario. El mejor que ha pasado, en mi modesta opinión, por Salamanca en los últimos tiempos. No apto para los amigos del caramelo edulcorado de los Mamma mia, Jesucristo Superstar, etc. que han venido y seguirán viniendo al CAEM en fechas venideras.

Y lo hace sin estridencias, envolviéndote como una tela de araña con pequeños hilos plateados que componen una delicia poliédrica y compleja, una exquisitez llena de textos sobre la muerte y todo lo que la rodea. Con una puesta en escena absolutamente elegante, con una música de muchísimos quilates y una escenografía sencilla y efectiva. Un montaje para pensar y dar vueltas.

Una pequeña delicatessen para recordar esta sexta edición del FÁCYL con un buen sabor de boca, porque yo soy de los del chuletón con patatas en un chiringuito y de los de la tortilla decostruída siempre que la materia prima sea buena. Y de eso había mucho en Stemmer. Que aproveche.

Dogville

2010-06-14T07:47:00.003+02:00

dogville©carlos nuevo

Compañía: Rayuela
Fecha: 10-06-10
Teatro: Caja Duero
Aforo: Lleno

Apuesta

Es extraño, pero el FÁCYL este año ha traído dos montajes con textos de Bertholt Brecht y uno que bien podía haber estado inspirado en él: Dogville, adaptación de la película del mismo nombre de Lars von Trier.

También es extraño que no hubiéramos visto por estos lares una adaptación a la escena de una película tan teatral como aquélla, tan asfixiante por dentro y por fuera, como los sentimientos de culpa de sus protagonistas.

Rayuela Producciones, dirigida por Nina Reglero, han optado por una versión mestiza, interesante y algo larga que se sitúa entre la estética de la matanza de Texas, algunos montajes referentes del teatro europeo actual y la sombra de la película, que es muy patente en algunas partes y se diluye en otras. En mi modesta opinión, la duración es excesiva en media hora por lo menos. No obstante, y teniendo en cuenta el concepto, la idea de la dirección y lo que se quiere transmitir, la apuesta aprueba la moción.

Muy interesante la idea de acentuar los primeros planos, que tenía la película y que en el teatro son más difíciles, con una única luz y muy tenue sobre los rostros de algunos personajes y, también, la forma en que te hace olvidar que no hay casas, aunque algo aparatoso el sistema de cadenas y cestos que las representan. Muy interesante la idea de conseguir los arquetipos morales de los personajes a través de monólogos que se intercalan entre el diálogo y la narración omnisciente del cantante y su banda, demasiado ocultos en la parte trasera del escenario, quizás un poco pequeño para la propuesta. Muy bien, por cierto, Raúl Sánchez Escudero, convincente y con mucha fuerza todo el montaje.

Le falla a este Dogville algún personaje mal trazado y la falta de energía que se transmite en algunos momentos, quizá por la afectación de varios diálogos. Y también la idea que querer llenar espacios donde no hace falta más que introspección.

En definitiva, una propuesta que no desentona para nada en este festival, que cada día me gusta más. ¡Qué suerte tenemos en Salamanca!

Santa Juana de los mataderos

2010-06-10T14:35:00.004+02:00

Compañía: Staatsschauspiel Dresden

Fecha: 09-06-10

Teatro: CAEM

Aforo: Un tercio

Bueno, muy bueno

Aunque con el cuarto de hora de retraso habitual, llegó esta Santa Johanna de los mataderos y mereció la pena. Redimidos hemos quedado con este pedazo de montaje que nos presenta la Staatsschauspiel de Dresde. Solidez, simbología, potencia en las imágenes, metáforas y buena interpretación para una ‘maratón’ que incluyó fallo técnico y arreglo delante del público. Otra cosa interesante que agradecer a este FÁCYL, que va camino de convertirse en el más regular de su historia. De momento, ni un petardazo.

Teatro convincente y contundente. Montaje serio, muy serio, y bueno, muy bueno, en el que nada destaca y todo es llamativo:interpretación, escenografía, iluminación, música… Logro que se une a una magnífica dirección sobre un texto de Brecht difícil por lo panfletario y lo enrevesado del tema. Vamos, que, aunque te estén hablando de mataderos, subidas y bajadas de acciones, problemas de proletarios y bueyes y vacas, las tres horas largas que dura el espectáculo se te hacen cortas a base de potente frialdad, maravillosas imágenes en estático, diálogos fluidos y puñetazos de mala leche y cinismo a partes iguales. Bueno, y muy ajustados algunos párrafos a las drásticas e injustas soluciones para solventar la crisis que nos van a imponer los mismos que la han producido.

Y todo ello para componer, con ayuda de la iluminación blanca, una postal fría, casi congelada, de frigorífico de matadero. Muy punk elegante, si los puristas me lo permiten, pero muy punk. ¿Por qué los espectáculos con textos de Brecht últimamente son muy punk? Sucios o limpios, pero punk.

Y con cierta retranca al final, todos cantando en plan góspel que les den más a los ricos y que les jodan a los pobres. Inquietante aplaudir eso. Y es que si trasladamos ese mensaje a este festival, lo mismo dentro de unos años tenemos que decir que siempre se lo llevan los mismos. Y eso no, amigos míos. Eso no.

Baal

2010-06-09T14:16:00.002+02:00

Baal © Leo Van Velzen

Compañía: Ro Theater
Fecha: 07-06-2010
Teatro: CAEM
Aforo: Un cuarto

Libertad y venganza

Qué pena ver el CAEM tan vacío, tan triste, tan frío, tan desangelado. Qué pena que la gente no vaya al teatro. Y mucho más si tenemos en cuenta que Baal, de Ro Theater, es un magnífico montaje.

Directa a la mandíbula y sin edulcorantes, llena de trazos gordos y grasos como el maquillaje de los actores que intervienen en ella, esta propuesta es un magnífico ejemplo de teatro de verdad, de texto y puesta en escena perfectamente integrados.

Y lo es gracias a varios aspectos. Primero: el texto es muy bueno. Segundo: la dirección es excelente. Tercero: los actores son magníficos, versátiles y creíbles. Cuarto: el ambiente Tom Waits es deliciosamente circense y lleno de frikis y muy… Tom Waits. Quinto: la música es maravillosa. Sexto: la historia es cruda y muy atrayente. Séptimo: que es muy buen montaje porque saca la víscera que tiene el texto y la lleva a escena para ofrecernos un gran plato, los mejores callos del mundo, mucho más que los del Llamas o La Marciana.

Exquisita casquería grasienta servida en el mejor plato circense que te puedas encontrar: teatro de texto hecho desde el corazón y con la frialdad y contención necesaria para servirlo frío, como la libertad. Bueno… y como la venganza. Venganza para aquellos que pensaban que este FÁCYL no tenía chicha ni limoná.

Vengan, pasen y vean. Aún queda tiempo para disfrutar del lujo. Luego no se quejen de que se lo llevan los de siempre. Y si llegan un poco tarde, no se preocupen: aquí cada día se empieza quince minutos tarde.

Gnosis

2010-06-07T13:09:00.004+02:00

Gnosis © Richard Haughton

Compañía: Akram Khan Company
Fecha: 06-06-10
Teatro: Liceo
Aforo: Lleno

Emocionante y vibrante

De vez en cuando tiene que llegar alguien como Akram Khan para indicarte el camino de la emoción contenida, sencilla y revitalizante. Y da lo mismo que sea a través de la danza o de cualquier otra cosa. Él lo consigue llegando al corazón mismo del alma.

Un excelente trabajo que se apoya en unos músicos increíbles que ponen su rebosante talento al servicio del conjunto; en un dominio de la danza india clásica, kathak, que impresiona, y en una sensibilidad para crear y llegar al público, mezclando lo tradicional con lo contemporáneo, que redondea un montaje emocionante y espectacular.

La primera parte ya merece la pena con una demostración técnica, física y emocional de kathak. La coordinación de pies, manos y gestualidad es hipnótica y vibrante. El tema musical que toca su grupo para amortiguar la espera entre un número y otro es de poner los pelos de punta. Además, en una danza que te recuerda al flamenco, la contención es un logro. Lo que unos hubieran acabado con una fiesta llena de gritos y desmelene, aquí acaba con la mesura y el sentimiento justos y adecuados.

Y la segunda parte es sencillamente un ejemplo de emoción. Espectacular y vibrante en su inicio, la pieza se te pasa volando con la ayuda de una magnífica Yoshie Sunahata, percusionista, bailarina y cantante genial, y de una coreografía que toca la cuerda de la emoción en cada movimiento. Un lujo.

Lujo que no debería verse estropeado por la inexactitud en las informaciones que da la organización. Si el espectáculo dura dos horas no se puede decir en todos los productos informativos que dura una hora y cuarto. Eso por no hablar de los retrasos en el comienzo de los espectáculos, indignos de un festival de esta categoría.

Pororoca

2010-06-03T14:52:00.002+02:00

Título: ‘Pororoca’
Compañía: Lia Rodrigues
Fecha: 02-06-10
Teatro: Auditorio Caja Duero
Aforo: Lleno

La jauría

A nadie le gusta estar solo. De vez en cuando sí, por supuesto, pero a todos nos gusta ir en manada. Frenéticamente. De un sitio para otro.

Y sí, a mí me gustó el Pororoca de Lia Rodrigues. No porque fuera un ejercicio repetitivo, que lo era, igual que la vida. O porque no tuviera música, que sí tenía la de los jadeos, como en la vida. O porque estuviera sutil y fantásticamente iluminada, que lo estaba, como en la vida.

Me gustó porque me transmitió un concepto que me llegó adentro. El ser humano es social y avanza en manada y muchas veces, la mayoría, se comporta como en una jauría que se persigue a sí misma. Jauría representada por once bailarines desiguales en su formación técnica, sobresalían con mucho varios, pero muy unidos y compenetrados. Lo ideal para un espectáculo que necesitaba unidad. Jauría a la que se deja de pertenecer cuando uno se separa de ella y la mira con cierta distancia animal, primitiva y bruta. Jauría a la que no tardas mucho en volver. A todos nos gusta el sudor, la sangre, la dentellada… y la seguridad que da ver cómo te protegen y cómo los demás también se equivocan.

Unidad y mucha energía, otros dos conceptos a tener en cuenta en este montaje. Energía bestial para estar cincuenta minutos dale que te pego sin parar. Sin prácticamente respiro. Unidad para improvisar en las partes que hay que improvisar y llegar justo en el momento a las partes que están medidas.

Unidad, que no masa. Unidad, que no borreguismo. Jauría, que no piara de cerdos a los que echan de comer margaritas con sonrisas de desprecio.

Hashirigaki

2010-06-01T20:52:00.004+02:00

Hashirigaki: from koto to Pet Sounds

Compañía: Théâtre Vidy-Lausanne
Fecha: 31-05-2010
Teatro: Liceo
Aforo: Un tercio

No vi la ironía

Es curioso esto del teatro. Uno va, se sienta una butaca, mira, escucha, siente, estornuda, observa, pestañea, rompe, mira, estornuda, escucha, rompe, siente, pestañea, observa… se acaba el espectáculo, sale y decide si le ha gustado o no.

Tengo que reconocer que hasta que no he leído los textos de la estadounidense Gertrude Stein, en los que está basado este Hashirigaki, no me he decidido a dar una opinión sobre lo que ha hecho Heiner Goebbels con esta propuesta.

Animado por el dato que nos dio Calixto Bieito a la salida del Liceo -nos dijo que era de los años 20-, volví a casa y me lo leí de cabo a rabo para, debido a que mi torpe inglés me había limitado, volver a estudiarlo. ¡Y sorpresa! Había entendido la mayoría de las cosas. Esa serie de repeticiones rítmicas, esa manera casi infantil de jugar con las palabras, esa forma de utilizar el lenguaje que ya me había atraído en el teatro me gustó más al leerlo que al verlo puesto en escena.

Y eso es quizás lo que hace que saliera del teatro con la sensación de haberme ido incompleto, de que quizás esos textos no pueden llevarse a escena de la manera en la que lo ha hecho Goebbels, porque yo sí que creo que a pesar de ese aspecto de espectáculo estéticamente bello y de unos efectos técnicos interesantes debería haber algo más. Algo que el texto sí tiene, pero el espectáculo no.

Esos textos, muy buenos y envidiables, no tienen juntos una estructura dramática unidos en la forma en la que están en el montaje. Carecen de fuerza dramática en ese estado en el que se nos presentan porque, para mí, debajo de cada una de las letras que componen el texto hay un sufrimiento que nos habla de la falsa felicidad que todos nos obligamos a fingir en este mundo de mierda y en el de 1920. Detrás de cada una de esas palabras hay víscera y locura. Y yo, la verdad, creo que Goebbels no deja traslucir nada de eso en un espectáculo armado, pero sin fisuras emocionales. O eso o que yo no vi la ironía… bueno, o que mi inglés me impidió degustarlo en el momento adecuado y no me emocionó.

Intrussión Teatro estrena 'Veneno' en el Liceo

2010-03-12T11:45:00.004+01:00

Intrussión Teatro, tras su trilogía de los creadores, da un giro en su temática habitual sin perder un ápice de su estilo y estrena, los días 19 y 20 de marzo de 2010, a las 21 h, en el Teatro Liceo de Salamanca, "Veneno", de Roberto G. Encinas. Esta propuesta cuenta un suceso que, en la década de los cincuenta, conmovió a la opinión pública. Pilar Prades, que servía en Valencia, había envenenado con matahormigas a tres personas. Fría y calculadora, Pilar fue la última mujer ejecutada mediante el garrote vil en España.

"Estos fueron los puntos clave que hicieron que nos interesáramos por la historia y que quisiéramos trasladarla a los escenarios", señala el autor del texto, Roberto G. Encinas, quien añade que "no solo hemos querido contar este suceso que forma parte de la crónica negra de nuestro país, nos seducía también meternos en la mente de la asesina y combinar la objetividad del crimen con su subjetivo mundo interior, el de una chica cuya única ambición era casarse y fundar una familia, aunque eligió un camino drástico y equivocado para conseguirlo".

Veneno, coproducida por la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura del Ayuntamiento de Salamanca, tiene una duración de 80 minutos y está interpretado por Manuela Vicente, Alfonso Mendiguchía, Esther Nácar, Roberto G. Encinas y Lourdes Martínez.

Aquí os dejo una foto de un ensayo para que vayáis abriendo boca.

Por cierto, no os perdáis la nueva web de intrussión en www.intrussion.es

Disfrutad.

Sin R de adio en la Torrente Ballester

2010-02-26T09:37:00.004+01:00

Los Hernández de Segundo en la Torrente Ballester (muchas gracias Marieta). Como siempre, no tenemos perdón. Este post debería haber sido publicado antes, pero como nos dijeron que las invitaciones ya se habían agotado...

Bueno, que esperamos que os guste y que os lo paséis bien, que es un espectáculo prácticamente nuevo y remozado y que estamos muy contentos con él. Vamos, que nos ha quedado sencillo, pero muy coqueto.

Disfrutad.

Sin R de adio
Los Hernández de Segundo
27 de febrero, a las 20 h
Bibllioteca Torrente Ballester (donde han confiado en nosotros)

Miss Morgue

2010-02-14T09:59:00.003+01:00

Compañía: Zanguango Teatro
Fecha: 13-02-2010
Teatro: Liceo
Aforo: Un tercio

La columna (II)

Lo de las columnas del teatro Liceo es la muerte. Creo que me voy a acostumbrar, porque echarme no me echan. Las columnas digo. Menos mal que esta vez me pude cambiar a una butaca con más pedigrí. Sin columnas ni nada que molestase para ver perfectamente el espectáculo de Zanguango Teatro. Miss Morgue, que así se llama la nueva creación de esta formación artística capitaneada con sabiduría por Miguel Muñoz, es un montaje sin texto, de pequeño formato y con algunas columnas que impedían su total disfrute durante la hora en la que se desarrolla.

Sutilmente divertido e interesante, poético y casi ingenuo en su concepción, no olvidemos que la banda sonora del comienzo son los diálogos de antiguas películas de terror, la propuesta pretende ofrecer una metáfora sobre la incomunicación y los miedos que la producen. Y lo hace presentándonos a un personaje que trabaja de forma milimétrica, obsesiva y cariñosa con los muertos en una morgue, un freakie simpático al que nada más ver te dan ganas de cantarle el cumpleaños feliz. Y ya se sabe, los muertos, al igual que las columnas, no hablan. Y, a diferencia de las del Liceo, no molestan casi nunca. El problema es cuando acaba el turno de trabajo y hay que salir a la calle con los vivos.

Y, en este caso, los vivos son los espectadores que siguen las andanzas de este personaje amargado por su soledad y misantropía, pero que vemos que el espectáculo funciona a tirones. No queda demasiado claro el porqué esos muertos que le acompañan y le ‘salvan’ se despiertan. No quedan muy claras las licencias que se toma el desarrollo del montaje, como que el personaje principal ignore lo que hacen los muertos sin verlos todavía, y no quedan claras algunas transiciones entre escena y escena, que son demasiado forzadas.

No obstante, el trabajo es una propuesta interesante y mucho más sutil que otras más ‘graciositas’, pero más vacías y con escaso peso. Claro, que en los tiempos que corren eso es lo que cuenta, porque a la gente le interesa más reírse que pensar en lo que viene o puede venir. ¿Qué le vamos a hacer?

Calígula

2010-02-08T19:03:00.003+01:00

Compañía: L’om Imprebís
Fecha: 05-02-10
Teatro: Liceo
Aforo: Lleno

O viceversa

Voy a hablarles en primer lugar de lo que vi: un elemento arquitectónico alargado, negro y metálico llamado columna. ¡Qué hierática! ¡Qué composición del personaje esa columna del Teatro Liceo que dividía el escenario como la mejor! Muy difícil su papel, porque a pesar de los insultos por mi parte y por la de otros muchos que la tuvieron que sufrir (a ella o a otras como ella, que hay muchas y son como una plaga) aguantó el tipo durante todo el espectáculo fiel a su cometido. De Premio Max, ya les digo. ‘Eso es una columna y no las de otros’, debió pensar el arquitecto y el que se lo permitió al arquitecto.

Y por lo demás, gran texto el de Camus, muy para escuchar (con una columna delante, ya me dirán ustedes). Lleno de lucidez y poesía intelectual, pero muy apegado a la tierra y con pasajes en los que a pesar de las barbaridades que se le ocurren al personaje principal, te está convenciendo y llevando por su camino, el de la búsqueda de la libertad que te devora y que te mata recubriéndote de mierda cada vez más espesa: el de la dictadura.

Y ese es el secreto de este montaje de L’om Imprebís, que nos regala un Calígula clásico y tenso, muy bien dicho, muy bien interpretado y con un movimiento escénico de los de ayer, hoy y mañana. Sin alharacas, y con una iluminación que ilumina, lo cual es un mérito en estos tiempos que corren, este montaje es un homenaje al teatro de texto que se ha visto toda la vida. Puede que no emocione hasta el paroxismo, pero por lo menos se ve que por debajo hay una idea clara: expongamos de forma sencilla nuestro trabajo, del resto ya se encarga el gran texto de Camus, que más moderno no se puede ser.

Y eso es lo mejor de todo, que la propuesta no enmascara nada, aunque pudiera parecerlo. Va a pecho descubierto a su encuentro con el espectador y a fe que éste se lo agradece. No obstante, se echan de menos algunas composiciones más complejas tanto de personajes como de escenas, escasamente rematadas en la emoción final. O eso me pareció a mí, pero como tenía la columna entre medias…

Y no te preocupes elemento arquitectónico alargado, negro y metálico, que, como dice Calígula, 'Eres tan puro en el bien como yo lo soy en el mal...' o viceversa.

El jardín de los cerezos

2010-01-31T09:08:00.003+01:00

Compañía: Rayuela
Fecha: 30-01-2010
Teatro: Liceo
Aforo: Lleno

Los que no van

La pregunta no es si un texto teatral sigue vigente hoy en día. La pregunta es si lo que tienes delante de los ojos te gusta o no, tiene fuerza o no, te llega o no, lo entiendes o no, te aburre o no.

Partiendo del hecho de que para mí El jardín de los cerezos, de Anton Chejov, sí está vigente, puedo decir que este montaje que Rayuela ha hecho del dramaturgo ruso es absolutamente contradictorio, intermitente, por momentos muy aburrido y, por momentos, intenso, aunque eso sí, fiel a la idea teatral que ya se veía en esta compañía en Manuscrito-408.

Si en aquel montaje, se pretendía reflexionar desde la estética y las TIC sobre la saturación informativa con proyecciones y una iluminación atractiva con un texto propio, en esta ocasión se intenta obtener una lectura actual de la crisis económica desde un texto clásico. Por eso tiene sentido hacerlo ahora: una clase dominante anticuada, reaccionaria y llena de añoranza se despedaza dejando paso a otro tipo de burguesía más práctica. Ahora es lo mismo. Las claves para unos y otros son las mismas: unos que no quieren ver que están abocados a su desaparición si no cambian el modelo de negocio y otros que ven su oportunidad e intentan aprovecharla. La renovación.

Es curioso, pero el espectador salía de los dos montajes de Rayuela con la sensación de haberse aburrido. Y eso que con el texto de Chejov, la compañía vallisoletana consigue verdaderos momentos de intensidad emocional y dramática y de que la interpretación de Carlos Pinedo, como Lopajin y Yasha, es sensacional, incluso su idea, un punto canalla, de hacer que la terrateniente Liuba Adreievna sea una alcohólica, drogadicta y casi macarrilla protagonista, es atrevida e interesante.

Pero no. El montaje resulta aburrido, quizás por los repetidos finales que tiene, quizás por su saturación de proyecciones y efectos, quizás porque se queda en muchas ocasiones en la estético, en la búsqueda de lo sensorial, y adolece de rigor narrativo interno y, ante todo, de ritmo. Quizás porque no sabe a quién se está dirigiendo, si a los que se niegan a ver el futuro o a los que sólo aborrecen del pasado, como si de él no se pudiera aprender nada. Y eso es lo peor, los que no van hacia adelante ni hacia atrás. Los que no van.

Hasta siempre Amador

2010-01-25T18:19:00.005+01:00

'Y esas ganas tremendas de llorar
que a veces nos inundan sin razón,
y el trago de licor que obliga a recordar
si el alma está en "orsai"...'

Siempre que te escucho cantando Che Bandoneón! o Mano a mano me alegro de haberte conocido.

Gracias por todo.

La muerte y la doncella

2010-01-24T20:35:00.006+01:00

Dirección:Eduard Costa
Fecha: 23-01-10
Teatro: Liceo
Aforo: Lleno

Tiempo al tiempo

¿A cuántas personas mataron el nazismo ebrio y ácido de Hitler o la pantomima paranoica de Stalin? Todos son iguales, la derecha y la izquierda, por mucho que algunos rancios ideólogos o poetastros reaccionarios se empeñen en justificar lo que no tiene perdón. Los mismos que atacarán al nuevo FÁCYL porque ellos han perdido parte de su inmerecido pesebre. Ya los leerán, temerosos del futuro y seguros de que cualquier tiempo pasado fue mejor. Con las orejeras puestas.

Por eso tienen sentido textos como La muerte y la doncella, de Ariel Dorfman, que nos enseñan que el mayor enemigo del ser humano no es desconocido. Somos nosotros. Todos somos cada uno de los personajes: Paulina, Roberto o Gerardo. La vida simplemente nos invita a escoger. Sólo hay que ser valiente y mirar a los ojos del futuro sin asustarse.

Otra cosa es que el montaje a mí no me gustara. La propuesta es digna y correcta, pero es lenta y, por momentos, excesivamente pasada en la dirección y en la interpretación. No la de Emilio Gutiérrez Caba, que está muy comedido y muy bien, como casi siempre. Luisa Martín está sensacional en algunos pasajes, pero en dos escenas es demasiado lo que aporta y lo que se pone por encima del texto.

Y es que el texto ya ofrece al espectador un mensaje que está claro y que no precisa de ninguna ayuda. Nadie de los que estábamos allí necesitábamos que nos masticaran los entrantes, el primer plato y el postre. El menú ya era excelente, apropiado y muy ajustado a unos tiempos en los que cualquier idiota, ya sea político, seudoperiodista o programador cultural con poder pero sin criterio nos amenazan día a día con su estulticia y banalidad sin fronteras. Lo extraño es que no hayan ya creado una ONG que los defienda. Tiempo al tiempo.

¡Al carajo la poesía!

2009-11-20T12:51:00.003+01:00

Compañía: Raízde4teatro
Fecha: 19-11-09
Teatro: Sala B del CAEM
Aforo: Lleno

Muy positivo

¡Qué mala suerte! Cada vez que voy a la Sala B del CAEM no tengo entrada y como la nueva jefa de sala no hace nada ni hay nadie de la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura para solucionar el problema… En lo que sí tuve suerte, a pesar de todo, fue en poder entrar a ver ¡Al carajo la poesía! porque conseguí comprar la entrada a una persona a la que le sobraba.

Dinero bien empleado porque el espectáculo de Raízde4teatro, pequeñito, coqueto, acogedor, didáctico y bienintencionado, se te pasa volando entre verso y verso. Y de eso se trata, de presentar la poesía al público de una forma entretenida, positiva y atractiva.

Dos actores nos introducen, en una especie de conferencia, las distintas posibilidades de disfrutar, leer, entender o interpretar la poesía: de Celaya, a Sabina, pasando por Neruda, Santa Teresa de Jesús, Benedetti o Machado, Luis Oliver y Carmen Castrillo, muy sólida en su amplio abanico de personajes, hacen un recorrido por las palabras, las metáforas, los retruécanos, las paradojas o el ritmo que conforma el universo poético y sentimental que todos tenemos en la cabeza.

No es fácil llevar al teatro este tipo de propuesta, pero salen airosos si exceptuamos un pequeño problema: el hilo argumental es débil y el espectador no sabe al final quién le da la conferencia ni por qué, lo cual le quita credibilidad. Lo que hay en medio está muy bien, se lo aseguro. Es imaginativo y tiene escenas inteligentes y divertidas: la de Santa Teresa explicando su poema, la de la lectura de los periódicos, la del Aserejé… pero, no me cuenta una historia y sí, yo soy de esos.

El resultado es un muy positivo montaje sobre las posibilidades del lenguaje (sin haberlo deseado…) y sus diversas formas de afrontarlo en el entorno poético. Y la gente así lo agradeció con un largo y cálido aplauso. A nosotros nos convencieron. Ahora falta que lo hagan por esos teatros del mundo. Ójala lo consigan.

Es-Puto Cabaret

2009-10-16T12:21:00.003+02:00

Compañía: El Espejo Negro
Fecha: 15-10-09
Teatro: Sala B del CAEM
Aforo: Lleno

Ácido vitriólico

¡Y querían que me lo perdiese! Hombre, cualquier otro espectáculo sí, pero éste… Y además, en la Sala B del CAEM y para ciento treinta y ocho espectadores privilegiados. Que no se queje Marianna Travelo. Mejor un polígono que una carpa de La Aldehuela durante las Ferias y Fiestas salmantinas en los años ochenta. Que no se queje, porque el mérito es suyo. Esta función eleva la categoría de cabaret petardo, desaseado y malhablado a la de montaje con todas las letras.

Con Es-Puto Cabaret, El Espejo Negro, con Ángel Calvente a la cabeza, nos invita a una buena copa de ácido vitriólico. Un trago para nada amargo que te deja un regusto a aguardiente del bueno, del de ochenta grados, de ese que normalmente no se vende en establecimientos autorizados. Magnífica manipulación de títeres, escenas muy conseguidas y encabalgadas, textos a lo bruto pero muy trabajados y sarcásticos, ritmo vigoroso y personajes entrañables. Personajes que saben que son marionetas, lo reconocen y lo aceptan: ¡Viva el metamarionetismo!

Eso es lo bueno. Personajes de gomaespuma muy bien construidos, pero mejor manipulados, que cobran vida bajo los focos y dan sentido a la nuestra en la penumbra de la sala durante la hora y media larga que dura la propuesta. Y todo bajo la batuta de una Marianna Travello, maestre de ceremonias perfecto, para dar paso a su perro Troski, a Paco ‘El Lejía’, a Lola Flores –un ejemplo de manipulación de títeres-, a Joselito, a Rocío Jurado, a Freddy Mercury o a los Reyes de España –desternillante escena-.

Y todo ello con textos muy pegados a la actualidad y con improvisaciones cachondas y certeras. Vamos, que te olvidas de que lo que allí hay son títeres o muñecos como coño se diga, que luego salen los puristas y te ponen a parir.

Un acierto para la Sala B del CAEM y un acierto para los espectadores que fueron a tomarse un buen trago de ácido vitriólico a la salud de aquellos a los que no les gusta el aguardiente, lo destile quien lo destile. Y es que luego te queda la garganta perfecta para cantar o esputar… o lo que sea.

El circo de la mujer serpiente

2009-09-29T11:50:00.005+02:00

Compañía: Ananda Dansa

Fecha: 27-09-09

Teatro: Teatro Liceo

Aforo: Lleno

Mi hermana

A mi hermana Mónica la llevamos un día al circo de pequeña, tenía dos o tres años, y no se le olvidará en la vida. Salió un payaso a la pista con un termómetro gigante. El clown tiraba de la cuerdecita que colgaba por debajo del descomunal medidor de temperatura y hacía como que subía el mercurio. Era gracioso hasta que tiró con fuerza y el falso líquido llegó a doscientos grados con el resultado de una explosión gigante provocada por un enorme petardo colocado estratégicamente. Todos sabíamos lo que iba a ocurrir. Todos menos mi hermana, que del susto vomitó encima de la señora que teníamos delante y no ha vuelto a soportar un payaso. Pensándolo bien, esto, ahora que ya tiene edad de merecer, le ha venido de maravilla. Así es que gracias, señor payaso.

Y gracias a Ananda Dansa, que ha creado un espectáculo pedagógico, social (hay una mujer forzuda en vez de un hombre), lleno de vitalidad, colorido, sensaciones positivas, recuerdos entrañables y códigos entendibles para el público familiar al que va destinada la función. El circo de la mujer serpiente es perfecto para que la familia entera vaya a ver un espectáculo que los niños disfrutarán y los padres disfrutarán viendo cómo sus hijos lo hacen.

Basado en el teatro gestual y en códigos muy claros para que todos entendamos lo que allí hay, con alguna excepción como el solo de la mujer serpiente, con un vestuario colorido y muy adecuado y con una pantalla en la que se proyectan ilusionantes sombras, este montaje básico y plano pretende introducir a los más jóvenes en el circo de la danza. Y lo hace con una música reconocible y repetitiva y con un recorrido por los personajes que pueblan habitualmente una carpa. Una troupe simpática y bien avenida: payasos, trapecistas, faquires, mujeres forzudas, presentadores, músicos…

Muy interesante, pero con un pequeño detalle. La programación o los programadores deberían avisarlo. Puede que alguien saliera decepcionado, aunque yo a mi hermana Mónica se lo recomendaría para reconciliarse con el pasado y no vomitar cada vez que vea un payaso por la calle.

Vídeo del espectáculo en Youtube

Maná maná

2009-09-22T18:06:00.002+02:00

Compañía: Los Ulen

Fecha: 18-09-09

Teatro: Teatro Liceo

Aforo: Tres cuartos

El escorpión

¿Qué quieren que les diga? Hoy me he levantado positivo. Lo veo todo del color de la primavera. Respiro y siento que el aire entra por mis venas y me rejuvenece. Siento que todo es mejor. Que la vida es maravillosa, que todo es bueno, bonito y barato. Que cada cual hace lo que tiene que hacer con ganas y con alegría.

¿Quién sabe? Quizás ha sido el montaje de Los Ulen, Maná Maná. Sí, sí, ya sé que el panorama que nos pinta no es demasiado positivo. Pero, a lo mejor, ha sido por ese mismo motivo. Tres personajes de lo más desagradable que, además de hablar como el mejor Chiquito de la Calzada, nos enfrentan con lo que muchas veces somos: guarros, malhumorados, chabacanos, sinceros y muy, muy seguros de sí mismos. La otra parte, el lado oscuro, el reprimido simpático y cabrón.Sutiles no son, pero directos y efectivos sí.

Y todo ello gracias a tres grandes interpretaciones que hacen que el rompecabezas que es el montaje, sobre todo los primeros cuarenta minutos, no se atragante. No hay nada mejor que el buen vino peleón para pasar un mal hueso de aceituna. ¿Qué mejor música que la del Tom Waits más heavy para una cita romántica? Pues lo mismo que los Ulen.

Todo muy bien hecho y con reminiscencias circenses, cabareteras, musicales y surrealistas.Así es que quizás hoy por eso puedo decir que Maná Maná es un gran montaje del que tengo un especial recuerdo, especialmente de su fin de fiesta viajero-musical, y del que me gustó tod… del que me gustó t… del que me… Lo siento, pero no puedo. Soy como el escorpión que picó a la rana y se ahogó junto a ella. No puedo evitarlo. A mí, me aburrió a pesar de todo eso que he dicho (que es verdad). Y me aburrió porque sencillamente no me enganchó y porque no tiene historia. Y yo, desgraciadamente, necesito casi siempre una que me diga algo. Y eso que odio a los escorpiones.

Mamma Mia

2009-09-12T12:42:00.002+02:00

Fecha: 10-09-09
Teatro: CAEM
Aforo: Lleno

Así me va

Lo reconozco. Debo ser yo el que estoy equivocado. Cuarenta millones de personas que han visto este espectáculo no pueden estarlo. ¿Por qué, entonces, me empeño en decir en este artículo que Mamma Mia! no me gustó en absoluto?

Pues por esto. Concierto encubierto. Interpretaciones salidas de una mala película del oeste. Contenido nulo y mal desarrollado. Canciones famosas correctamente cantadas. Coreografías bien desarrolladas y multitudinarias. Casting mal elegido. Un envoltorio muy bonito, pero absolutamente vacío de cualquier elemento de interés.

Concierto encubierto porque se desgranan uno a uno los grandes éxitos de Abba sin ton ni son y con poco acierto en el libreto, determinado por unas letras que, no nos engañemos, tienen muy poca profundidad lírica y dramática.

Interpretaciones salidas de una mala película del oeste porque todos hablan sin naturalidad, como si estuvieran en el salón de Devil City justo antes de un duelo entre el sheriff y un asaltador de bancos. Especialmente los personajes de Dona y de Sam.

Contenido nulo y mal desarrollado porque la historia, por mucho que queramos, carece de contenido dramático verdadero, la hemos visto cincuenta mil veces mejor desarrollada, adolece de credibilidad, es puro caramelo endulzado a mayores y no tiene fuerza suficiente como para durar más de dos horas.

Canciones famosas correctamente cantadas porque lo son y porque lo están.

Coreografías bien desarrolladas y multitudinarias porque es así y porque es lo que le gusta al público.

Casting mal elegido porque, aunque el personaje de Sofie canta bien, no parece lo que tiene que parecer. Se asemeja a una niña de quince años en vez de a una mujer de veinte, que es lo que exige la historia, lo que la convierte en algo surrealista. Su cuerpo y su voz no reflejan el personaje que exige lo que allí se está contando. Demasiado infantil.

Resultado: Un envoltorio muy bonito, pero absolutamente vacío de cualquier elemento de interés y un teatro repleto puesto en pie y enfervorecido con todo lo que allí vimos. El equivocado debo ser yo, aunque no me baje del burro. Así me va.

Arte

2009-09-07T08:42:00.002+02:00

Dirección: Eduardo Recabarren
Fecha: 04-09-09
Teatro: Teatro Liceo
Aforo: Tres cuartos

Matices

Hay textos que son un éxito seguro. Que estamos aburridos o no sabemos qué montaje hacer, pues recurrimos a El sueño de una noche de verano o a Arte, por ejemplo. Textos, éste último por su cercanía temporal, que tienen todas las de triunfar por su calidad indudable. Y es que Yasmina Reza sabía lo que se hacía cuando lo escribió. De hecho, estará viviendo estupendamente gracias a él por mucho tiempo –espero- y sus herederos también.

Otra cosa es que llevarlo a escena no implique ciertos riesgos. Una escenografía cool, una versión recortada en algunas partes y tres actores conocidos no siempre ofrecen el mejor resultado si de teatro hablamos. Otra cosa es que las taquillas sean suculentas y que la mayoría del público se vaya satisfecho a su casa.

Y eso ocurrió en el Teatro Liceo. Arte sigue funcionando porque es un texto perfectamente engrasado y porque –perdonen la comparación- es un texto que ante las peores condiciones posibles se crece y sabe sacar cosas positivas sin que se lo pidan: es como un actor que tiene tablas.

Esta versión funciona con el público y la gente premia con un gran aplauso lo que acaban de ver. Innegable. Pero, desde mi punto de vista, lo que se presentó sobre el escenario es un montaje entretenido sin matices, sin tonalidades que le den interés. Una propuesta en la que los roles que propone la obra para cada personaje se pierden a medida que avanza –especialmente los de Sergio, plano y afectado, y Marcos, excesivamente macarra-. En definitiva, al final todo se reduce a una lucha de egos en la que lo único que importa es quién da más voces, olvidando la fragilidad de la amistad o los sentimientos más profundos del ser humano, lo que nos hace la soberbia o el qué dirán.

Y me temo que esto es un problema de la dirección y, en parte, de la versión. Entre las dos dejan a los personajes planos, exentos de evolución dramática, demasiado exteriores y sin fuerza emocional. Hay humor y destellos de muy alta comedia, pero de la visión inteligente del mundo masculino y de su manera de entender la amistad que contiene el texto poco pudimos disfrutar.

Vimos Arte, sí, pero sin más. También podíamos haber visto El sueño de una noche de verano y quizás hubiéramos acertado. Aún así, se nos pasó el rato de manera agradable.

Segunda oportunidad de ver 'Sin r de adio'

2009-08-21T14:14:00.004+02:00

'Los Hernández de Segundo' -Maribel Iglesias y Carlos Vicente- vuelven al Café Bar Tío Vivo para probar su nuevo espectáculo, 'Sin R de adio', una historia en la que el público asiste a la última emisión de un alocado programa de radio presentado, dirigido y falseado por estos dos artistas que ya hicieron las delicias de los aficionados al teatro de texto comprometido, ácido, actual y lleno de referencias a su propia actualidad en Trío de Ases o el Café Teatro de la Vega (el único e inigualable).

El lunes, 24 de agosto, a las 23 h, en el Café Bar Tío Vivo.

Sin R de adio, en el Tío Vivo

2009-07-27T10:01:00.002+02:00

No tenemos remedio. No tenemos vergüenza. No tenemos estudios. No tenemos dinero. No tenemos ganas de tener dinero. No tenemos perdón. Por no tener… No tenemos ni R de adio.

Lo que sí tenemos es un ensayo general con público de nuestro nuevo espectáculo en el Café Bar TíoVivo, el lunes 27 de julio, a las 23 h.

No faltéis, que nos gusta que nos aplaudan y nos agasajen y que nos… Bueno, ya sabéis.

El sueño de una noche de verano

2009-07-27T09:20:00.002+02:00

Compañía: UR Teatro
Fecha: 24-07-09
Teatro: Patio de Fonseca
Aforo: Lleno

Mucho teatro

No me gusta hacer la ola cuando voy al fútbol, te entretiene y te molesta durante se desarrolla lo que has ido a disfrutar. Me molesta y me pone nervioso que un señor se levante en medio del partido que tú has pagado y no te deje ver lo que realmente merece la pena. Pero mira, no me hubiera importado que, al finalizar el espectáculo de UR, durante el transcurso no, hubiéramos hecho una ola de las buenas.

Para andarnos sin rodeos, que la ocasión lo merece: este montaje de UR sigue siendo de lo mejor que ha pasado por Salamanca en los últimos quince años y continúa manteniéndose fresco, vital y atractivo para el espectador. No hay mejor versión española de El sueño de una noche de verano que la de Helena Pimenta. Y mira que se han hecho…

Verdadero teatro el que se nos ofrece durante hora y tres cuartos en un banquete que nadie en su sano juicio debería rechazar. Eso sería signo de la anorexia mental más desoladora que el ser humano puede sufrir, un crimen de lesa majestad.

Tiene ritmo, tiene interpretación, tiene dirección, tiene un concepto claro y contundente, tiene criterio en el expurgo del texto –muy importante-, tiene sentido del humor, tiene contención y tiene teatro dentro, mucho teatro. Universalidad indeleble en el tiempo, que hace de este montaje un clásico que permanecerá grabado a fuego en nuestras memorias.

Y todo esto gracias a una dirección vigorosamente moderna, a pesar del paso del tiempo, y a seis artistas que en escena lo dan todo y se muestran como verdaderos actores y actrices en plenitud, con el ego debidamente dosificado y con las cosas muy claras para ofrendar todo su trabajo a la mayor gloria del conjunto. Al igual que la iluminación (¡qué susto cuando se te van las luces en mitad de la actuación!) y la banda sonora.

Conclusión: Helena Pimenta es una creadora, una directora que, unida a William Shakespeare, se convierte en autora por derecho propio. Ya nos gustaría a muchos ser heridos por el dardo de la inspiración que rezuma todo el montaje. Una lástima que no saliera a saludar. Merecía el aplauso final. Igual que esa noche de verano recibió un espectáculo de grandísimo calibre.

Entrevista con Los Hernández de Segundo

2009-07-24T07:47:00.004+02:00

Los Hernández de Segundo poniendo toda la carne en el asador

Salamanca, 24 de julio de 2009

Los Hernández de Segundo estrenan ‘Sin R de adio’, un espectáculo lleno de humor, acidez e ironía

'El título se nos ha ocurrido a nosotros solitos', han declarado Maribel Iglesias y Carlos Vicente, que actúan en el Café Bar Tío Vivo el lunes, 27 de julio, a las 11 de la noche

La acidez, la crítica y la diversión llegan por fin a los teatros salmantinos de la mano de ‘Los Hernández de Segundo’, Maribel Iglesias Hernández y Carlos Vicente Hernández, que este lunes, 27 de julio, en el Café Bar Tío Vivo, a las 23 h, ponen en escena su mejor montaje… y el primero: ‘Sin R de adio’. Les presentamos en exclusiva una entrevista con estos singulares artistas que, por supuesto, hacemos en un bar a las cuatro de la madrugada.

¿Qué nos cuentan en ‘Sin R de adio’?
Maribel: En este espectáculo, de una hora y cuarto de duración, el espectador podrá ver cómo dos locutores hacen la última emisión de un programa de radio titulado ‘Sin R de adio’ porque sus jefes de la emisora ‘Ponte Radio’ han decidido echarlos a la calle.

¿Es, pues, su montaje una crítica a la situación de crisis que estamos viviendo ahora?
Carlos: ¡Qué va! Ni mucho menos. Si yo fuera director de emisora y escuchara el programa que nosotros planteamos, haría exactamente lo mismo. En esta propuesta hay crítica y acidez, por supuesto, pero siempre partiendo del hecho de que somos los primeros en reírnos de nosotros mismos. Luego, evidentemente, hay referencias a la actualidad local, nacional, internacional y divina. No podemos sustraernos a nuestras trayectorias de los últimos años: nos gusta hablar de lo que conocemos.

¿Siguen fieles a su estilo?
Maribel: Hay que ponerle los cuernos a la fidelidad y a la monogamia. Nuestro estilo es muy ecléctico porque colaboramos con mucha gente: Miguel Martín, Roberto G. Encinas, Fabio Rodríguez de la Flor...
Carlos: Bueno y también Lorca, Thoureau o Confucio, que pasaban por allí y nos inspiraron. Vamos, que les damos nuestro toque personal a los textos (porque nosotros hacemos teatro de texto), pero tocamos muchos palos.

Sin embargo, Alfonso Mendiguchía ‘Mendi’ ya no está con ustedes…
Maribel: En espíritu sí. Y por las noches tomando copas también. Trío de Ases siempre estará ahí dispuesto a hacer actuaciones y otras cosas. Mendi, por fin, se ha dado cuenta de que podíamos hacer cosas solitos y se ha atrevido a coger las maletas e irse a Madrid a hacer castings y triunfar en el mundo de la televisión y esas cosas raras que hacen los actores en la capital. Nosotros nos dimos cuenta enseguida de que su verdadero sitio estaba allí, porque cuando se emborrachaba no hacía más que repetir ‘ya te llamaremos’ y, claro, eso imprime carácter.

‘Sin R de adio’ es, pues, una sorpresa constante
Maribel: Pues sí, para qué os vamos a engañar. Hay radio, hay entrevistas, hay actualidad, hay informativo, hay encuestas callejeras, hay personajes históricos y hasta hay un consultorio estilo Elena Francis. Todo aderezado con buena interpretación y con unos textos magníficos. Lo difícil va a ser aprendérselos, que como a estos autores les gusta poner sinónimos y adjetivos a cualquier cosa, pues luego llegamos el día del estreno y lo llevamos con pinzas.
Carlos: Como casi siempre. No hay que rasgarse las vestiduras por ello.

Suena a inteligente este ‘Sin R de adio’
Maribel: No se lo digan a nadie, pero este título se nos ocurrió a nosotros solitos.

Para más información:
Maribel Iglesias Hernández
T 661 628 394
maribelinateatro@gmail.com

Carlos Vicente Hernández
T 661 264 241
carlosvi70@yahoo.es
http://teatroensalamanca.blogspot.com

Los Hernández de Segundo estrenan 'Sin R de adio'

2009-07-23T08:10:00.003+02:00

¿Qué puede salir de la última emisión de un programa de radio que realizan 'Los Hernández de Segundo'? ¿Qué puede ocurrir cuándo se juntan en un escenario Maribel Iglesias y Carlos Vicente? ¿Habrá diversión, habrá ironía, habrá crítica? Pues claro que sí, que somos nosotros.

No obstante, puedes ir a ver nuestro nuevo espectáculo, ‘Sin R de adio’, el lunes 27 de julio, a las 23 h, en el Café Bar Tío Vivo. Y tráete a tu novia, novio, padre, madre o amigo contratado. Nos dan lo mismo tus relaciones sociales, pero tráelos.

Disfrutad.

La fierecilla domada

2009-07-23T08:00:00.005+02:00

Dirección: Mariano de Paco
Fecha: 21-06-09
Teatro: Patio del Colegio Fonseca
Aforo: Tres cuartos

El ritmo

Al final esto del teatro va a resultar que es una cuestión de texto y actores que imprimen ritmo a ese texto. Lo que cambia el decir bien las cosas, en el momento justo y con el tono adecuado a decirlas a destiempo y sin saber lo que se está diciendo.

La fierecilla domada, montaje dirigido por Mariano de Paco, está pensado para divertir al público con el ritmo que le imprimen los actores en escena. Todo está dirigido de forma sencilla, podríamos decir que incluso muy clásica, pero haciendo hincapié en el ritmo y la cadencia que los intérpretes le deben poner a cada una de las frases que pergeñó el gran Shakespeare.

Todo es externo, pero funciona porque el objetivo del montaje es divertir. Y lo consigue durante las más de horas en las que nos cuenta la historia del borracho al que hacen creer que es un señor, representando la comedia de la fierecilla domada: teatro dentro del teatro. La modernidad está en los clásicos que decía el otro. Comedia de enredo hecha con sentido del ritmo y con buenos actores, entre los que destacan Mario Martín y José Manuel Seda.

Simplemente, una pequeña duda: el vestuario, que hace que la trama se enrede un poco, sobre todo al final. Es un elemento discordante dentro del conjunto. Confunde y equivoca a un espectador que ya está lo suficientemente enganchado. Y no es que uno se aferre a las épocas y esas zarandajas, que también me gustó la música del saludo, elemento rompedor, no. Pero, si un único personaje de la comedia sele vestido con el atuendo de otra época, pues canta un poco.

Por lo demás, nos lo pasamos bien y se nos hizo corta esta pieza que trata con ligereza un tema machista riéndose de los hombres. Vamos, que los amigos de lo políticamente correcto o las ministras que encuentran en cualquier cosilla un titular de prensa saldrían decepcionados por no poder despotricar contra algo que habla supuestamente a favor de la dominación de la mujer por parte del hombre. Una pena para ellos y una maravilla para nosotros… y para los periodistas.

Intrussión en el Tío Vivo

2009-07-19T19:10:00.004+02:00

Intrussión teatro, una de las compañías salmantinas con mayor proyección y mejor trayectoria en el panorama salmantino y castellano leonés, estrena, el lunes, 20 de julio de 2009, a las 23 h, en el café bar Tío Vivo, Intrusionados, un montaje de sketches que incluyen el humor y el excelente uso del lenguaje que caracterizan los textos de Roberto García Encinas.

Podréis ver dos escenas nuevas y algunas no muy conocidas estrenadas en eventos como la Feria del libro antigujo y de ocasión de Salamanca.

No os perdáis a Manoli Vicente, Esther Nácar, Alfonso Mendiguchía y el propio Roberto G. Encinas porque os harán pasar un rato muy divertido.

Disfrutadla.

Verano en la Cueva

2009-07-19T18:53:00.007+02:00

Con texto de Luis García Jambrina y dirección de Mariano de Paco, este año se vuelve a promocionar La Cueva de Salamanca mediante teatro y con actores de Salamanca: Alfonso Mendiguchía, Suso Sudón, Germán Mira y Carlos Vicente.

La duplicidad de Salamanca, la existencia de una ciudad interior y otra exterior, la simbología de la cueva como espacio de la heterodoxia y la exclusión, de esa Salamanca que lucha por salir y que ha acabado siendo taponada por la Salamanca culta y oficial se dan cita de la mano de este interesante montaje titulado Viaje al fondo de la cueva, basado en la novela de García Jambrina, El manuscrito de Piedra.

Desde este blog os recomiendo que os paséis todos los viernes y sábados hasta el 12 de septiembre a las 9.30, 10 y 10.30 h. Los pases duran unos dieciocho minutos y el ritmo es muy ágil por lo que la propuesta se te pasa volando.

Id a verlo y no os arrepentiréis.

La propuesta está organizada por turismo de salamanca.

El encuentro de Desacrtes y Pascal joven

2009-06-25T14:04:00.002+02:00

Dirección: Josep María Flotats
Fecha: 24-06-09
Teatro: Caja Duero
Aforo: Lleno

Afortunadamente

Tengo un amigo al que le colocaron de segundo nombre Macario y que no está muy contento con lo que le tocó en suerte. Un detalle puede cambiarlo todo. En este caso no, afortunadamente. El nombre de esta nueva propuesta de Flotats, El encuentro de Descartes con Pascal joven, es lo único que le sobra al montaje que este magnífico actor dirige y protagoniza. Hombre, el título es descriptivo, pero también es frío y feo un rato largo.

Todo lo demás es digno de admirar. Una pequeña lección magistral de teatro de texto defendido con maestría desde la dirección, desde la interpretación y desde la sobriedad conceptual. Un espectáculo que puede pasar desapercibido para quienes no gustan de un teatro hecho por y para deleitarse en la palabra bien dicha y mejor interpretada.

Pascal y Descartes se encontraron una sola vez en su vida, en 1647. El primero era joven y estaba obsesionado con la defensa a ultranza de una fe ortodoxa y jansenista. El segundo tenía ya sus años y una experiencia envidiable. Al no haber testimonio de tal encuentro, el autor, Jean-Claude Brisville, nos presenta una crónica ficticia de lo que pudo haber sido tan interesante reunión.

¿Qué iban hicieron estos dos personajes en aquella situación? Pues hablar. Y eso es lo que nos propone la dirección de Flotats, dos personajes hablando de sus diferentes concepciones de Dios y la religión, de la vida. Dos actores sentados frente a frente, con muy pocos, pero acertados movimientos escénicos, con escasos elementos escenográficos y mucho diálogo. ¿Aburrido? En absoluto. Un curso entero de buen teatro, de interpretación ajustada, de entonación y de intención y de texto fino y con el toque justo de finura e ironía.

Una sutil advertencia para todos aquellos que se rodean de grandes efectos y alaracas con el fin de esconder su falta de sapiencia y sensibilidad. Una confirmación de que el texto y dos actores sirven para hacer buen teatro sin aburrir. La prueba viviente de que el teatro está vivo y nos hace vivir. El ejemplo de que un título malo simplemente es un título malo. Afortunadamente.

Show Park

2009-06-20T19:30:00.002+02:00

Compañía: Spasmo Teatro
Fecha: 18-06-09
Teatro: Liceo
Aforo: Tres cuartos

En pocas palabras

Dejémonos de gestos inútiles. En pocas palabras: Show Park, de Spasmo Teatro, funciona con el espectador. Y no lo hace por su originalidad porque, en realidad, esos personajes con esos grititos y esas risitas, esos movimientos circulares en grupo, esas bajadas al patio de butacas, ese humor grueso y ese gusto por el travestismo estaban ya en otros espectáculos anteriores –Ojalemos que aplausan y A fiestro y liniestro, los mejores de lejos-. ¿Más de lo mismo?

En parte sí y en parte no. Los chicos de La Vega dan un pequeño paso adelante y son capaces de dotar a la totalidad de hilazón y momentos de mala leche inteligente (la entrega de los Oscar es verdaderamente surrealista) a costa de cierta limpieza técnica. No es que corran ríos de discurso por debajo de las escenas, pero sí tienen coherencia casi todas las secuencias que conforman la hora y veinticinco de espectáculo. Esta vez, parece que las cosas no están puestas ahí porque sí –aunque, por ejemplo, hay cosas que no tienen sentido dentro del conjunto: ¿Qué hace ahí el sketch de los gitanos?-.

No obstante, el hecho de utilizar un armazón compuesto por un parque en una ciudad imaginaria, una acotación temporal de una jornada normal y corriente, cinco personajes principales muy trabajados en su tipología gracias a otros espectáculos y la programación de una emisora de radio, hace que, en esta ocasión, el espectáculo gane y tenga la apariencia de robusto. El diseño de luces y la selección musical ayudan de verdad.

Muy interesantes la escena del demiurgo con sus marionetas bailarinas y los personajes del vendedor de lotería y del mangui, creados con fuerza, convicción y gancho, y algo desaprovechado el mendigo, cuya única misión parece la de sacar el transistor que da voz a la emisora de radio y nos da la información del paso del tiempo y de algunas acciones.
Total, que Isi, Vicente, Jesús, Álvaro y José Gabriel hacen de manera impecable lo que mejor saben hacer: que el espectador olvide dentro y fuera del teatro sus problemas, ni más ni menos. Al menos ese parece el objetivo de este montaje. Seguro que cualquier programador estará encantado de llevar a su teatro una propuesta que hace reír casi de principio a final.

¿Y el público? Muy entregado desde la escena de presentación, muy engrasada y ágil. Por cierto, muy cinematográfica y con toques de cómic. Éxito y abrumadores aplausos. Así es que dejémonos de gestos inútiles. En pocas palabras: Show Park, de Spasmo Teatro, funciona con el espectador. Bueno, y con algo más de hilazón y consistencia. ¿Para qué quieren más?

Ahora

2009-06-16T14:43:00.002+02:00

Ahora que lo que Zapatero te da por un lado para que te compres un coche, y así estimular la economía, te lo quita con la subida de impuestos en la gasolina, para estimular la caja de la recaudación. Ahora que los bancos no te dan un euro, justo cuando está el dinero barato. Ahora que todo fluye y gira en el sentido en el que ellos quieren que gire. Ahora son necesarios el arte y la cultura para soportarlo todo. Y mucho más el teatro.

Y ahora es necesario decir que el Festival de las Artes de Castilla y León debe celebrarse y hacerlo para siempre en Salamanca. Por mucho que algunos digan que esto no sirve para nada y que afirmen que esto es como el traje nuevo del emperador. Y no es que los demás no seamos críticos, pero lo somos con determinados aspectos de la gestión y preferimos preguntarnos cosas y dudar a criticar sin pasar ni un solo día por el Teatro Liceo o el CAEM.

Ahora, por ejemplo, podemos preguntarnos ¿por qué el Festival tiene tan poca visibilidad nacional e internacional? ¿Por qué se ve a pocos programadores de otros festivales en el patio de butacas? ¿Por qué un belga no estrena su espectáculo aquí y sí lo hace en Avignon? ¿Por qué pagas mucho dinero por traer un excelente trabajo de Jan Fabre y no viene a presentarlo y a dar una charla el propio Jan Fabre? ¿Por qué no te preocupas por traerte a los seis directores más reconocidos del panorama internacional y haces algo con ellos durante tres días? ¿Por qué unos años la programación de teatro de sala es tan buena y regular como la de este año y otras ediciones no se salva ni el veinte por ciento de las producciones, como en 2009? ¿Por qué las entradas vienen numeradas y la gente se sienta donde le da la gana? ¿Por qué este año no ha habido abonos? ¿Por qué la programación se anuncia tan tarde? ¿Por qué se cierra el V Festival con un espectáculo tan pobre como el de Alicia Soto y Post Theater? ¿Por qué hay gente tan idiota que quieren que esto se vaya a otra ciudad? ¿Por qué había espectáculos de calle programados a la intempestiva hora de las tres de la tarde? ¿Por qué Lev, Mortal Engines, Orgy of tolerance eran tan buenas y Yo en el futuro o Super Gravity-Zero Gravity tan olvidables? ¿Por qué cuando baja el presupuesto se empieza a llamar a gente de Salamanca? ¿Por qué se ve tan poco ambiente de Festival en la calle?

La única respuesta que se me ocurre ahora es que por esto es por lo que precisamente me gusta el Festival. Vamos, que me hace sentir más libre, más abierto, con más dudas. ¡Que no todo debe ser dinero bien gestionado para subvencionar libros aburridos y pedantes! El resto pregúntenselo a Guy Martini y a la persona que le contrata. Seguro que ellos tienen una respuesta. Otra cosa es que nos convenzan.

Super gravity-Zero gravity

2009-06-15T10:28:00.003+02:00

Compañía: Alicia Soto-Hojarasca/Post Theater
Fecha: 13-06-09
Teatro: Teatro Liceo
Aforo: Lleno

Tropiezo

Los tropezones suelen ser malos para quien los sufre. Te puedes hacer daño, la gente muchas veces se ríe y la seguridad en ti mismo disminuye durante un tiempo. Y si hablamos de danza, mucho más. No sé qué intereses existen para que un espectáculo como este Super Gravity-Zero Gravity cierre una cita de la categoría que debe tener nuestro Festival de las Artes de Castilla y León, pero quien lo ha hecho, quien lo ha programado como colofón y broche final, se ha equivocado. Ha tropezado.

Alicia Soto-Hojarasca y Post Theater nos presentan un espectáculo feo, un híbrido carente de peso y emoción para llegar al espectador. ¿Por qué? Pues porque en este espectáculo no hay danza, no hay concepto y no hay algo con sustrato e interés que llegue al espectador. O, por lo menos, no parece que haya nada, puesto que nada mana del escenario y llega al patio de butacas. Carece de la gravedad suficiente –entiéndase que hablo de grandeza-.

Con momentos repetitivos, aburridos e incluso algo desbaratados, como la escena en la que uno de los actores habla con varias de sus personalidades, este montaje se aleja del espectador a medida que avanza y transita por la senda del devenir inconstante, del quiero y no puedo.

Y parto del hecho de que el aspecto investigador que contiene el espectáculo, esa unión entre danza y vídeo, es lo único que se puede salvar, aunque se queda demasiado corto como para realizar una propuesta sincera y con entidad para llenar una hora. Y eso es lo que parece que ocurre, que nos presentan un conjunto de retazos inconexos y unidos por algunos movimientos rígidos y encorsetados que producen lo contrario de lo que la danza contemporánea debe transmitir: sentimientos.

No transmite fuerza, sensibilidad, ideas…. Vacuidad y rigidez es lo que domina en una propuesta que, repito, deja un mal sabor de boca para un Festival cuya media de espectáculos de sala este año ha sido muy positiva. Quedémonos con ellos y olvidemos estos tropiezos.

Mortal engine

2009-06-12T13:29:00.003+02:00

Compañía: Chunky Move
Fecha: 11-06-09
Teatro: CAEM
Aforo: Medio aforo

Y viceversa

Aparece en la prensa la noticia de que, dentro del marco de la feria de arte contemporáneo Art Basel, se ha hecho un experimento titulado El tiempo del cartero en el que varios artistas presentan sus obras en la caja de un teatro, con el espectador en el patio de butacas. El objetivo es que el artista domine y controle el tiempo que el espectador visualiza su propuesta (parece ser que el tiempo medio que gastamos para ver una obra de arte es de tres segundos y medio).

Con un aparataje estético brutal, que envuelve al espectador gracias a los efectos especiales e informáticos, una banda sonora recauchutante y potente y unos bailarines cuyos movimientos son preciosos, los australianos Chunky Move construyen un conjunto de pequeñas piezas de arte que presentan al público en un escenario para epatarlo y, paradójicamente, para que tengan tiempo de degustarlo y reflexionar. Es Mortal Engine.

Cada una de esas pequeñas piezas influidas por la tecnología podría estar perfectamente en nuestro DA2 y no desentonaría para nada. Potencia visual y sonora que dejan poco espacio a la crítica. No obstante, juntas pueden parecer, en algún caso, repetitivas. Visto el efecto, visto el espectáculo, podrían decir algunos.

De todas formas, su mensaje nos habla contundentemente de energías buenas y malas. De eso de lo que no puede separarse el ser humano por mucho que lo desee: de sí mismo. Intensa reflexión digital que se diluye a ratos entre tanto efecto visual. Contrasentido del paraíso de la tecnología en el que se convierte muchas veces nuestra vida.

Me gustó por su intensidad, su capacidad de impactar y por el trabajo técnico y plástico de los bailarines –su trabajo es el que más me ha emocionado este año en el V Festival de las Artes, si hablamos de danza-. No me gustaron los momentos (escasos) en los que la técnica seca el río sensual y poético que fluye por debajo de un espectáculo grande que merece la pena ver y sentir -aprovechen porque la tecnología evoluciona velozmente y, dentro de poco, este tipo de ingenios se podrán ver en cualquier espectáculo tipo Circo del sol y ya no les impactará tanto-. Pero, es lo que tiene esta propuesta: sin la técnica, la pasión no se haría presente. Y viceversa, no se olviden, por favor.

El triciclo

2009-06-11T14:59:00.003+02:00

Compañía: Fabularia
Fecha: 10-06-09
Teatro: Caja Duero
Aforo: Lleno

El dichoso ritmo

¿Quién no ha querido volver a ser niño alguna vez, recuperar esos comportamientos alejados del retorcido colmillo de la responsabilidad que crece con el paso del tiempo? La frescura, la vitalidad, los sueños, las expectativas, la ingenuidad…

El triciclo, de Fernando Arrabal, habla de adultos que son niños ingenuos. Ese es el quiz de la cuestión: la ingenuidad, la utopía. Por eso creo que trasladar la acción de este texto al ámbito de la calle, del hip-hop y los grafittis es una muy buena idea de Fabularia. Escuchemos las letras de los cantantes de este tipo de música y observaremos que, aparte de su muy interesante lirismo mezclado con cierta agresividad dialéctica, hay mucha utopía ingenua y necesaria en ellas. Es más, sus letras, reivindicativas, con alto contenido de protesta social y de denuncia y crítica contra el estado o el control policial, le van que ni pintadas a un texto en el que la policía les quiere hacer mucho daño a los protagonistas. Les va porque son de los últimos utópicos.

Otra cosa es que, al introducir al grafitero en mitad de las escenas y cortar los diálogos y las acciones para pintar el nombre de algún personaje o alguna frase importante (hay cierto aspecto cinematográfico en esto), se lastre totalmente el ritmo del montaje, que hace aguas de manera estrepitosa en ese aspecto.

Y mira que la labor de Lourdes Martínez como Mita es intensa, que la propuesta tecnológica con cámaras en directo es interesante, que Korazón Crudo tiene garra rapeando, que la sustitución del personaje del policía es inteligente y que la escenografía es interesante, aunque un poco desaprovechada con esos andamios móviles y los acuarios con peces y las pantallas y las proyecciones…

Pero el dichoso ritmo, ¡ay el dichoso ritmo! Torna en fallida una propuesta que, afortunadamente, acaba mejor de lo que empieza. Curioso, justo en el momento en el que el grafitero pinta mientras hay acción, mientras no interrumpe lo verdaderamente importante, cuando deja de ser el foco de atención y permite que el texto y la acción fluyan como el autor pretendía. Una pena.

(Purgatorio) POPOPERA

2009-06-10T13:28:00.003+02:00

Compañía: Emio Greco/PC
Fecha: 09-06-09
Teatro: Liceo
Aforo: Lleno

Intuiciones

¿Se han levantado ustedes con la sensación de que va a ocurrir algo? ¿Tienen de vez en cuando la intuición de que su equipo va a ganar ese fin de semana o de que les va a tocar la primitiva? Hay gente que vive de esas intuiciones y le va muy bien. O si no, fíjense en… O no, mejor en… Bueno, qué más da.

Claro, que si yo me tuviera que ganar la vida confiando en las mías, ahora mismo estaría viviendo debajo de algún puente, porque antes de entrar en el Liceo para ver este (Purgatorio) POPOPERA, intuí que la cosa podía estar bien y que íbamos a ver algo que nos podía marcar emocionalmente. Y así se lo dije a mi acompañante. Fallé estrepitosamente. Salí frío, muy frío del teatro.

Ni la cantante, con su bella e hipnotizante voz, ni la destreza técnica y física de los bailarines, en algún momento desacompasados y excesivamente gimnásticos (a algunos se les podría poner nota de Olimpiadas tipo 8’327), ni el diálogo que se establece entre el bien y el mal, diluido entre demasiados focos de acción, ni la supuesta fusión entre música y danza ni la acertada iluminación fueron capaces de engancharme a un espectáculo en el que se fusionan, de forma inteligente, los fundamentos clásicos con los contemporáneos, rasgo muy destacable éste, pero insuficiente para conectarme a una propuesta que al final me aburrió.

Y es que eso es lo que tienen algunos montajes, que todo está bien pero es muy frío y se aleja de ti sin querer. Se te escapa de los dedos y toma la senda del olvido y no hay nada que hacer por mucho que lo intentes. Y miren que yo lo hice: dejarme llevar, centrarme en la danza, focalizar en la música, analizar el vestuario o la iluminación, buscar un sentido… La conclusión seguía siendo la misma.

Así es que si ustedes se fían de las intuiciones, por lo menos no lo hagan con las mías. Eso sí, pueden hacerme caso si les digo que, a pesar de mi falta de olfato en algunas ocasiones, el V Festival de las Artes va muy bien en lo que respecta al teatro de sala. Y yo, a riesgo de fallar (cruzo los dedos) que vaya a mejor. Por el bien de todos y de la Salamanca moderna y universal que la gente de bien desea.

Lev

2009-06-09T15:44:00.003+02:00

Compañía: Muta Imago
Fecha: 08-06-09
Teatro: Caja Duero
Aforo: Dos tercios

Todo fue bien

Ayer todo fue bien en el apartado de teatro de sala del V Festival de las Artes de Castilla y León. Fuimos al Teatro de Caja Duero, nos cortaron la entrada, abrieron a la hora y el espectáculo fue de los que emocionan y hacen afición.

Lev, que así se llama este montaje de la compañía italiana Muta Imago, es una composición de verdadero teatro de emoción, un poema de imágenes con profundos retazos de emotividad, sensibilidad y juegos estéticos que arrancan del espectador los fulgores cálidos y acompasados que el corazón necesita para funcionar en plenitud. Alimento espiritual reconfortante y bello. Lirismo no exento de fuerza y de vida interior. Potencia visual acompañada de víscera cocinada a fuego lento.

Me gustaría pensar que si alguna vez me pegan un tiro en la cabeza todo va a ser como lo representan estos italianos, que, con mesura y con unos efectos especiales salidos de la reflexión y de la emoción a partes iguales, son capaces de representar algo angustiante de una manera mesurada y hermosa: reconstruyen los recuerdos de Lev, el protagonista, con una sensibilidad al alcance de unos pocos elegidos. Se quedan con lo esencial, extraen la esencia de lo que quieren contar y lo plasman con sencillez y habilidad imaginativa.

Es más, el trabajo del actor protagonista y su despliegue físico está a la altura de todo el espectáculo, la iluminación, en la que se sustenta gran parte de su completo resultado final, es excelente y la música está elegida con acierto desde la primera hasta la última nota.

Y al final, el espectador agradece ese río de lava cálida y contundente que le ha bañado y recubierto desde el primer minuto hasta el último. Un acierto que hay que agradecer a una compañía cuyo teatro, si sigue explorando por este camino, abre una senda interesante que atrapará a muchos espectadores deseosos de sentir la suave caricia de la melancolía aterciopelada y para nada afectada de un buen montaje.

An anthology of optimism

2009-06-08T13:15:00.002+02:00

Compañía: Campo
Fecha: 07-06-09
Teatro: Teatro Liceo
Aforo: Dos cuartos

Seamos optimistas

Seamos optimistas y pensemos que esta antología del optimismo de Campo es un show. Seamos optimistas y pasemos por alto si el lugar en el que se ofreció es el más adecuado. Seamos optimistas y demos un voto de confianza a un espectáculo bienintencionado, no aburrido y naif, muy naif. Bueno, y algo friki también, ¿para qué vamos a mentir?

Al loro. Dos directores de escena que se enfrentan dialécticamente de una forma muy ingenua para determinar si todavía existe optimismo en el mundo. Pero, no un optimismo cualquiera. Un optimismo crítico. Esa fase en la que uno tiende a ver el vaso medio lleno, pero de una forma razonada, observando los pros y los contras y decidiendo en consecuencia.

Y lo hacen con pocos medios –¡Todavía quedan proyectores de transparencias!-, con grandes dosis de humor sencillo y con gran optimismo, porque plantarse encima de un escenario con algo más que un discurso pseudopolíticosociológico y carteles de colorines escritos a mano y soltar una hora y veinte de argumentaciones, en algunos casos, extremadamente infantiles es ser optimista… y un poco friki en los tiempos que corren.

Y ahí es donde está el asunto. Que podrían haberlo hecho de cualquier otra manera. Con medios digitales avanzados, con actores de alto nivel en el escenario, con un grupo de música en directo, con el público enviando SMS para opinar, etc. Pero no, lo hacen a pelo y con una sonrisa en la boca. Como otro de sus chistes evidentes pero con sentido. Vamos que nos están diciendo: ‘El optimismo es lo de menos, es el envoltorio. Lo importante es pensar, es reflexionar’.

En definitiva, un montaje inclasificable, sincero, alejado del paroxismo y con dosis de humor universal por lo evidente, con dos actores cuyos personajes rayan la naturalidad autoimpuesta y con mensaje que no debemos olvidar. Seamos críticos y dejémonos de chorradas, que se puede hacer de muchas maneras. Unos lo hacen masturbándose en escena y otros con unas simples transparencias que parecen sacadas de las antiguas clases de ciencias. El resultado puede que sea el mismo si somos optimistas.

Yo en el futuro

2009-06-05T11:52:00.004+02:00

Compañía: Federico León
Fecha: 04-06-09
Teatro: Teatro de Caja Duero
Aforo: Dos tercios

No entiendo

Yo pensaba que cuando uno va al teatro con una entrada, una señorita con una sonrisa más o menos forzada en la boca te la recoge y la corta, la perfora o lo que sea. Pues no. Ahora, por lo visto, en las actuaciones del V Festival de las Artes que se realizan en Caja Duero, la moda es no hacerlo. Será que eso forma también parte de las performances a las que asistimos y los que han pagado la entrada se queden con un palmo de narices por eso, por haber pagado. Eso por no hablar de que la de ayer empezó con veinte minutos de retraso.

Y digo performance por no decir ejercicio alargado, aburrido e intelectualmente afectado y supuestamente reflexivo sobre algo que parece el paso del tiempo -quizás, por eso se repite tanto-. Ni empieza ni acaba ni tiene una clara justificación, ¿por qué?

Y no digo que los actores fueran malos, que el juego de espejos espaciotemporales, dobles bucles y tirabuzones cinematográficos estuviera mal hecho o que la música estuviera mal elegida –el momento del niño a lo Win Mertens es, cuando menos, surrealista y está bien conseguido-. La factura es digna, hay cierto aire de inquietud en el ambiente y no se le puede reprochar nada estéticamente.

Lo que digo es que no entiendo cuál es el leitmotiv ni por qué el director hace lo que hace y se empeña en que nosotros lo veamos. No entiendo por qué cuarenta minutos, porque una vez vistos los cinco primeros visto todo lo demás. No entiendo por qué tanto silencio afectado y rodeado de tanta cursilería intelectual y falsamente freudiana. Por no entender (permitan el chiste), no entiendo que un actor argentino se suba a un escenario y sea capaz de callarse. No entiendo.

Eso sí, con estas cosas he descubierto que esto del teatro es como el fútbol: la ilusión es lo que importa. No pasa nada porque tu equipo haya perdido por tres goles en casa. Al día siguiente se olvida todo y ya estás pensando en que al partido siguiente todo cambiará y el club de tus amores ganará y fichará al mejor jugador del mundo, y te cortarán la entrada en Caja Duero y verás un espectáculo maravilloso y el Festival de las Artes de Castilla y León se afianzará y tendrá una estrategia acertada… y los agoreros nos dejarán en paz.

Empire (arts & politics)

2009-06-04T13:41:00.003+02:00

Compañía: Superamas
Fecha: 03-06-09
Teatro: CAEM
Aforo: Un tercio

Blandiblú

‘No te enganchas cuando no hay nada para engancharte’. Esta frase de Roberto García Encinas al salir de este Empire (Arts & Politics) es un perfecto resumen de lo que me ocurrió viéndola. Y no se crean, que a él le gustó por el tema de la dirección. A mí no. Y eso que empezó muy bien, con unas fotos fijas preciosistas, muy marcadas, con aire cinematográfico, con el escenario muy acotado por arriba y por abajo, con unas transiciones finas y engrasadas y con una dirección muy acentuada y ajustada a lo que allí se pretendía. Incluso la transición de la supuesta ficción a la realidad con una cámara que lo graba e ilumina todo para mostrarnos los pequeños detalles es interesante. Igual que la discusión que plantea sobre la realidad y la ficción suponen para unos y otros.

A partir de ahí, se acabó lo que se daba. Todo lo que les cuente será tan insustancial como lo que allí nos relataron, porque el montaje no transmite nada debido a la frialdad que lo lastra, quizás por una dirección de actores equivocada. Si lo que pretende es tener una conexión emocional con el público, hace todo lo contrario. Y lo que ellos definen en el programa como ‘una mezcla de aparente ligereza y profunda complejidad’ se convierte en Blandiblú, languidez supina y poco atractiva.

Y no estoy hablando del teatro Brechtiano, que buscaba el alejamiento y al público intelectual, el teatro comprometido pero difícil, muy apegado a la época que le tocó vivir y con deseos de transformar el mundo. En el caso de Superamas, su lánguida y blanda propuesta está fuera de contexto y alejada de lo que ahora ocurre en el mundo, al que por tanto, no creo que sea arriesgado decirlo, no transformará. Se puede despreciar la implicación del espectador, pero a la hora de hacerlo hay que llevarlo a cabo con garra, con fuerza y de eso había poco encima del escenario.

Y todo esto para decir que me aburrió y que, a pesar de una factura digna, al final sales con la sensación de que no te han contado nada y de que te has aburrido para nada. Como con el Blandiblú. ¿Se acuerdan?

Orgy of tolerance

2009-06-03T14:18:00.003+02:00

Compañía: Troubleyn/Jan Fabre
Fecha: 02-06-09
Teatro: Liceo
Aforo: Tres cuartos

'Jódete'

Cuando escribes en un periódico la gente te propone ideas y tú, a veces las tomas y otras las dejas. Mi amigo Alberto me dice en un correo electrónico que ‘ya no te puedes librar de ponerle ‘Jódete’ como título al artículo sobre Orgy of tolerance, si el periódico te deja’. Imagino que lo primero que han leído es el título, ¿no?

Me alegro de que los poetastros amigos de sus atalayas subencionadas no vengan al Festival y luego lo critiquen sin razón y para justificarse. Se pierden lo que no merecen –el título de del artículo les viene bien-, como este montaje de Troubelyn y Jan Fabre, del que si de algo estamos seguros los que tuvimos la suerte de verlo es de que está totalmente alejado de la sutileza y de que técnica y estéticamente es perfecto, paradójicamente hablando. Puesto que el mensaje que te escupe es tremendo, pero la estética y la producción son delicadas y perfectas como un Armani. Y lo mejor es que de eso te das cuenta cuando sales, cuando reflexionas.

No es teatro al uso, no tiene un discurso continuado, no utiliza el subtexto y no se preocupa por el qué dirán. A mí me gustó, a pesar de que es excesivamente repetitivo. Pero está tan bien hecho que su vigorosidad y elegancia (a pesar de su violencia visual) son abrumadoras. Un puñetazo en la mesa de alguien que, a pesar de lo que cuenta, demuestra sensibilidad (otra paradoja). ¿Tan ciegos estamos que tiene que venir alguien a gritarnos violentamente a violentarnos en nuestra propia casa para que lo veamos? Pues parece que sí, que necesitamos una metáfora exagerada y necesaria que parece decirnos: ‘Si yo puedo plantaros en la cara masturbaciones, hedonismo y fusiles en el ‘orto’, chistes gruesos, ¿por qué no vosotros?’.

Además, que la total falta de delicadeza a la hora de criticar, ya no el sistema, si no a los que contemplamos el sistema, los que lo odian, los que lo aplauden, los que les da lo mismo, todos, se agradece en tiempos de tanta corrección política. Alguien tenía que hacerlo y ese ha sido Jan Fabre, que nos lanza un ‘jódete’ elevado al cubo: desgraciadamente no podemos huir de lo que nosotros hemos ayudado a crear. Ni tan siquiera él mismo, que da a conocer su obra, toda su obra, en los circuitos más selectos, tolerantes y caros. Una paradoja del sistema, ¿qué le vamos a hacer? Habrá que joderse y aguantarse, incluido el propio Jan Fabre. Ese es el chiste.

Continuous city

2009-06-01T08:27:00.004+02:00

Compañía: The builders Association
Fecha: 29-05-09
Teatro: Liceo
Aforo: Un cuarto

Fondo y forma

Dos de las pesadillas recurrentes en un actor es soñar que sale al escenario y: no se sabe el texto o no hay nadie en el patio de butacas. El primero denota cierta inseguridad. El segundo… Se supone que el teatro en compañía se disfruta mucho más. La gente, aunque no hable, acompaña en un patio de butacas. Al espectador y al actor, para qué nos vamos a engañar. Fundamentalmente al actor. Bueno, y a la consejera de cultura, que para eso ha venido, digo yo. Que, ¿qué va a pensar esa señora tan seria y elegante, que se pega una paliza de viaje para venir hasta Salamanca?

Con un Teatro Liceo que daba miedo de lo vacío que estaba (¿sin no vais a ir para qué os invitan?), regresaba a Salamanca The builders association. Y lo ha hecho con un espectáculo formal y tecnológicamente espectacular y, además, con fondo. Quizás un poco repetitivo y falto de ritmo en parte de su desarrollo, pero tremendamente efectivo en sus pretensiones y objetivos, y muy inteligente, elegante y comedido en la utilización de los medios con los que cuenta.

Desazonador por su mensaje final, Continuous city utiliza el tema de las tan nombradas y estudiadas redes sociales en Internet para enfrentarnos a nuestros más íntimos deseos de huir de la realidad y la responsabilidad. Un antropólogo urbano (la metáfora de todos nosotros) que lleva dos años perdido en continua huida y construye su propio laberinto voluntario, una hija que quiere a su padre a través del ordenador, una niñera que se desahoga haciendo un blog, un alucinado tecnólogo que es un alucinado especulador y un público que ve el lado amargo de las TIC.

Escenas duras y oscuras, como la iluminación –reflejo de la parte tenebrosa de Interne-: la niña se comunica con su niñera a través de mensajes al ordenador estando en la misma habitación; la niña prefiere al padre del ordenador en vez del padre real, de carne y hueso; el espectáculo debe continuar, y quien duda no tiene cabida en un mundo frío y especulativo.

¿Mensaje negativo sobre las tecnologías avanzadas? Pues sí, pero en realidad lo que hay en la red es un reflejo de cómo queremos nosotros que sean las cosas, ¿no? Todo tiene su parte buena o mala. De hecho, gracias a ellas pudimos ver un espectáculo redondo, bien trazado, con cargas de profundidad y que hace reflexionar. Bien elegido para comenzar este V Festival desangelado en cuestión de público. ¿Habrán ganado la partida los envidiosos de la subvención ajena, los falsos poetas de la verdad? Deseo fervientemente que no.

El hombre de la tierra

2009-05-25T10:17:00.002+02:00

Compañía: Grupo Kiasmo
Fecha: 21-05-09
Teatro: Biblioteca Torrente Ballester
Aforo: Tres cuartos

Una buena defensa

Tenía un amigo yo de pequeño que era más bajito que yo. Y en clase, en las escuelas, en Peñaranda, la gente se metía con él por su aspecto de tirillas. Estaban equivocados. Se defendía mejor que cualquiera de nosotros –la verdad es que yo tampoco era, ni soy, un dechado de musculatura- y cualquiera que se le acercara con malas intenciones salía trasquilado.

Viendo El hombre de la Tierra, de Kiasmo, he recordado varias cosas. La primera es que, muchas veces, una buena defensa es lo más importante. Y es que este grupo joven y con futuro sabe lo que hace y defiende con recursos y oficio una historia de texto algo plana, quizás demasiado eruditamente discursiva en algunas partes y con un final bastante pastiche que, no obstante, tiene unos diálogos interesantes, críticos con las bases de la religión cristiana –afortunadamente- y bienintencionados en los aspectos que tienen que ver con el medio ambiente y el humanismo de verdad. La prueba está en que deciden bajarla del escenario y montarla en el suelo del patio de butacas, rodeados de público, acercarse a él sin de forma sincera. Metáfora de lo que ahí están contando.

La segunda es que, no voy a ocultarlo, admiro a la gente con la que trabajo. Mendi, Roberto, Manoli, Miguel… Y Maribel Iglesias no iba a ser una excepción. Haga lo que haga está sólidamente plantada en el escenario y aquí saca petróleo de un personaje pequeño, pero muy grande en su composición. También es verdad que el montaje está interpretado a un gran nivel en general.

Y la tercera es que la desconsideración y la mala educación no entienden de edades. Lo digo porque esas señoras y señores mayores que van al teatro a hablar y comentar las jugadas en voz alta para molestar al espectador y al actor son unos maleducados que no merecen mi respeto y espero que tampoco de los que les acompañan. - Señora, el hecho de que el espectáculo sea gratuito no significa que usted puede hablar gratuitamente. Significa que hay que valorarlo como si pagara quince euros por él. Aunque ahora que lo pienso, si costara aunque sólo fuera uno, seguramente usted no iría. Y otro gallo cantaría, es verdad.

Por el Teatro Bretón

2009-05-20T13:46:00.002+02:00

Ya sé que tod@s recibimos a menudo mensajes como este y pasamos de firmar lo que nos piden, pero esta vez ¡FIRMAD, POR FAVOR! Que nos van a tirar el Teatro Bretón y estamos haciendo un proyecto para que, en vez de apartamentos, hagan un centro de creación escénica.

Marieta

Con tu firma, manifiesta tu oposición al derribo del Teatro Bretón de Salamanca e insta a las administraciones públicas, y otras instituciones culturales, a: aumentar la protección legal del patrimonio teatral, adquirir el edificio, rehabilitarlo y constituir un Centro de Creación.
http://www.teatrobreton.info/index.php?firmas

Días mejores

2009-05-11T08:38:00.004+02:00

Compañía: Teatro de la Abadía
Fecha: 09-05-09
Teatro: Liceo
Aforo: Un tercio

Deliciosamente histriónica

Nadie sabe cómo, pero todo el mundo llega al final de sus días sobreviviendo. Esto, que puede parecer una perogrullada, se convierte en los tiempos que vivimos en una magnífica excusa para reivindicar la libertad personal, la locura controlada y el derecho a equivocarnos como mejor nos venga. ¡No van a ser sólo los bancos y los políticos los únicos que pueden hacerlo!

Y es que quizás me equivoque, pero a mí me gustó este Días mejores por su histrionismo controlado y porque es un canto al absurdo divertido y surrealista, al lenguaje de series de animación como Padre de familia, a las escenas made in Calixto Bieito, a lo políticamente marginado y a la positividad enrabietada. Lo que me atrae es la idea de juntar a unos personajes normales y corrientes en una situación loca y ridícula y plantárnoslos en nuestra jeta para que nos sintamos ¿locos, ridículos y positivos o cuerdos y pagados de nosotros mismos? Si es usted un superviviente que ha tenido que hacer cualquier cosa para sacar adelante a su familia o pagar la jodida hipoteca sabrá elegir en qué bando está.

Ya, ya sé que manejar todos estos elementos es complicado y no todo iba a ser perfecto. No es un montaje de diez, pero es un espectáculo honesto y real para gente honesta y real… aunque parezca lo contrario.

Bien es cierto que tanto absurdo y tanta conversación sobre el negocio de la quema de edificios y coches para cobrar el seguro es excesiva y lastra el ritmo del montaje –sobra alguna escena o falta más hilazón entre algunas- y que, algunas veces, los actores –magníficos y deliciosamente histriónicos Tomás Pozzi y Ernesto Arias-, pecan de una dicción deficiente, quizás por algunos diálogos vertiginosos que se les imponen.

Lo dicho. Probablemente no sea un montaje espectacular y querido por el público, pero a mí me pareció tan deliciosamente loco e histriónico que, simplemente, por escenas como la del horno, la arena, los perros, la comunión de la Iglesia de la Divina Garantía o la surrealista orgía merece la pena tenerla en cuenta. Y recuerde que puede ser usted el que mañana haga cualquier cosa para sobrevivir. Cualquier cosa. Incluso teatro.

Tocata y fuga en fu renol

2009-05-08T14:40:00.004+02:00

Compañía: Zanguango Teatro
Fecha: 07-05-09
Teatro: CAEM Sala B
Aforo: Dos tercios

Ositos de peluche

Mi psicoanalista dice que los sueños son muy importantes. Me insiste: ‘¿Y dices que tu madre llevaba barba y fumaba en pipa? ¿Cómo es que aquel toro te hablaba con la voz de tu novia?’ No sé. El caso es que yo hoy he soñado con la cárcel… y me sentía bien. No, no se preocupen que no me ha dado por soñar con jabones que se caen por el suelo en las duchas o con carceleros turcos que hacen dar miles y miles de vueltas a un patio circular.

Lo que pasa es que acababa de ver Tocata y fuga en fu renol, de Zanguango Teatro, montaje teatral-musical sencillo, fresco, divertido, con su puntito de mala leche y con unos personajes que se hacen querer tiernamente. Por poner alguna pega, creo que el monólogo justificativo en el que se habla de los presos como personas que sufren, sienten y padecen sobra por evidente. Pero, sólo por poner una pega.

Y es que esta disparatada historia del correccional de San Dimas, que intenta corregir a tres presos a base de enseñarlos a cantar, es un ejemplo de espectáculo desenfadado y con enjundia.

Eso sí, lo mejor, desde mi punto de vista, son los personajes, que tienen mucha chicha y dan juego al espectador para que inmediatamente les coja cariño y los adopte como si fueran ositos de peluche. Esa es la gracia de este espectáculo y, por eso mismo, sobra el discurso pseudosocial del tramo final. Todos hemos captado el mensaje y lo hemos aceptado al conocer las tragicómicas historias de unos seres que te enganchan sin remedio.

Destaca también los juegos con el lenguaje del texto del carcelero. Muy típicos, pero muy buenos. ¿Quién dijo que no se podía triunfar con lo clásico? Eso es lo difícil. Ese es el reto.

Vayan a verla -incluido mi psicoanlista- si tienen oportunidad y seguro que se olvidan por un rato de todos sus problemas. Tanto, que estarán deseando ir directos a la cárcel. Bueno, siempre que sea la de San Dimas y que tenga unos presos tan maravillosos y dignos como los de Zanguango.

Las noticias del Gran Cafe-Teatro de la Vega que no pudieron ser

2009-04-29T13:58:00.005+02:00

Debido a que el único e inigualable Gran Café Teatro de la Vega ya no podrá ser por la inaudita, insólita, chapucera, arrabalera, bárbara, criminal, demencial, navajera y estúpida decisión de alguien que cree que sabe programar y pretende ser fiel a su amo (lo peor de Lanzarote no es él, son los que le rodean), he decidio colgar algunas de las noticias que podrían haber sido si el Gran Café Teatro de la Vega estuviera donde tiene que estar y con quien tiene que estar. Ya sabéis, las que se hacían en la sección que tanto éxito tenía.

Falta lo más importante, el saber estar de Maribelina con sus gestos medidos, finos e inteligentes (desde aquí mi homenaje a ella), pero ahí van:

Muy buenas noches y bienvenidos a una nueva edición de las Noticias que no pudieron ser en el Gran Café Teatro de la Vega (el único e inigualable).

Nacional

¡Increíble! Mariano Rajoy contrata a Carlos Sainz como chófer personal. Lo curioso es que los rumores apuntan a que viene recomendado por Esperanza Aguirre y uno de sus asesores, que no ha querido hacer declaraciones porque estaba espiando a Alberto Ruiz Gallardón.

Internacional

Barak Obama contrata a Michael Jackson como nuevo asesor de imagen y nombra a Ramón Calderón nuevo presidente del tribunal supremo.

Local

Julián Lanzarote decide retirar el medallón de Franco de la Plaza Mayor… y sustituirlo por uno suyo. ‘Total, nadie se va a dar ni cuenta’, ha declarado el portavoz popular, Fernando Rodríguez.

Juan Mari Montes graba, por fin, otro disco. ‘Sí, será en la primavera de dos mil veintidós o en el verano de dos mil veintitrés, porque con lo que saco de la SGAE no tengo suficiente. Además, que estoy esperando a la subvención que me van a dar en el Ayuntamiento cuando Fernando Pablos gane las elecciones’, ha indicado el ya no tan joven cantautor entre las risas de sus más directos colaboradores.

Breves

Se cargan el Gran Café Teatro de la Vega, programan un seudo espectáculo en el CAEM y pretenden ser graciosos ¡y críticos!

Hasta aquí las noticias que no pudieron ser en el Gran Café Teatro de la Vega, tendrán más en próximas entregas. Por cierto, que podéis enviar las que queráis.

A+, cosas que nunca te conté

2009-04-27T17:14:00.003+02:00

Compañía: Senza Tempo
Fecha: 25-04-09
Teatro: Liceo
Aforo: Un tercio

Las alas

Vuelve el Festival Internacional de las Artes a promocionarse con un espectáculo de adelanto, de regalo. Una buena experiencia de marketing de futuro. Y a mí me sigue pareciendo inteligente idea.

Igual que este A+, cosas que nunca te conté, de la compañía Senza Tempo. Una propuesta interesante en cuanto a lo emocional y poco explicable en lo racional. Pero, ¿qué quieren que les diga? A veces, hay que olvidarse de la parte cerebral y dejarse llevar por aquello que te toca la fibra.

Y eso lo consigue muy bien un montaje que utiliza la música como elemento principal para que te llegue lo que no somos capaces de describir al corazón. La selección de la banda sonora es tremendamente acertada. Además, unida a unas proyecciones cuidadas y unas coreografías sencillas nos proporciona momentos poéticos y líricos verdaderamente intensos y satisfactorios. De la parte circense poco había y me hubiera gustado que ese elemento hubiera estado más presente a lo largo de la hora que dura la propuesta.

Por eso me interesó este montaje. Por eso y por la historia del ángel y sus alas. Porque, aunque el mensaje pueda ser amable e irreal, tiene un punto amargo y pegado a la vida. El ángel, en la última parte, se quita lo que le define como diferente y si hasta ese momento no se ha implicado en la acción, justo cuando se desprende de ese elemento ‘divino’ se mete hasta las cejas en la acción y vive, sufre, llora, se emborracha y no sólo de alcohol, también de vida, con todo lo que eso implica.

Dejemos de ser divinos e impliquémonos más en lo que es la vida. Tengamos las fuerzas para hacerlo y disfrutar del camino que nos queda por recorrer, incluso aunque no lo entendamos. Atrevámonos a vivir mirándonos y sintiendo que somos auténticos, incluso con nuestras contradicciones, aunque no lo entendamos. Seamos capaces de contar cosas que nunca dijimos a los demás o a nosotros mismos. Dejémonos llevar por el teatro, aunque sea extraño e indescifrable. Y no tenga alas.

Otro buen tema para leer esta entrada escuchando la mejor música.

Consideración

2009-04-21T19:03:00.003+02:00

CONSIDERACIÓN: Acción y efecto de considerar.
CONSIDERAR: Pensar, meditar, reflexionar una cosa con atención y cuidado.

El Gran Café-teatro de la Vega en la Sala B del CAEM (?)

Hace años, en las noticias del Gran Café-Teatro, decíamos:
“El alcalde ha decidido por unanimidad suya cambiar la patrona de la ciudad por San Cristóbal; y, además, lo vamos a celebrar en Sevilla que hace mucho mejor tiempo; y añadió: este año, por mis santos cojones, no se suspende ninguna corrida”.

Y nos reíamos mucho porque, gracias a Dios, siempre nos hemos reído mucho…

Nunca imaginé que alguien, y menos uno de los que entonces se reía bastante con aquello —el presentador del Gran Café Teatro—, adoptara una postura parecida a la que entonces tomaba en la ficción el Alcalde: “Lo mismo da hacer el Café-Teatro de la Vega en la Vega que en el CAEM” (?); “Si el espectáculo dependiera del lugar, mal vamos” (?)

¿Ustedes piensan que el Camino de Santiago podría hacerse a Triana y que tuviera además el mismo espíritu? No, ¿verdad? Pues lo mismo.

Se anuncia la continuidad del Café-Teatro en otro sitio y con otros artistas, pero con el mismo espíritu (?); bueno… ¡en fin!

Bien es verdad que “el que no sabe es como el que no ve” y que “lo más atrevido que hay es la ignorancia”. Pero también es verdad que la ignorancia no te exime de la culpa.

Evidentemente, cuando se prepara una obra de teatro, se hace para un escenario de unas dimensiones determinadas, y luego, cuando se representa en un teatro o en otro lo que se hace es adaptar la escenografía y las luces para que el sitio sea lo más fiel al escenario ideado por el escenógrafo o por el director. Y esto siempre que uno conciba un espectáculo para “girar”; y no estoy diciendo que de vueltas sobre sí mismo, sino que vaya de un lado a otro, de una ciudad a otro (lo explico “pa” por si acaso…).

El Gran Café-Teatro de la Vega no era un espectáculo más.
El Gran Café-Teatro de la Vega no era un espectáculo al uso.
El Gran Café-Teatro de la Vega no era una obra de teatro.

Era, fue y será por siempre una obra de arte en sí misma imposible de representar en otro sitio que no sea el Teatro de la Vega (y no es de nostalgia de lo que hablo, sino que hablo de la experiencia de haberlo hecho en algunos pueblos en verano y saber que, aunque no estaba mal —sobre todo porque estábamos el equipo base de los últimos años del Gran Café-Teatro de la Vega—, no tenía nada que ver con lo que sucedía en el Teatro de la Vega cuando se representaba una nueva edición del Gran Café-Teatro) y para ello la única posibilidad real es el rehabilitación del Teatro de la Vega (algo que, por otra parte, es absolutamente posible y barato y que si no se hace, será por algún oscuro interés político) y comprender lo que significan las palabras respeto y dignidad.

El Gran Café-Teatro de la Vega nació entre las paredes del teatro de la Vega y es ahí donde puede presentarse con su máximo esplendor. Además, el hecho de que durante veintidós años hayan pasado por sus tablas más de doscientos artistas, hace que cada uno de ellos haya dejado impregnado su espíritu y yo creo que vamos mal si olvidamos esto: el respeto por los espacios, por las fórmulas, por el público y por los artistas.

Lamentablemente, la realidad se impone y descubrimos que hay quien sólo tiene respeto por el dinero, por la fama y por la apariencia.

Maribel Iglesias
Co-fundadora, co-directora
y actriz del GRAN CAFÉ-TEATRO DE LA VEGA

Dos menos

2009-04-21T18:57:00.003+02:00

Dirección: Óscar Martínez
Fecha: 18-04-09
Teatro: Liceo
Aforo: Lleno

Pasar el rato

Hablemos de matemáticas. Uno más uno suelen ser dos. Juntas, por ejemplo, a dos maestros de la escena como Pepe Sacristán y Héctor Alterio y el espectáculo suele dar como resultado éxito. Y de público lo fue. Por lo menos en el Liceo.

El único problema es que a pesar de que estaban estos dos magníficos actores encima del escenario, de que la mayoría de los gags (que no escenas) funcionaban, de que la sonorización era perfecta para que se les escuchara como merecen, de que la iluminación era buena y de que el teatro estaba lleno, nadie había contado con una ecuación que podía dar al traste con todo: el texto no estaba a la altura. De hecho, en algunos momentos parece que los actores, a pesar de su gran oficio, lo metían con calzador.

Desde mi modesto punto de vista, el texto no me convence porque no me convencen primero la irrealidad de lo que allí me están contando y segundo trascendencia diluida que, en este caso, tiene un tema como el que trata Dos menos, el de dos ancianos a los que se les diagnostica una enfermedad mortal que les matará en quince días como máximo. Y digo lo de la trascendencia porque el mero hecho de plantearlo debería tenerla sin tener que recurrir ni tan siquiera a discursos intelectuales en los que muchos caerían y que afortunadamente en este caso no ocurre.

No, no es eso. Lo que sucede es que ese camino heroico y perturbador que los dos personajes recorren carece de verosimilitud: uno no se lo cree porque está fuera del contexto que necesita, al mezclar la irrealidad de la situación con la tremenda realidad de ver a dos tipos con pijama cambiando espacialmente de escena sin ningún sentido.

Es más, ¿dónde está ese viaje maravilloso, el regreso a los sentimientos más preciados del ser humano: el amor, la amistad, la paternidad, lo efímero por la vida?, ¿dónde está el camino de Ulises en el que esos dos ancianos llegan a conocerse a sí mismos más allá de lo que ya se conocen por su edad?, ¿dónde está la dureza de la prueba? Es curioso, pero todo lo que propone no lo desarrolla y se queda en el simple cinismo del aquí no pasa nada porque, en realidad, ninguna de ellas desarrolla nada.

Y me temo que, a pesar de que la gente lo pasa bien, este montaje se queda en la suma de algunos aspectos que seguramente funcionan en los teatros, pero que dejan con la sensación de haber visto un simple divertimento con dos personajes que carecen de profundidad y de la seriedad dramática necesaria que conduzca a algo más allá de pasar el rato.

Encuentros y espejismos

2009-04-21T17:48:00.004+02:00

Compañía: Alicia Soto y Post Theater
Fecha: 16-04-09
Teatro: Liceo
Aforo: Lleno

Marketing viral

Buena idea la del Festival Internacional de las Artes de Castilla y León ir presentándose poco a poco, como si de marketing viral se tratara. Para que el boca a boca haga su trabajo y luego, cuando llegue el programa completo en junio, la gente acuda con interés, curiosidad o con lo que sea. Ya se notaba en el Liceo el especial ambiente que rodea este acontecimiento, ideal para abrir Salamanca al mundo y para exorcizar a los agoreros que disfrazados de artistas antiguos tratan de que las subvenciones vayan a ellos como las moscas a la mierda. Pero el problema del marketing viral es que si transmites como un virus algo que no gusta, al final va a quedar eso y lo pararás difícilmente.

Encuentros y espejismos es un espectáculo montado como un anticipo, un anuncio, una promoción de lo que podremos ver el 13 de junio de la mano de Alicia Soto-Hojarasca y Post Theater: un montaje titulado Zero-Gravity- Super Gravity. En definitiva, asistimos a un acto publicitario camuflado como primicia, lo cual por sí mismo no es malo, si no fuera porque esta propuesta, al final, tenía poco sentido al estar compuesta por retazos que a mí, personalmente, no me dijeron nada. No me llenaron en absoluto.

Una intervención videográfica en un teatro, dos piezas de danza, un documental sobre la creación de ese montaje venidero y una ¿conversación? con la coreógrafa Alicia Soto forman un batiburrillo al que fui incapaz de encontrarle sentido. Si acaso el de las nuevas tecnologías y el art media, que están transformando las performances en, quizás, algo más de lo que pensamos o somos capaces de imaginar. El resto, inconexo y falto de ritmo. Sigo pensando que un espectáculo es una unidad que quiere decir o transmitir algo y que tiene un objetivo común con interés para el público que acude a verlo y disfrutarlo.

Así es que como unidad temporal y espacial salí igual que entré. Bueno, si acaso entré de día y salí de noche. Pero como anticipo, define algunas líneas positivas y 2.0 de lo que será el 5º Festival Internacional de las Artes. Y ese evento, amigos, hay que defenderlo hasta la muerte, a pesar de determinadas decepciones y de los retrógrados reaccionarios de chaqueta de pana que nos encontramos por el camino.

Eclowsión

2009-04-21T17:40:00.002+02:00

Compañía: Kuro Neko
Fecha: 02-04-09
Teatro: Sala B del CAEM
Aforo: Tres cuartos

Buenas ideas, pero...

¿Por qué no se le pueden decir a los amigos las cosas que están bien de su espectáculo y las que están mal? Aquí estamos para eso, ¿no? Aunque, como en este caso, me inclino a pensar que abundan más las segundas. Una lástima.

Y es que Josetxu Morán, actor y director de amplia trayectoria en Salamanca, ha trufado su Eclowsión con algunas buenas ideas, mezcladas con el teatro de clown y de cuerpo (mimo) de siempre: el cantautor al que dios le clava en la cruz, la corrida de toros, incluso alguna de las escenas de títeres que se desarrollan en el segundo plano del escenario… Esas escenas y algunas más tienen una muy buena perspectiva que se derrumba en su desarrollo, algo caótico y poco estructurado en la dirección artística y técnica.

La disciplina de la dirección y la falta de ritmo es lo que le falta a un montaje que parece poco preparado para las posibilidades que tiene. Lo primero es, quizás, es en lo que Josetxu debería dejarse hacer para no perder la perspectiva de una propuesta que se queda en sólo eso: un bosquejo o croquis al que, alguien mirando desde fuera, desde el patio de butacas, podría haber sacado mucho más partido del que al final obtiene. Muchas veces no se puede estar a todo, no se puede controlar todo.

La falta de ritmo, elemento fundamental en un espectáculo que tiene escenas tan claramente delimitadas, viene lastrada por las transiciones, tanto teatrales como técnicas y sonoras.

Eso sí, no se le puede exigir más entrega en escena a un actor cuya trayectoria viene dada por el sacrificio de muchas facetas vitales con el fin de poder vivir de un oficio que da muchas alegrías, pero también sinsabores y ‘eclowsiones’ por doquier, como bien saben muchos de los que se dedican a él. Por mucho que, desde fuera, parezca lo ideal para pasar por este mundo dejando una huella digna y que trascienda.

So happy together

2009-04-06T17:47:00.002+02:00

Compañía: Apata Teatro
Fecha: 26-03-09
Teatro: Liceo
Aforo: Un tercio

Afonía

Disculpen que escriba sobre mí mismo así, pero es que llevo afónico toda la semana y tengo pocas ocasiones de expresarme con la debida fluidez. Además, que esta pequeña circunstancia personal me viene al pelo porque, a veces, el teatro, igual que las personas, puede sufrir de una afonía terrible. Uno quiere exponer sus pensamientos porque, a pesar de tener la garganta mal, el cerebro le funciona bien, pero no puede comunicarlo bien. Le falla la voz, uno de los instrumentos fundamentales en la comunicación oral –perogrullada que me marco-.

En So happy together, de Apata Teatro, todo está bien. Los actores cumplen con su función, especialmente Eduardo Velasco, como soldado israelí. El texto es excesivamente literario, pero está escrito con finura y sensibilidad y la trama, en la que se mezclan cuatro terribles historias de palestinos e israelíes que, al final, confluyen, la resuelven con soltura. La dirección tiene fundamentación, hay escenas bellas y sobrecogedoras, como la de los globos y la niña. Incluso ese compromiso que se destila en la explicación del folleto, ‘… un grito descarnado que nos permite escuchar la voz de judíos y musulmanes… un texto comprometido, directo y dolorosamente contemporáneo’, es digno de alabar.

Pero, a pesar de todas esas cosas positivas, el mensaje no llega. Lo que cuentan, por muy comprometido que sea, es repetitivo, excesivamente melodramático y tiene aire de discurso en un parlamento. Y eso, amigos, llevado a un escenario produce una afonía que hace que el espectador termine por no escuchar lo que están contándole. Por decirlo sencillamente: aburre mucho.

Igual que los que sufren una afonía no son la alegría de la huerta en una reunión de amigos, en el teatro este tipo de espectáculos son dignos de alabar por sus buenas intenciones, pero resultan de lo más aburrido. Esperemos que el próximo Festival de las Artes de Castilla y León no sea así.

La vida es sueño

2009-03-23T11:36:00.004+01:00

Compañía: Siglo de Oro de la Comunidad de Madrid
Fecha: 21-03-09
Teatro: Liceo
Aforo: Lleno

Futurizar

Es lo que tiene La vida es sueño, que escuchas el Ay mísero de mí y ya sabes, más o menos, lo que te vas a encontrar el resto de montaje. Y me gustó mucho cómo lo dijo Fernando Cayo, al igual que el resto de los tres monólogos que Calderón pone en boca de Segismundo para explicar cómo evoluciona el personaje en cada uno de los tres actos. Gran acierto que este sobresaliente actor lo interprete. Se adecua a la perfección a la versión física, primitiva, agresiva, militar y, me atrevería a decir, oscura y futurista que nos propone el director.

Casi todo está muy bien: la interpretación, la iluminación, la escenografía y el vestuario, muy militar, muy adecuado a lo que el director nos cuenta. Porque ese es el secreto: el director reinterpreta el clásico de Calderón y nada chirría. Es más, al ‘futurizar’ la acción nos demuestra que los buenos textos son universales e intemporales, nos está diciendo que los dilemas, las dudas, estuvieron, están y estarán ahí siempre, pero que hay esperanza, como la luz a la que se asoma Segismundo en la torre, muy importante en este montaje.

La trama queda bien explicada, todo está perfectamente definido con una dirección tremendamente marcada, estudiada y neurotizada, muy adecuada a lo que vive Segismundo y lo que vivimos todos ahora. El movimiento en escena cobra especial protagonismo y sale airoso del envite, quizás porque está medido al milímetro para dar la sensación de control, dentro del descontrol que sufre el atormentado protagonista. Y lo hace con mucho respeto porque juega a lo físico, pero con normas y códigos que el espectador entiende.

Por poner un pero, creo que olvida la calidez de los sentimientos, la carnalidad que, desde mi punto de vista, tiene la propuesta calderoniana y se centra en demasía en la intelectualidad que emana de su mensaje, lo cual lo hace algo frío.

No obstante, el montaje gusta mucho, es ágil, hipnótico, inquieta al público y tiene personalidad, cosa que todos agradecimos al final con un aplauso sincero: a la propuesta, al elenco y, cómo no, a Fernando Cayo, un actor que a Calderón le hubiera gustado para Segismundo.

Posdata: tu gato ha muerto

2009-03-20T11:44:00.002+01:00

Dirección: Enrique Culebras
Fecha: 19-03-09
Teatro: Liceo
Aforo: Tres cuartos

Indignante

No sabía que había vuelto a programarse el Certamen de Teatro Lauro Olmo y que, además, se representarían las obras participantes en el Liceo. Ya les gustaría a muchos haberlo hecho en aquella época. Lo digo porque parece que el montaje que vimos el Día del Padre en este respetable teatro salmantino más bien parecía que optara al primer premio de esa añorada muestra en vez de ser una obra profesional y con entidad suficiente. Y, amigos, eso hay que avisarlo.

Empezando por la escenografía, horrorosa y cutre, que ya te anuncia lo que te vas a encontrar, siguiendo por una dirección plana y absolutamente infantil y siguiendo por una interpretación algo menos que naturalista (por decir algo), Posdata: tu gato ha muerto es el claro ejemplo de lo que un programador nunca debe llevar a ningún teatro. Un tropezón lo tiene cualquiera, pero el prestigio de un espacio escénico se va al traste por la suma de algunos traspiés como éste.

Basada en una novela de James Kirkwood, esta historia, la de un actor cuya novia le deja en Nochevieja, justo el mismo día en el que su gato muere, le despiden de los dos precarios trabajos que tiene y le entran a robar por tercera vez, queda machacada desde la primera frase, desde el primer momento en que se encienden las luces. Escenas como la pelea entre el ladrón, que unas veces habla con acento de Valladolid y otras en andaluz de los hermanos Quintero, y el actor en paro son indignantes.

Es más, si en el texto hay cosas que pueden dar juego, como el retrato del mundo actoral o como el de la homosexualidad del ladrón, lo que podría dar lugar a que el protagonista se planteara su propia tendencia o visión del mundo, este montaje se encarga de anularlas totalmente y, me atrevería a decir, de estropearlas confundiendo al sufrido espectador. No se puede hacer una lectura de un texto como si estuviésemos en un grupo de teatro de un colegio: superficial, frívola e indignante.

El estreno era absoluto, y el fracaso, ¿me temo?, también. Lo dicho: indignante.

Arizona

2009-03-17T16:27:00.002+01:00

Dirección: Juan Carlos Rubio
Fecha: 14-03-09
Teatro: Liceo
Aforo: 1 tercio

Trileros

‘Las palabras pueden volverse en tu contra… incluso las más hermosas. Pueden hacerlo como un boomerang’. El teatro son palabras que conforman un texto y que puesto en boca de unos actores, que son los que tienen la última palabra, se presenta al público, que también tiene la última palabra. El hecho de que este acto de comunicación funcione o no depende de algo etéreo, de un misterio.

En Arizona, de Juan Carlos Rubio, no funciona demasiado bien a pesar de que el texto, las palabras, están milimetradas y pensadas hasta la neurosis y de que quien dirige es el propio autor, lo cual se nota en la dirección de los autores a la hora de decir las palabras que él mismo ha escrito, sobre todo el personaje de George, que recita como en una nebulosa ensoñadora, la nebulosa imaginativa del escritor. Puede que leído funcione, pero encima del escenario queda poco menos que como una insulsa anécdota.

Y quizás sea eso lo que ocurre: que, en vez de ver teatro, lo que escuchamos fue un discurso de esos encubiertos. Un discurso bienintencionado, eso sí, sobre las fronteras y el racismo, pero, en definitiva, un discurso moral. Y eso no es teatro. Teatro es contar una historia y decir las cosas sin que se noten.

Y es que la historia de ese matrimonio en la frontera de México que vigila para que no pasen inmigrantes ilegales, esas dos personas que están ahí para ‘dialogar con sus vecinos’, no es tal, desde mi punto de vista, es una historia sobre el miedo a uno mismo, o si se prefiere, sobre las fronteras interiores. Y eso equivoca, porque te dice una cosa y hace la otra como un trilero. Y a los trileros hay mirarlos y, si acaso, aprender, no jugar a su juego.

Y no es que la obra sea aburrida, está en la frontera. Es más, Aurora Sánchez, en el papel de Margaret, lo hace realmente bien, quizás porque no está tan encorsetada. Además, el comienzo en el que los protagonistas se crean su frontera de decorado estilo Hollywood es una gran idea. Lo que pasa es que se nota demasiado lo que quiere decir, peca de intelectual y no deja en absoluto nada para que el espectador piense. Y eso no lo salva, ni tan siquiera, un final truculento, pero poco real o, cuando menos, acelerado y demasiado irreal para ser verdad.

La cena de los generales

2009-02-16T10:44:00.003+01:00

Dirección: Miguel Narros
Fecha: 13-02-09
Teatro: Liceo
Aforo: Lleno

Manada

Hay un fenómeno curioso que se produce en determinado tipo de espectáculos. Resulta que gustan más los conciertos de orquestas grandes en los que hay muchos maestros que las propuestas en las que actúa un trío o un solo pianista, por ejemplo. A la gente le gusta el mogollón. Somos así: animales de manada.

Debe producirse este fenómeno también en algunas obras de teatro, porque si no, el que suscribe no entiende muy bien la gran acogida que tuvo La cena de los generales en el Liceo. Había muchos actores y actrices en escena, pero se hace pesada, aburrida y repetitiva, igual que una cena con Franco (supongo, que afortunadamente no estuve en ninguna).

Sustentada en cuatro gags repetitivos, en un texto pesado que necesita de una absurda explicación de las escenas en un marcador electrónico situado encima del escenario, ¿por qué?, en una composición de los personajes basada en la más sencilla identificación: histriónicos los idiotas fascistas (que lo eran) y contenida los inteligentes y machacados republicanos (que también lo eran), este montaje se salva por la interpretación de Sancho Gracia, que compone un muy creíble maitre: cansado, pero inteligente y luchador.

Quizás Narros, que ya ha estado en mil batallas – ¿uno de cada cuatro montajes que llegan a Salamanca tienen su sello? -, se ve en la obligación de inventar algo cada vez, de ir más allá, de satisfacer a un público que, en realidad, lo que pide no es nuevas ideas, lo que solicita es buenas y sólidas propuestas. No se entiende muy bien lo del cartelito explicativo de las escenas, porque no es necesario y, además, no pega con la concepción estética de la obra. Pero, tampoco se entienden esos cambios bruscos de sentimiento y ritmo en el texto a la hora de decirlo, esa supuesta teatralidad dramática innecesaria en una propuesta naturalista como es la Alonso de Santos.

Eso sí, los actores salvan perfectamente el hecho de no trabajar con comida real y simular que cocinan con lenguaje corporal, lo cual, si me permiten, tampoco pega mucho, pero es lo que hay si se quiere convencernos de que preparan realmente una cena entera para Franco. No me gustó y me aburrió, ¿qué quieren que les diga? Así es que la próxima vez prefiero un menú más frugal para la cena, pero mucho más sabroso y bien cocinado. Aunque en escena sean pocos, que no pasa nada de nada, se lo aseguro.

¡Milagro!

2009-02-06T17:15:00.002+01:00

Título: “Jesucristo Superstar”

Fecha: 05/02/2009

Teatro: CAEM

Aforo: Dos tercios

Milagro

Según la RAE, un milagro es un hecho no explicable por las leyes naturales y que se atribuye a intervención sobrenatural de origen divino. Desde que fui a ver este Jesucristo Superstar el otro día, propongo fervientemente que se añada otra acepción: incomprensible aplauso enfervorecido a uno de los peores espectáculos musicales que han pasado por Salamanca en los últimos tiempos. A lo peor es que soy un hereje, pero prefiero que me quemen en la hoguera por expresarme libremente a tener que defender un espectáculo edulcorado, travestido y con propuestas nefastas para el desarrollo de un libreto que no lo necesita. Y mira que me fastidia porque a mí me encanta lo que hicieron Tim Rice y Andrew Lloyd Weber y tengo las bandas sonoras originales en inglés y castellano, sí la de Camilo Sexto, ¿qué pasa?

Pecado número uno: la dirección del personaje de Judas que para justificar sus acciones sale con una botella de la mano durante toda la segunda parte y, así, da a entender que, después de traicionar a Cristo, se siente muy mal y se da a la bebida… Claro, que Paco Arrojo, independientemente de su buena voz, no da la talla emocional con un personaje que debería moverse entre el odio, el rencor, la envidia, el remordimiento y la confusión. Y, si tenemos en cuenta que él es casi toda la obra, pues obtendremos como consecuencia que se cae a trozos. Incompresible aplauso a un personaje tan mal construido.

Otros pecadillos: ¿por qué María Magdalena sonríe a todas horas? ¿Por qué Pedro toca la guitarra en la última cena como si estuviera en misa y todos interpretaran el Alabaré-Alabaré? ¿Por qué ese vestuario tan mal elegido? ¿Por qué había escenas que parecían hechas por el equipo B del musical? Pues porque da la sensación de que quieren que este espectáculo se parezca a la Bella y la Bestia y, así, llenar los teatros de parejas con extensa prole.

Así es que ya lo saben, si quieren contemplar alucinados un falso milagro vayan a verla, pero si lo que quieren es ver una buena propuesta de esta ópera rock esperen y recen para que la próxima ocasión ocurra, de verdad, un hecho no explicable por las leyes naturales.

¿Te enteras?

2009-02-05T18:01:00.005+01:00

Hello Carlitos, qué tal te va. ¿Pensabas que ibas a librarte de las críticas tan fácilmente? ¿Creías que la mierda de crítico que eras iba a vivir tranquilo mucho tiempo? Soy yo, no me conoces, pero me conocerás. Soy la mierda en tu zapato, el chicle en el ojo y el dedo en el culo. Soy lo que más temías y nunca llegaste a confesar. Se acabaron esas críticas de mierda que haces en el periódico. Se acabaron tus chistes fáciles y comprensivos. Yo también voy al teatro y te veo ahí en tu anfiteatro de mierda, sin bajar a la arena. Yo también sé escribir y no tengo pelos en la lengua (por lo menos no antes de las doce de la noche). Así es que todo ese rollo de mierda y condescendencia que te traes con tus amiguitos teatreros que sólo viven del cuento pasó a mejor vida. Soy la interferencia digital que te va a joder vivo. Procura mirar siempre hacia atrás porque eres lo que se dice un cagón y lo vas a seguir siendo. Mi vida es mucho más interesante y lo vas a comprobar.

¿Te enteras? ¿Te enteras critiquillo? ¿Te enteras idiota de mierda? ¿Te enteras absurdo metaescritor de tres al cuarto? ¿Te enteras? Estás muerto y lo sabes, pero no te enteras. Yo, a los idiotas como tú, me los meriendo con patatas. Soy tu macarra preferida y vas a chupar el cuero de mi látigo hasta que yo te diga que pares. ¿Te enteras?

Ah, y una cosa. Prohibido decir mi nombre en Vano. ¿Te enteras? Pues eso.

Mundo y final

2009-02-02T08:45:00.002+01:00

Compañía: Ron La Lá
Fecha: 30-01-09
Teatro: Liceo
Aforo: Lleno

Voto de confianza

Todo el mundo ha pensado alguna vez qué haría si el mundo fuera a acabarse en unas horas: fumarse un puro, atracar un banco, comprarse un coche de lujo, llamar a su madre, matar a su jefe, hacer el amor con Sigourney Weaver… ¿hacer el amor con Sigourney Weaver?

Pues igual de absurdo y surrealista que querer un coche de lujo o desear a Sigourney Weaver en un momento así –por qué no a Beyoncé, me pregunto yo sin meterme en fetichismos personales- es el humor de Ron La Lá, pero mucho más inteligente. Eso, por supuesto. Y también y, sobre todo, lleno de energía desbordante.

No les voy a negar que, en esta ocasión, ‘Mundo y final’ no me hizo tanta gracia como en la anterior ocasión que pasaron por Salamanca o que el montaje tuvo algunos momentos bastante planos e insulsos. Es más, la obra abusa de canciones que no aportan nada de nada y recargan en exceso, como en el final, una fiesta flamenca de cara a la galería.

Sin embargo, sales con la sensación de haber visto un teatro imperfecto, pero fresco y lleno de energía positiva en la que el ritmo es frenético. Todo te recuerda a las propuestas más cercanas al café teatro, tan llenas de inteligencia y vida interior, tan auténticas que hay que darles un voto de confianza. Gente que ha creado escenas como la del taxista que recorre junto a un cliente la vida de éste último se merece eso y mucho más.

Gente que sale con poco menos que una caja y dos teléfonos a escena y juega con el lenguaje como lo hacen estos cinco artistas es para valorar, alabar y, ante todo, tomar nota de lo bueno que tienen: la frescura, la energía y el lenguaje que te envuelven y te atrapan sin dejar que te aburras.

Por eso, yo, si llegara el fin del mundo, pediría, además de lo de Beyoncé, hacer un montaje con tanta energía en ese momento final como salen los de Ron La Lá a escena para que el público no se enterase de su trágico desenlace. Punto y final.

Al final, todo es teatro...

2009-01-30T09:02:00.002+01:00

Urtain

2009-01-27T08:14:00.003+01:00

Compañía: ‘Animalario’
Fecha: 23-01-2009
Teatro: Liceo
Aforo: Lleno

Ríos

El hombre común se levanta por la mañana y piensa: ‘¿Por qué, desde que nací, sé perfectamente que a lo único que voy a llegar es a ser mediocre?’. Y, en ese momento, se da cuenta de que en el interior mismo de su cuerpo lo único que fluye y se mueve es la bilis.

José Manuel Ibar ‘Urtain’ fue un boxeador que subía al ring y pegaba mandobles como si diera tortas con la mano abierta. Su estilismo pugilístico dejaba bastante que desear y en su vida las cosas no es que le fueran demasiado bien. Acabó lanzándose al vacío desde su piso de Madrid.

Podríamos decir de este espectáculo de Animalario que está interpretado de forma excepcional o que el texto refleja muy bien esa metáfora de la evolución de la sociedad española o que la iluminación se ajusta perfectamente a la oscuridad pugnante por brillar de una historia que llega a emocionar hasta la lágrima en momentos muy especiales o que todo lo que vimos encima del escenario-ring era teatro o que cada palabra y cada gesto, cada intención, eran puñetazos de dinamita contra la conciencia del espectador. Podríamos decirlo sin temor a equivocarnos.

Pero, ¿qué es lo que hace que un espectáculo tan bien escrito, dirigido e interpretado sea tan duro? ¿La vida del protagonista y su final? ¿Los personajes de la gente que le rodea? ¿La utilización de un hombre manejado por intereses monetarios y políticos? ¿La forma en la que uno mismo se machaca en su devenir? Quizás sea todo eso. Pero, sobre todo, los ríos y ríos de mala baba, pesimismo desbordante y descarnado y cólera desatada que rezuman por debajo de todo lo que nos cuenta ‘Urtain’.

Eso es lo que el espectáculo, más que contar, nos eructa a la cara porque ya no se aguanta más, porque ya no puede soportar su propia acidez, porque ya no le queda otro remedio, porque es necesario aunque desagradable, porque guardarse algo en los avernos del alma es contraproducente y porque, mal que nos pese, la vida es así, una mediocridad que avanza hacia el final en una cuenta atrás incómoda y delirante mientras nos suelta mandobles a mano abierta y se justifica con voz de boxeador tocado y obsesionado con la bolsa o la vida.

Sí, pero no lo soy

2009-01-20T11:26:00.002+01:00

Compañía: Centro Dramático Nacional
Fecha: 17-01-2009
Teatro: Liceo
Aforo: Tres cuartos de entrada

Sin vocear

Uno está convencido de lo que está convencido y el que no lo está… pues no lo está, ¿no? Por eso, constantemente, me reafirmo en que el teatro, en el sentido de componer y representar obras dramáticas, se basa en un buen texto y en unos buenos actores. Sin eso no hay nada, y el que crea lo contrario… cree lo contrario.

En Sí, pero no lo soy uno tiene la sensación de que el Centro Dramático Nacional ha apostado con este montaje precisamente por esa línea. El texto de Alfredo Sanzol, a pesar de ser sofisticado en algunos aspectos, como la finura afectadamente intelectual y complicada que destila en algunas escenas, acaba siendo una unidad que funciona bien. Y eso que podría haber naufragado en los escollos del absurdo y la repetición temática aburrida y plomiza.

Pero, no lo hace. Al final, fluye como un todo y el espectador respira porque certifica que lo que ve no es una mera sucesión de escenas imaginativas y más o menos graciosas –geniales la de San Fermín y la de la familia argentina-, es una propuesta unitaria y, afortunadamente, nada pretenciosa ni gritona.

Eso es intencionalidad calculada y estudiada, según mi punto de vista, puesto que es un reflejo de lo que pretende el autor, según leemos en el folleto explicativo del espectáculo, ya que indica que quiere ‘profundizar en la línea de investigación…, sobre todo en lo que se refiere al problema de la identidad, de la personalidad y al conflicto que se plantea entre lo fragmentario y la tendencia a la unidad’. A todo esto ayudan una dirección ajustada y nada chirriante, una selección musical elegida con mucha cabeza y la escenografía y el juego de luces unidas con un objetivo común.

A la vez, los actores dan una lección de dicción encima de un escenario. Todo está bien interpretado, los movimientos, las coreografías, las intenciones, los tonos, las emociones, los contrastes, los monólogos, los gags, el ritmo que tienen algunas escenas, los diálogos cortos y, a veces, fríos y cortantes… Pero, sobre todo, el texto está muy bien dicho y proyectado, con mucha limpieza y pulcritud. Y todo ello sin vocear, ¡que no hay necesidad de gritar para vocalizar! Toda una lección. Y el que piense otra cosa diferente… pues que piense otra cosa diferente. Pero que no grite, por favor.

Las gallegas

2009-01-16T09:14:00.002+01:00

Compañía: Lolita Corina
Fecha: 15/01/2009
Teatro: CAEM Sala B
Aforo: Lleno

Je, je, je...

Cuando a un fumador le quedan sólo tres cigarros para pasar toda la negra eternidad las cosas pintan mal o bien. ¿Y si eres gallego? Si eres gallego, pues puede que sí o puede que no.

Dos hermanas que han muerto sin darse cuenta y que se plantan en su propio funeral como fantasmas que tienen que aprenderlo todo sobre su propia condición. Esto les da una ventaja: la familia que asiste al luctuoso acto de despedida no les ve. Con esta premisa monta su divertido espectáculo, Las Gallegas, la compañía Lolita Corina.

Y digo divertido porque fundamentalmente es lo que al final vimos en la Sala B del CAEM. Un montaje cuyo objetivo es la diversión con dos buenas actrices, que destacan por su dominio corporal, especialmente Coral Ros, y por su naturalidad y su personaje muy bien trabajado y atractivo, Lola González.

No crean ustedes que vimos una obra con un texto profundo y frases geniales. Más bien presenciamos un muy buen entremés, que esperamos sea aperitivo de lo que esta compañía puede hacer en el futuro si solventa los problemas de transiciones entre escenas temáticas y los lapsos de teatralidad infantil que lastran el ritmo de la obra.

Por lo demás, todo estaba bien dirigido y el tiempo que dura se pasa volando, que no es un mal síntoma. Otro buen indicio es que el público aplaudió mucho y con entusiasmo lo que tiene de mala leche y acidez ingenua contra la sagrada institución de la familia, a la que en determinados momentos a muchos nos gustaría hacer lo que llevan a cabo las dos fantasmas-protagonistas en el final del montaje. ¿Qué es? Perdonen que no se lo diga, pero como hoy como con ella no quisiera quitarles la ilusión de la sorpresa. Je, je, je…

Querido Rey Gaspar

2009-01-05T16:26:00.002+01:00

Estimado Rey Gaspar, como sé que eres un hombre leído y culto, te escribo desde El Adelanto una carta con mis deseos para el año 2009. No, no te preocupes que, con lo mal que están las cosas en estos tiempos de crisis, no te voy a pedir dinero. Sólo cosas sencillas y reconfortantes.

Así es que vamos allá. Me gustaría que los que vamos al teatro pudiéramos ver obras tan buenas como Petites Histories.com!, Federico, Dirección gritadero o Pagagnini, pero muchas más, que este año nos hemos quedado un poco cortos de buenos montajes. Mejor olvidar Wewilllisvestorm, El beso de Judas, Coillure o Gatas. También me encantaría que trajesen más danza contemporánea, que cada vez me llega más adentro, será que me estoy haciendo mayor… Además, sería interesante y de buen gusto que el Café Teatro regresara a La Vega.

Por otra parte, te pediría que el Festival Internacional de la Artes de Castilla y León continúe celebrándose por los siglos de los siglos en Salamanca para, primero, abrir esta ciudad y sus gentes al mundo y, segundo, callar las bocas a los falsos agoreros que escriben desde supuestas atalayas con el fin de pescar subvenciones que les mantengan a él y sus amigos, a quienes, por cierto, nunca se les ve por el teatro, preocupados como están en que haya incautos que les publiquen libros. Eso sí, que la calidad de la programación sea mejor que la del año pasado, que fue un poco floja.

Me gustaría que la Feria de Teatro de Ciudad Rodrigo programe espectáculos con clase y categoría para que los que van no hablen de una programación ñoña y pergeñada por una monja. Por pedir que no quede: que compañías de Salamanca como Intrussión, La Chana, Zanguango, Alto Teatro o Miguelón, sigan teniendo fuerzas , imaginación y buenos textos para estrenar y que las autoridades les apoyen todo lo que se merecen, que es mucho.

Y nada más, que se siga programando cultura para que todos nos demos cuenta de que es más productivo leer Hamlet, que invadir países o arruinar familias.

De cabeza

2008-12-26T08:32:00.003+01:00

Compañía: Teresa Nieto
Teatro: Liceo
Fecha: 20-12-2008
Aforo: Media entrada

Superficial, pero muy estética

Si hay una cosa que me enseñó, junto a mi padre, el gran Pablo Santiago es que en el fútbol también hay arte. Así es que este artículo está dedicado a su memoria. Porque, ¿quién, viendo jugar a Zidane, no sintió que, además de jugar con una pelota, hacía algo más allá, jugaba a algo diferente, danzaba por encima de todos?

Claro, que lo mismo debió pensar el señor que estaba casi a mi lado viendo De cabeza, de la compañía de danza Teresa Nieto, porque se pasó la mitad del montaje escuchando el partido del Madrid. Y eso es lo extraño -por mucho que me duela decirlo, había más arte en las tablas del Liceo esa noche que en el Bernabéu últimamente-.

Este espectador se comportó mal, porque además de molestar, se perdió un espectáculo que no es que fuera una obra maestra, pero sí que resultaba atractivo y para nada aburrido. Con una selección de temas musicales muy bien hecha, ahí me ganan siempre, con una escenografía y una iluminación muy cuidadas, un vestuario bello y un trabajo encima del escenario muy digno, especialmente el de la propia Teresa Nieto, la coreógrafa compone una propuesta muy estética y bella y, además, muy positiva, aunque eso sí, superficial y plana en su mensaje y poco profunda en su contenido intelectual.

Pero, cada cosa a su tiempo, que diría el otro. Porque si hay algo que destaca es que es capaz de hacer que la danza contemporánea se funda, en perfecta armonía, con el baile flamenco. Vamos, que hace que te toque la fibra de la emoción desde la perspectiva del estilo, el gusto y la belleza.

Una apuesta que une la positividad con la alegría de amar y de ser amado. Yo hubiera arriesgado un poco más, pero Zidane ya no juega y Pablo se nos fue, así es que un poco de energía positiva no le viene mal a nadie.

Gatas

2008-12-04T16:34:00.002+01:00

Director: Manuel González Gil
Fecha: 03/12/2008
Teatro: Auditorio de Caja Duero
Aforo: Lleno

Poco

¿Conocen ustedes esa sensación que se disfruta cuando algo te toca la fibra, te llega dentro, te arrebata y destrona la razón de tu cabeza? ¿Han contemplado la cara de satisfacción de alguien que la experimenta? ¿Les gustaría sentirla otra vez y mantenerla en la memoria de su piel, en la retina de su corazón? Pues entonces no vayan a ver este Gatas, dirigido por Manuel González Gil. Ni un zarpazo al corazón, como diría el amigo Hilario.

Poco se puede decir de un montaje que aburre casi desde la primera escena y que, lo que es peor, te mantiene casi dos horas en la butaca para no expresar nada. Contar, cuenta alguna cosa, pero poco.

Cinco mujeres se reúnen en la casa de una de ellas, aristócrata divertida y chispeante, interpretada con acierto por María Pujalte, al igual que Miriam Montilla en su papel de maestra anarquista, y van viviendo diversos acontecimientos a lo largo del siglo XX en España. Comienzan en 1909, con el asunto del voto femenino, y recorren las repúblicas, la guerra civil, el franquismo, la transición, el terrorismo en los años ochenta, hasta terminar en el atentado del 11 M, en 2004.

¿Resultado? Nada de nada. Un revoltijo de acontecimientos históricos, una mezcla de estilos teatrales sin sentido en los que unas veces se respeta la cuarta pared y otras no. La escenografía no ayuda, especialmente la parte en la que las actrices se cambian entre escena y escena, ¿para qué?, y las situaciones se mueven entre lo tópico y lo previsible. Y eso sin contar que el sonido estaba muy alto y molestaba.

Bueno, quizás todo se reduzca a que el texto, con muchos momentos lacrimógenos, escondía el conflicto de una manera que nadie lo encontrase y planteaba lo mismo una escena detrás de otra. Y para eso, ya se sabe, están los culebrones, que se pueden ver en casa, calentitos, y hay unas señoras que te hablan susurrantes y con acento muy exótico, que siempre anima mucho. En fin, en otro maullido será.

Don Juan Tenorio

2008-11-05T11:33:00.003+01:00

Compañía: L’Om-Imprebís
Fecha: 04/11/2008
Teatro: Auditorio de Caja Duero
Aforo: Lleno

Equilibrio

Tom Waits, Nick Cave, Rolling Stones, Neil Young, Bob Dylan… Los clásicos tienen eso, que se pueden reinventar a sí mismos, que haciendo lo mismo suenan diferente. Y en el teatro pasa lo mismo.

Y si no, fíjense ustedes en el Don Juan Tenorio, de José Zorrilla, que es uno de esos claros ejemplos. Si los reinterpreta una compañía con criterio y sensatez te hacen un montaje de dos horas y media que se te pasa en un abrir y cerrar de ojos. Y es que este montaje de L’Om-Imprebís está perfectamente dirigido por Santiago Sánchez, quien imprime el ritmo justo a cada escena y sabe captar, junto al actor Nacho Fresneda, la esencia de Don Juan, un personaje canalla, crápula, vividor y geta, muy alejado de otras concepciones almibaradas, maquilladas, metrosexuales y partidistas. Mención especial merece Trinidad Iglesias, excelente en su papel de Brígida.

Además, y lo más importante, la historia y su trasfondo quedan claros, tanto en la forma de explicarlos narrativa y filosóficamente. Y eso se consigue gracias a un interesante juego de luces, casi todas las escenas pergeñadas por Zorrilla trascurren de noche, y una escenografía que funciona fundamentalmente a partir de la primera hora de montaje, una vez que te acostumbras a los crujidos que hacen las pisadas de los actores.

Y un pequeño detalle, el cual agradezco personalmente. El personaje de Ciutti no es un tipo andaluz con gracejo que cada vez que habla intenta hacer un chiste hasta con las pestañas. Es lo que tiene que ser un criado que se busca la vida y que sabe que jamás estará delante de su señor. Lo que ocurría en aquella época.

Vamos, que en esta revisión donjuanesca la compañía acierta al dejarse llevar por la propuesta, lo suficientemente potente de por sí, y no propone alambicamientos externos que lo único que hacen es enredar. Alcanza el equilibrio, y eso el espectador lo nota, entre el realismo, lo tenebroso, lo romántico, lo espiritual y lo sobrenatural que contiene la obra con una sencillez digna de elogio y poco propia de estos tiempos, en los que quien más quien menos pretende dejar huella, aunque sea a base de hacer el ridículo.

La tortuga de Darwin

2008-10-28T16:57:00.004+01:00

Dirección: Ernesto Caballero
Fecha: 27/10/2008
Teatro: Auditorio de Caja Duero
Aforo: Lleno

Con razón

‘La gente habla y no tiene ni puñetera idea’, decía el viejo alcohólico que con un solo chato de vino se volvía emborrachar en el bar de la esquina. ‘No tienen ni puñetera idea’, repetía. ‘Ni puñetera idea’, cantaba como un mantra maldito. El camarero me contó que era profesor de historia, ‘de los buenos, de los que sí sabía de lo que va esto, pero ya ve… no sé qué le ha pasado. Y ahí lo tiene’.

Juan Mayorga sí tiene puñetera idea de teatro e ir a ver un texto suyo son palabras mayores. Y La tortuga de Darwin no iba a ser menos. Aunque, en honor a la verdad, tengo que decir que, por una vez, una actriz está por encima y le da lustre a una obra del autor de Hamelin o El chico de la última fila. Me refiero a Carmen Machi, cuya interpretación la reivindica donde tiene que hacerlo, encima de las tablas.

Y es que, aunque tiene escenas cuasi perfectas, hay momentos que carecen de fuerza dramática, sobre todo cuando aparece el personaje del doctor chiflado, y otras adolecen de cierta ingenuidad, pequeños chistes infantiles que lastran el ritmo. Eso por no hablar de una escenografía fea y canalla. Eso sí, tiene un gran mérito: el público imagina cómo va a acabar, pero el final es redondo.

No es que mi valoración esté lastrada por el hecho de que al ver la historia que cuenta este montaje he sentido un déjà vu que me recordó a Últimas palabras de Copito de Nieve, en el que también un animal ‘histórico’ nos juzga con lucidez y nos pone en lugar que nos corresponde. No es eso. La historia de la tortuga de Darwin, que ha evolucionado y se ha erguido sobre sus patitas traseras para contemplar el devenir europeo de los últimos doscientos años, es inteligente, interesante y muy acertada. Lo que ocurre es que el texto está bien, pero no está muy bien.

Y ahí es donde aparece Carmen Machi para hacer un alarde interpretativo con un personaje que es un bombón. De esos que si no los aprovechas... Pero no, ella hace de ese delicioso regalo que le ha puesto el autor entre las manos un verdadero banquete para el espectador e, imagino, para ella. Nosotros la aplaudimos largo rato. Y con razón.

Mi hijo y yo

2008-10-25T18:48:00.003+02:00

Dirección: Ángel Fernández Montesinos

Fecha: 24-10-2008

Teatro: Liceo

Aforo: Tres cuartos

Una ñoñería

La imaginación lo es todo en esta vida. ¡Sin imaginación no se hubieran inventado tantas cosas! La rueda, la siesta, el submarino, la fregona, el chupa-chups, el trabajo, los helados de nata, el teatro… Tener imaginación te permite cualquier cosa, aunque sea ahí dentro. De ti mismo, me refiero.

El autor de MI hijo y yo, J. M. Barrie, también es el creador de Peter Pan, que ha dado lugar a miles de representaciones, películas y, por qué no decirlo, síndromes. Y lo que caracteriza esa pieza es la imaginación, los deseos y anhelos supremos de las personas por permanecer felices para siempre. Y miren por donde, la protagonista de la obra que nos ocupa es una soñadora, una mujer que, en medio de la Primera Guerra Mundial, prefiere imaginar y presumir de que tiene un hijo alto, guapo y fuerte, que lucha junto a sus compañeros del mejor regimiento británico del momento, a tener que enfrentarse a la realidad de una terrible soledad diaria. ¿El resultado? Una ñoñería.

Sí, sí no me miren así. Una ñoñería que puesta en escena sigue siendo… una ñoñería costumbrista (empezando por ‘los chistes’ y la excesiva moralina y terminando por el final absolutamente previsible) por mucho que María Fernanda D’Ocón defienda más que dignamente, junto a sus compañeras y compañeros de reparto, un texto lleno de pastel y beatitud infantil y vacío de interés teatral lo mires por donde lo mires. Y más si se fuerza tanto el punto de giro de la trama, cuando se encuentran por primera vez los falsos hijo y madre.

Jamás imaginé que iba a decir esto, pero lo mejor que tiene este montaje de Ángel Fernández Montesinos es que no tiene ningún argentino entre sus intérpretes, lo cual es un mérito en estos tiempos, y que no habla de la crisis financiera, no les digo más. Soñaré que el próximo montaje al que acuda sea bastante mejor. ¡Ojalá!

La señorita Julia

2008-10-14T17:48:00.002+02:00

Dirección: Miguel Narros
Fecha: 10/09/2008
Teatro: Liceo
Aforo: Lleno

Apuestas

Al final, todo se reduce a apostar por el negro o el rojo, a hacer la primitiva con los cumpleaños de la familia, ponerle siempre uno al Madrid o que digas que quieres una niña y resulta que te nace un niño más burro que un arado… Apuestas. De apuestas está llena la vida.

La señorita Julia es una apuesta personal de Miguel Narros, que la convierte en algo descarnado y absolutamente directo, huyendo de las sutilezas e invirtiendo los esfuerzos en soltar de sopetón al público que lo que vemos es lo que realmente hay en el texto, no lo que podemos intuir.

Y unas veces se gana y otras se pierde. En este caso, el hecho de que Narros nos ofrezca su peculiar visión de un clásico infinitamente revisado (¿cuántas veces habrá venido ya a Salamanca?) me parece interesante y valiente, empezando por la escenografía, que ya de antemano nos avisa de la degradación de la protagonista del montaje. Y otra, muy valiente y acertada es la elección del reparto, que defiende las tesis del director con uñas y dientes y está absolutamente entregado en cada segundo de las dos horas que dura el espectáculo.

A lo que yo nunca hubiera apostado es a hacer un comienzo contrario al espíritu de la obra. El teatro no hay que explicarlo si el texto, como en este caso, no lo necesita. Es más, alarga el montaje innecesariamente. Al igual que el ritmo de determinadas escenas, cuyo desarrollo afecta al conjunto de la obra, muy lento. E igualmente, no es necesario remarcar tan dramáticamente determinados problemas de los personajes porque cuando llegan los últimos diez minutos ya estás totalmente saturado. Y es que el texto tiene la suficiente fuerza como para no tener que subrayar artificialmente nada.

Pero bueno, son apuestas y Narros ha optado por la suya, en la que hay algunas cosas tan descarnadas que muchas veces provocan la risa del espectador, no sé si nerviosa o complaciente con lo que está viendo. Una apuesta valiente en la que unas veces el director pierde y otras gana. Como Raúl Prieto, una apuesta ganadora. Me juego lo que ustedes quieran.

30 grados de frío

2008-10-03T10:28:00.002+02:00

Compañía: Teatro del astillero
Fecha: 02/10/2008
Teatro: CAEM Sala B
Aforo: Medio aforo

Intuiciones

A veces tengo la sensación de que va uno, por las inmensidades del universo embarrado y difuso que es la vida, como a ciegas. Sin saber qué le ocurre ni porqué. Sólo intuyendo lo que más o menos puede pasar si da un paso más. Una veces aciertas y las otras…

Intuyo por eso que 30 Grados de frío, de Teatro del astillero, tenía su aquel y yo no fui capaz de verlo. Intuyo que, a pesar de ser un texto teñido por la intrascendencia, el montaje se te pasa casi volando. Creo que el tratamiento del tema no ayuda mucho: el Duque de Osuna, un chapucero diplomático acompañado por su secretario, el responsable y futuro escritor Juan Valera, se instala en San Petesburgo, capital de Rusia en 1856, para establecer relaciones diplomáticas con el país de los zares. Pero, realmente no hacen nada excepto ir de fiesta en fiesta malgastando el dinero a manos llenas.

Intuyo que la escenografía tenía su sentido (quizás para reflejar el desorden de vida que llevan los protagonistas en Rusia) con tanto caos y tanta silla y tanto perchero. Y vislumbro ciertos rasgos de humor que el público apreciaba a ratos. Además, y esto no lo intuyo, sino que lo sé, la interpretación es de sobresaliente. Por la técnica, que es evidente, y por la defensa con uñas y dientes, sin miramientos, de los personajes que les han tocado en suerte a los tres actores en escena.

Vamos, que intuyo que la obra puede tener su interés, pero poco. Empieza sin un rumbo y unos objetivos claros y termina igual. Es decir, que no se sabe porqué nos cuentan la historia que nos cuentan.

Quizás, se puede decir que el mensaje es el de que España siempre ha sido como ha sido y eso no ha cambiado desde tiempos inmemoriales y que los españoles siempre hemos sido como hemos sido y eso no va a cambiar nunca. Pero eso ya lo intuimos todos, ¿o no?

El rey que rabió

2008-09-24T15:07:00.002+02:00

Dirección musical: José M. Pérez-Sierra
Fecha: 23/09/2008
Teatro: CAEM
Aforo: Lleno

Mi madre

Mi madre, que es una mujer sabia donde las haya, cada vez que va a ver una zarzuela y le preguntamos su opinión, contesta: ‘No, si cantaban muy bien, pero tenían unos vestidos que eran unos zarrios… ¡Me ha dado una pena!’

La producción de El rey que rabió es el claro ejemplo de lo que una buena producción, si de dinero y mejores intenciones hablamos, puede hacer para relanzar la zarzuela. Y eso que el libreto de Ramos Carrión flojea allá por donde se coja. Pero, lo cierto es que el resultado resulta muy, muy interesante porque se sustenta en una propuesta escénica excelente y una dirección musical de alto nivel por parte de José Miguel Pérez-Sierra.

El vestuario, ¡ve a verla madre!, es imponente si exceptuamos el de los soldados. Y la propuesta del director y el escenógrafo son algo que no se ven en la zarzuela actual. Una idea original, proponer un circo como centro escenográfico en torno al cual se desarrollan las acciones, da paso a dos horas y media de buen espectáculo. Y el mérito no es proponer el ambiente circense, el mérito reside en que todo, la estética, los malabaristas, los equilibristas, la escenografía, las gradas en las que se mueven los personajes tienen su sentido en el conjunto.

Nada falta y nada sobra en esa apuesta por la modernidad en la que, además, todo está bien aprovechado y justificado (el circo como símbolo de lo que se ha convertido un país y como continente de un espectáculo para el divertimento), puesto que se aprovechan todos los planos espaciales a los que el espectador llega con la vista y el sentido.

Destacan también la proyección de voz cuando hablan de los actores-cantantes (o al revés) y la interpretación de algunos de ellos, como Susana Cordón, Rosa, y Luis Álvarez, El General. Eso sí, algunos fragmentos del texto no llegaban bien al anfiteatro y eso es una cosa que pone nervioso al espectador, más que a la buena de mi madre cuando los artistas sacaban unos vestidos ‘medio raídos’. Ve a verla madre, y alucina. Te la recomiendo.

Un adulterio casi decente

2008-09-13T16:36:00.003+02:00

Dirección: Jaime Aizpilicueta

Fechas: 12/09/2008

Teatro: Liceo

Aforo: Lleno

Chari y su equipo

Hay que ver lo bien que hacen las cosas Chari y su equipo en el Liceo, o en el CAEM o donde sea. Que lo mismo les da que el teatro sufra una avalancha de gente, que esté medio vacío, que caigan rayos y centellas. Nunca una mala cara, siempre amabilidad, profesionalidad y sonrisas. Es un placer ir al teatro en Salamanca. Y mira que los espectadores somos pesaditos. Que si no encuentro mi butaca, que si aquí no se ve bien, que si llego tarde y con prisas, que si me puede guardar la entrada para dársela a mi amiga que llega tarde, que si me suena el móvil y contesto, que si comento la obra con mi compañera de butaca... Y ya digo, ni una mala cara.

Igual que en Un adulterio casi decente, malas caras no se le pueden poner. Si acaso de aburrimiento. Buenas intenciones las tiene todas, pero el resultado es el de una comedia cuya mayor virtud es que de lo cándida que es parece de otro tiempo.

No se le puede pedir más a un montaje cuyo decorado naturalista, de esos que recrean la habitación donde se desarrolla la escena con enormes paneles y cuyas puertas cada vez que se cierran producen un terremoto en escena, tiene más peso que el texto. Vamos, que no le echemos la culpa a la escenografía (acordémonos de La cabra), si hay algo que no funciona en el teatro es un texto plano y ñoño.

Un hombre y una mujer se llevan viendo como amantes durante un solo fin de semana al año siempre en la misma habitación de hotel. Ella está casada con un policía y él está viudo. Durante los años siguientes, representados en forma de escena, iremos sabiendo qué ocurre con sus vidas hasta el previsible desenlace. La base es interesante, pero el desarrollo está hecho para que unas cuantas señoras se rían con sus cosas de otros tiempos.

Así es que ni la dirección, a lo clásico, ni la interpretación digna de los protagonistas, pueden salvar un montaje que, eso sí, nos retrotrae a otros tiempos de añejas Ferias y Fiestas de Salamanca. Vamos que no nos hubieran salvado de tan anodina propuesta ni Chari y sus chicas bailando el can-can en escena. Y mira que lo hubieran hecho de maravilla. Seguro.

Hoy no me puedo levantar

2008-09-12T11:25:00.003+02:00

Dirección musical: Isaac Ordóñez
Fecha: 11/09/2008
Teatro: CAEM
Aforo: Lleno

The best of

¿De dónde venimos? ¿Hacia dónde vamos? ¿Por qué estamos aquí? ¿Hace la programación de la Feria de Ciudad Rodrigo una monja para que no fueran dos grupos salmantinos de solera y con montajes sólidos como Zanguango o Intrussión? ¿Por qué los hosteleros en tiempo de crisis son los únicos que no se aprietan el cinturón y siguen subiendo los precios? ¿Dónde está el baño? Preguntas y más preguntas en este sendero de la vida. Algunas son fáciles de contestar y las otras…

¿Le gusta a usted Mecano? Si la respuesta es afirmativa, entonces a usted le gustará Hoy no me puedo levantar, musical efectivo (consigue lo que pretende), entretenido y festivo realizado a la medida de las canciones de los hermanos Cano. Si la respuesta es negativa no vaya, porque se tragará un concierto de cuatro horas que repasa los mejores éxitos del mítico grupo madrileño. Un The best of. Y no hay más.

Podríamos cantar las virtudes y defectos de un espectáculo que se apoya en una historia más bien tirando a flojilla, con unos gags demasiado vistos y manoseados, pero bien interpretados. Podríamos decir, como si fuera un estribillo, que la dicción del protagonista es como la de Emilio Aragónhijo, incluso que, a veces, no se entendía a los actores por problemas de sonido. Podríamos hacer un canto final a lo bien y mucho que el público, puesto en pie cantando, saltando y bailando, agradeció el esfuerzo y el montaje a los artistas (casi todos muy correctos). Pero, ¿para qué? Lo ven, otra pregunta. Si es que cuando me pongo filosófico…

Además, que el público que llenaba la sala es soberano y si ellos aplaudieron a rabiar al final será por algo. Digo yo, ¿no? Es más, no es que aplaudieran mucho es que aplaudieron hasta la extenuación entre número y número, durante las canciones, después de cualquier oscuro o frase insustancial. Daba lo mismo que el protagonista estuviera alegre porque había conseguido formar un grupo o triste porque le había salido un grano... Así es que todos contentos, los artistas por la buena acogida y el público por tanto despliegue de luces, sonido y gente bailando y cantando en el escenario. Energía positiva que hay que agradecer en estos tiempos.

La cena

2008-09-08T13:40:00.002+02:00

Compañía: Els Joglars
Fecha: 07/09/2008
Teatro: Liceo
Aforo: Lleno

Una heroicidad

Imagino que Albert Boadella duerme como un lirón, de la noche a la mañana y con una sonrisa en la cara. No me extraña. Una persona tan preclara, y que dice lo que dice sin miedos ni autocensuras, tiene que hacerlo. Y es que Els Joglars regresa y reincide con premeditación y alevosía en sus temas y estructuras favoritas. Y lo mejor de todo es que no aburre, que Boadella esas cosas las hace y las escribe muy bien. Lucidez, mala leche, desparpajo, bilis corrosiva, nada le falta ni nada le sobra a un montaje sin edulcorantes, sin ambigüedades y, lo que es más importante, sin arrepentimientos pasados, presentes o futuros. Él sigue erre que erre desde hace tiempo y, para qué lo vamos a negar, tiene toda la razón y triunfa con sus propios tópicos, lo cual es una heroicidad, porque lo hace, lo hacen, muy bien.

La cena es un montaje que arremete contra los gurús del cambio climático, la progresía de salón que defiende una ecología de despacho rodeada de frases leídas en artículos de prensa leídos entre desayuno de trabajo y comida de entrega de premios, el negocio y el miedo que se ha instalado a costa de la naturaleza y contra lo que se supone que es la alta cocina. Bueno, contra eso y contra muchas cosas más, aunque en realidad lo hace, como todos sus montajes, contra la hipocresía y la falsedad de la sociedad en la que vivimos. Exactamente igual que en sus anteriores propuestas, con claro carácter de denuncia social.

De hecho, desde el primer momento en el que se abre el telón y aparece en el fondo la reproducción de un mapamundi renacentista el mensaje es claro: la tierra es lo que es desde hace muchos años, dejémosla estar y no creemos falsas y ridículas radicalidades.

Y de eso va el montaje: de una cena que acaba siendo una comunión brutal y surrealista, de una gente que traga con todo lo que le echen (excepto algunos), de una sociedad que se luce y obtiene réditos fáciles, ya sea utilizando el problema del medio ambiente, el chapapote o el terrorismo. ¿Qué más da? Por eso a Boadella le va tan bien con sus montajes. Porque es un señor muy preclaro que no se sienta a cenar con cualquiera que no sea un espectador que, por lo menos, cuando se va a la cama duerme muy tranquilo.

De místicos y pícaros

2008-07-28T09:25:00.005+02:00

Dirección: Rafael Álvarez
Fecha: 25/07/2008
Teatro: Patio de Fonseca
Aforo: Lleno

Algo de gusa

Es imposible que Rafael Álvarez ‘El Brujo’ te caiga mal. A nadie le puede disgustar un ser que encima del escenario es tan entrañable, que parece un pan blanco de las ganas que dan de comérselo. Y cómo llena, el escenario, digo. Con el hambre de teatro que tenía el público a la entrada. La pregunta era: ¿quedaríamos al final satisfechos?

Por lo menos, a mí me dejó con bastante ‘gusa’ de sustancia este De místicos y pícaros. Y no es que ‘El Brujo’ estuviera flojo. Estuvo como casi siempre encima de un escenario: en plan magnético. Oye, es salir y utilizar ese estilo peculiar para hipnotizar a un público que se entrega desde el primer momento a sus monólogos como si de una secta se tratase. Y eso lo hace de maravilla este gran actor que, en este caso, y a pesar de las carcajadas y aplausos unánimes, no acierta con un espectáculo pícaro, muy pícaro.

¿Por qué? Pues porque en realidad está trufado de textos unidos de forma inconexa por un hilo argumental que no es el libreto, la música o la dirección, es el propio actor, al que inmediatamente identificamos no como un místico, sino como un pícaro que tiene respuesta ante la adversidad siempre, sean cuales sean las circunstancias. Y Rafael Álvarez la tiene muy grande: la respuesta, digo. Permítaseme este chiste para ilustrar lo que acabo de decir. Gracias.

El argumento del montaje es flojo y destaca mucho más la anécdota simple, el brillante artificio, la improvisación ensayada que ya habíamos visto en sus anteriores montajes a la hora de sortear un jamón, por ejemplo, que los autores a los que homenajea y las cargas de profundidad que lanzan de por sí. Ni tan siquiera la loa al gran Fernando Fernán Gómez tiene mucho sentido en medio de tal revoltijo y guirigay.

Tanto que, al final y una vez que has aplaudido al actor, sales preguntándote qué es lo que has visto. Y, en realidad, si exceptuamos una gran demostración en el Guzmán de Alfarache, poco podemos decir de dos horas de montaje que, eso sí, se te pasan casi volando. Y es que sólo alguien como ‘El Brujo’ puede hacer un monólogo con menos sustancia que lo que malcomía Lázaro de Tormes y hacer que el público saliese ahíto sin haber degustado prácticamente nada. Al final, hambre.

Este señor es teatro: ahora, antes y después

2008-07-25T08:49:00.002+02:00

Tom Waits no es dios, es Teatro.

Little Drop of Poison

I like my town with a little drop of poison
Nobody knows they're lining up to go insane
I'm all alone, I smoke my friends down to the filter
But I feel much cleaner after it rains

She left in the fall, that's her picture on the wall
She always had that little drop of poison
She left in the fall, that's her picture on the wall
She always had that little drop of poison

Did the devil make the world while god was sleeping
Someone said you'll never get a wish from a bone
Another wrong good-bye and a hundred sailors
That deep blue sky is my home

She left in the fall, that's her picture on the wall
She always had that little drop of poison
She left in the fall, that's her picture on the wall
She always had that little drop of poison

A rat always knows when he's in with weasels
Here you lose a little every day
I remember when a million was a million
They all have ways to make you pay
They all have ways to make you pay

Chrónica de Fuenteovejuna

2008-07-23T09:55:00.005+02:00

Compañía: Samarkanda Teatro
Fecha: 22/07/2008
Teatro: Patio de Fonseca
Aforo: Dos tercios

Pedagogía

Andaba yo anonadado por la programación de la Feria de Ciudad Rodrigo, en la que echo de menos, además de algunas compañías salmantinas con mucha más capacidad teatral que muchas de las que están, algo más de riesgo y menos puerilidad monjil, cuando me di cuenta de que tenía que ir a Fonseca para ver este montaje de Samarkanda Teatro y me dije: ‘Ojalá no pases frío, que en Fonseca ya se sabe, y a ver si encuentras algo de riesgo’. Y oye, dicho y hecho. Nada de frío en Las Noches del Fonseca, ¡ya es raro!, y riesgo en Chrónica de Fuenteovejuna, en la que el director, José Carlos Plaza, y la adaptación van de frente con una propuesta que se queda sólo en correcta, ágil, pero algo desfasada.

Propone Samarkanda un juego metateatral en el que el público asiste a la preparación por parte de una compañía de teatro del montaje de Fuenteovejuna. Los actores discuten sobre la mejor manera de abordar un texto en el que Lope de Vega hace pedagogía y reivindicación de la solidaridad social y seguidamente le hace la pelota a la monarquía absolutista de una manera descarada. Y es ahí donde se plantea el problema de la obra, que en algunos momentos es excesivamente pedagógica y políticamente ingenua, lo que conlleva mucho artificio en las partes del texto que contextualizan para el público.

El resultado es interesante como ejercicio, pero demasiado desfasado, demasiado ‘pasado’ por sindical (parece un ensayo de finales de los 70) y hasta cierto punto ingenuo. No acaba de convencer y, además, se queda entre dos aguas. Es curioso, pero lo más interesante sucede cuando los actores representan la obra de Lope, sin decorados y con una buena iluminación consiguen un efecto maravilloso, y lo menos interesante cuando sueltan, en determinados momentos de su ‘ensayo’, sus discursos sobre la situación política, geográfica y social de la España del momento.

Por cierto, que se echa de menos la figura del director, suprimido en escena, quizás con la intención de equipararlo al personaje del comendador. Pero bueno, también yo eché de menos el frío y, esa noche, no apareció.

¡Adelante!

2008-06-16T13:49:00.001+02:00

Lo primero es lo primero. La programación teatral de sala de este IV Festival Internacional de la Artes de Castilla y León ha sido, desde mi punto de vista, más floja que las de otras ediciones, especialmente buena me pareció la de 2007. Ha sido un programa del que se han salvado pocos montajes. A saber: Songs of the Dragon Flying to Heaven, la mejor, Petites Histoires.com, la más emocionante, Warum, Warum, la que mejor dirigida estaba, y El dragon azul, la más espectacular técnicamente. No obstante, quiero destacar otros tres montajes interesantes: Bonanza, a pesar de todo tenía mucho teatro dentro, H3, un buen ejercicio de danza, y Deep y Trío, muy bien técnicamente.

El resto ha sido decepcionante: Anjo negro es la que menos me ha gustado y le siguen Don Quijote contra el ángel azul, Wewilllisvestorm, Tempest II y Time Republic. Hubo dos que no vi y de las que, evidentemente, no puedo hablar. Lo que sí puedo decir es que a todas las une una cosa. El aburrimiento. Todas eran bastante tediosas y sin gancho. No había nada que te atrajera y enseguida empezabas a mirar el reloj. Y mira que algunas duraban apenas una hora.

El resultado ha sido: menos público en las butacas, más aburrimiento y menos ilusión a medida que pasaban los días. Pero ya se sabe, unas veces se acierta y otras se falla. En este caso el sabor de boca que queda ha sido peor que otras veces, pero seguro que remontará el vuelo.

En lo que sigo en mis trece es que defenderé a muerte este Festival por las razones de siempre y por las que vendrán. Salamanca necesita abrirse al mundo y este festival es fundamental para limpiar el aire viciado y provinciano que nos asfixia, a mí el primero. Si queremos que esta ciudad sea universal y moderna queremos este Festival, que hay que entender desde el punto de vista de que nos ofrece nueva tendencia. En eso me llevaré palos de los agoreros que protestan por los millones que se lleva este festival y no se llevan ellos y sus amigos, de los que dicen amar el teatro y el arte y nunca (ni antes, ni durante, ni después), se les ve por el Liceo, el CAEM o Caja Duero, y de los que lo querrían dirigir y nunca lo harán. Bienvenido sea este soplo. ¡Adelante!

Por cierto, enhorabuena a los autores de la página Web y la imagen del festival. Muy buenas.

Anjo Negro

2008-06-15T16:27:00.002+02:00

Dirección: Frank Castorf

Fechas: 14/06/2008

Teatro: CAEM

Aforo: Dos tercios

Fea y aburrida

Resulta que va uno al teatro alegre y contento después de ver el gol de Villa en el último minuto y se encuentra con esto. No hay derecho, hombre. No hay derecho. Dos horas y cuarto soportando un tostón que no se salva ni con la excusa de no tener el vestuario. Esfuerzo encomiable, pero infrucutoso. Victoria pírrica, sobre todo para el público que aguantó hasta el final.

No sé qué es más aburrido, si este montaje de Frank Castorf, un partido amistoso con prórroga y penaltis de la selección española o tres horas sin descanso de teatro balinés.Podemos estar de acuerdo en que es expresionismo. Perfecto. Podemos estar de acuerdo en que es más teatro que otros montajes. Perfecto.

En lo que no puedo estar de acuerdo es en que para hacer expresionismo haya que estar dos horas y cuarto dando voces. En lo que no puedo estar de acuerdo es que para transmitir al espectador los sentimientos del autor haya que gritar todo un espectáculo. En lo que no estoy de acuerdo es que para provocar haya que contar una historia absolutamente aburrida. Una cosa es la provocación y otra cosa es el aburrimiento. Anjo negro ni provoca ni transmite: aburre y es fea por muchos desnudos, violaciones y escupitajos que uno introduzca.

Es más, las supuestas referencias al propio teatro, como las conversaciones de los intérpretes con los cámaras que retransmiten en directo algunas partes del montaje, son de lo más naif que se ha visto últimamente por estos lares. Eso sin contar que el que metía los subtítulos no acertó ni una.
Por salvar algo, debemos decir que tiene dos pequeñas escenas en alemán muy líricas y con emoción.

Eso sí, había conflicto, sangre, celos, crucifixiones, muchos intérpretes en escena, a los cuales no se les vio sus dotes interpretativas escondidos tras sus gritos pelados, diseño de luces… lo que yo no vi fue mucho teatro.

Songs of the Dragons flying to Heaven

2008-06-15T16:21:00.004+02:00

Compañía: Young Jean Lee’s Theater company

Fecha: 13-06-2008

Teatro: Caja duero

Aforo: Media entrada

¡Aleluyah!

A veces, las cosas no son lo que parecen y los comienzos dicen mucho más de lo que auno podría parecer. En cuanto escuché y vi el vídeo que abre esta ‘Songs of theDragons flying to Heaven’, de Young Jean Lee’s Theater company sabía que ese comienzo era muy importante. Es más, sabía que el montaje me iba a gustar. Es teatro actual, fresco y con ritmo. Una conversación en oscuro nos introduce en lo que parece ser la grabación de unvídeo en el que un hombre golpea secamente a una mujer. Los golpes se escuchan unotras otro. Inmediatamente, se ve el vídeo en el que la directora del espectáculo esgolpeada mientras ella intenta mantener la compostura. En ningún momento demuestrael dolor que siente. Se lo guarda. Gran metáfora de la ira contenida que sentimoshacia muchas de las cosas que nos rodean habitualmente. Gran comienzo. Y muy indicativo de lo que vendrá después, porque el espectáculo es un alegato contra elracismo, pero, desde mi punto de vista, lo es más sobre el odio y la rabia hacianosotros mismos y sobre la intolerancia con cualquiera que no piense como nosotros. Después del comienzo un monólogo sobre los coreanos. Sólo por eso ya merece la penael espectáculo. Y después el resto de los diálogos y de las coreografías y cancionesprotagonizadas por cuatro coreanas y dos estadounidenses (bueno, dos blancos).

En principio no tienen nada que ver, pero para mí sí. En realidad todos y todasdicen lo que realmente piensan y sienten. No son políticamente correctos. Y lo hacende diferentes maneras. La protagonista coreana lo hace a la cara, crudamente. No se corta un pelo. Si piensa que eres un mierda te lo dice y ya está. Los americanos o los blancos, como ustedes quieran, hablan de sus problemas y de sus neurosis dependiendo, pero siendo muy crueles. Son racistas hasta con los de su propia raza,con su novia o con su marido. Son intolerantes y tienen una ira contenida que estándeseando expulsar. En este montaje esas personas encuentran su canalización.

Buena interpretación, mejor dirección, una música adecuada y una sana capacidad parareírse de sí mismos. Lo único que no me gustó fue el diseño de las luces. Una granobra. ¿Crítica? Sí. ¿Parodia? También. ¿Texto? Por supuesto. ¿Teatro? ¡Aleluyah!

Time Republic

2008-06-13T08:47:00.002+02:00

Compañía: andcompany&Co.
Fecha: 12/06/2008
Teatro: Liceo
Aforo: Media entrada

Un mal viaje

Un mal viaje lo tiene cualquiera. Te metes cosas que no controlas y… pasa lo que pasa. El ácido es lo que tiene, que pasó de moda hace mucho tiempo y unas veces sale bien y otras mal. De repente te da por experimentar y no controlas. Empiezas a ver cosas que te parecen maravillosas y cuando ves el resultado, el resultado no se atreve a verse a sí mismo.

No, no se preocupen. No he tomado nunca drogas y no iba a empezar a tomarlas ahora. Los que parece que sí se las tomaron cuando creaban este espectáculo son los chicos de andcompany&Co., a los que les ha salido un espectáculo naif, sesentero, bien intencionado y, sobre todo, muy infantil: Time Republic.

Otra explicación no hay para crear un montaje sobre el Sputnik, excusa para hablar de la sociedad de los años sesenta, de la política, de la Guerra Fría, del estallido social y sexual, de mayo del 68 y de otros acontecimientos sociales de la época. Buenos temas, en realidad. Buena base, ¿no? Pues efectivamente: no.

Y mira que hay algunas partes que tienen ritmo y que enganchan, como en la que relatan las razones de la crisis de los misiles cubanos, y partes con cierta ironía, como cuando se sientan todos a cantar una canción folk en paz y armonía o recuerdan el asesinato de John Lennon.

Y es que este montaje es un ejercicio, un juego en el que se ha intentado recrear una época desde el punto de vista menos interesante: el vestuario mezcla de los Bee Gees y Judas en Jesucristo Superstar, la música, los colorines de los artilugios luminosos que utilizan para semejar la psicodelia de la época, los sombreros gigantes…

Unas veces teatro leído, en el que se enciende una bombilla cada vez que habla un personaje, o actor, o lo que quiera que represente, otras veces performance hippie (si es que eso existe), otras discurso con discursos, este Time Republic se queda en una simple anécdota aburrida, triste y fúnebre que no dice nada ni, por supuesto, interesa a nadie. Y mira que el viaje prometía, pero… se estrelló.