viernes, 20 de noviembre de 2009

¡Al carajo la poesía!


Compañía: Raízde4teatro
Fecha: 19-11-09
Teatro: Sala B del CAEM
Aforo: Lleno

Muy positivo

¡Qué mala suerte! Cada vez que voy a la Sala B del CAEM no tengo entrada y como la nueva jefa de sala no hace nada ni hay nadie de la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura para solucionar el problema… En lo que sí tuve suerte, a pesar de todo, fue en poder entrar a ver ¡Al carajo la poesía! porque conseguí comprar la entrada a una persona a la que le sobraba.

Dinero bien empleado porque el espectáculo de Raízde4teatro, pequeñito, coqueto, acogedor, didáctico y bienintencionado, se te pasa volando entre verso y verso. Y de eso se trata, de presentar la poesía al público de una forma entretenida, positiva y atractiva.

Dos actores nos introducen, en una especie de conferencia, las distintas posibilidades de disfrutar, leer, entender o interpretar la poesía: de Celaya, a Sabina, pasando por Neruda, Santa Teresa de Jesús, Benedetti o Machado, Luis Oliver y Carmen Castrillo, muy sólida en su amplio abanico de personajes, hacen un recorrido por las palabras, las metáforas, los retruécanos, las paradojas o el ritmo que conforma el universo poético y sentimental que todos tenemos en la cabeza.

No es fácil llevar al teatro este tipo de propuesta, pero salen airosos si exceptuamos un pequeño problema: el hilo argumental es débil y el espectador no sabe al final quién le da la conferencia ni por qué, lo cual le quita credibilidad. Lo que hay en medio está muy bien, se lo aseguro. Es imaginativo y tiene escenas inteligentes y divertidas: la de Santa Teresa explicando su poema, la de la lectura de los periódicos, la del Aserejé… pero, no me cuenta una historia y sí, yo soy de esos.

El resultado es un muy positivo montaje sobre las posibilidades del lenguaje (sin haberlo deseado…) y sus diversas formas de afrontarlo en el entorno poético. Y la gente así lo agradeció con un largo y cálido aplauso. A nosotros nos convencieron. Ahora falta que lo hagan por esos teatros del mundo. Ójala lo consigan.

viernes, 16 de octubre de 2009

Es-Puto Cabaret


Compañía: El Espejo Negro
Fecha: 15-10-09
Teatro: Sala B del CAEM
Aforo: Lleno

Ácido vitriólico

¡Y querían que me lo perdiese! Hombre, cualquier otro espectáculo sí, pero éste… Y además, en la Sala B del CAEM y para ciento treinta y ocho espectadores privilegiados. Que no se queje Marianna Travelo. Mejor un polígono que una carpa de La Aldehuela durante las Ferias y Fiestas salmantinas en los años ochenta. Que no se queje, porque el mérito es suyo. Esta función eleva la categoría de cabaret petardo, desaseado y malhablado a la de montaje con todas las letras.

Con Es-Puto Cabaret, El Espejo Negro, con Ángel Calvente a la cabeza, nos invita a una buena copa de ácido vitriólico. Un trago para nada amargo que te deja un regusto a aguardiente del bueno, del de ochenta grados, de ese que normalmente no se vende en establecimientos autorizados. Magnífica manipulación de títeres, escenas muy conseguidas y encabalgadas, textos a lo bruto pero muy trabajados y sarcásticos, ritmo vigoroso y personajes entrañables. Personajes que saben que son marionetas, lo reconocen y lo aceptan: ¡Viva el metamarionetismo!

Eso es lo bueno. Personajes de gomaespuma muy bien construidos, pero mejor manipulados, que cobran vida bajo los focos y dan sentido a la nuestra en la penumbra de la sala durante la hora y media larga que dura la propuesta. Y todo bajo la batuta de una Marianna Travello, maestre de ceremonias perfecto, para dar paso a su perro Troski, a Paco ‘El Lejía’, a Lola Flores –un ejemplo de manipulación de títeres-, a Joselito, a Rocío Jurado, a Freddy Mercury o a los Reyes de España –desternillante escena-.

Y todo ello con textos muy pegados a la actualidad y con improvisaciones cachondas y certeras. Vamos, que te olvidas de que lo que allí hay son títeres o muñecos como coño se diga, que luego salen los puristas y te ponen a parir.

Un acierto para la Sala B del CAEM y un acierto para los espectadores que fueron a tomarse un buen trago de ácido vitriólico a la salud de aquellos a los que no les gusta el aguardiente, lo destile quien lo destile. Y es que luego te queda la garganta perfecta para cantar o esputar… o lo que sea.

martes, 29 de septiembre de 2009

El circo de la mujer serpiente


Compañía: Ananda Dansa
Fecha: 27-09-09
Teatro: Teatro Liceo
Aforo: Lleno


Mi hermana

A mi hermana Mónica la llevamos un día al circo de pequeña, tenía dos o tres años, y no se le olvidará en la vida. Salió un payaso a la pista con un termómetro gigante. El clown tiraba de la cuerdecita que colgaba por debajo del descomunal medidor de temperatura y hacía como que subía el mercurio. Era gracioso hasta que tiró con fuerza y el falso líquido llegó a doscientos grados con el resultado de una explosión gigante provocada por un enorme petardo colocado estratégicamente. Todos sabíamos lo que iba a ocurrir. Todos menos mi hermana, que del susto vomitó encima de la señora que teníamos delante y no ha vuelto a soportar un payaso. Pensándolo bien, esto, ahora que ya tiene edad de merecer, le ha venido de maravilla. Así es que gracias, señor payaso.

Y gracias a Ananda Dansa, que ha creado un espectáculo pedagógico, social (hay una mujer forzuda en vez de un hombre), lleno de vitalidad, colorido, sensaciones positivas, recuerdos entrañables y códigos entendibles para el público familiar al que va destinada la función. El circo de la mujer serpiente es perfecto para que la familia entera vaya a ver un espectáculo que los niños disfrutarán y los padres disfrutarán viendo cómo sus hijos lo hacen.

Basado en el teatro gestual y en códigos muy claros para que todos entendamos lo que allí hay, con alguna excepción como el solo de la mujer serpiente, con un vestuario colorido y muy adecuado y con una pantalla en la que se proyectan ilusionantes sombras, este montaje básico y plano pretende introducir a los más jóvenes en el circo de la danza. Y lo hace con una música reconocible y repetitiva y con un recorrido por los personajes que pueblan habitualmente una carpa. Una troupe simpática y bien avenida: payasos, trapecistas, faquires, mujeres forzudas, presentadores, músicos…

Muy interesante, pero con un pequeño detalle. La programación o los programadores deberían avisarlo. Puede que alguien saliera decepcionado, aunque yo a mi hermana Mónica se lo recomendaría para reconciliarse con el pasado y no vomitar cada vez que vea un payaso por la calle.

Vídeo del espectáculo en Youtube

martes, 22 de septiembre de 2009

Maná maná


Compañía: Los Ulen

Fecha: 18-09-09

Teatro: Teatro Liceo

Aforo: Tres cuartos


El escorpión


¿Qué quieren que les diga? Hoy me he levantado positivo. Lo veo todo del color de la primavera. Respiro y siento que el aire entra por mis venas y me rejuvenece. Siento que todo es mejor. Que la vida es maravillosa, que todo es bueno, bonito y barato. Que cada cual hace lo que tiene que hacer con ganas y con alegría.


¿Quién sabe? Quizás ha sido el montaje de Los Ulen, Maná Maná. Sí, sí, ya sé que el panorama que nos pinta no es demasiado positivo. Pero, a lo mejor, ha sido por ese mismo motivo. Tres personajes de lo más desagradable que, además de hablar como el mejor Chiquito de la Calzada, nos enfrentan con lo que muchas veces somos: guarros, malhumorados, chabacanos, sinceros y muy, muy seguros de sí mismos. La otra parte, el lado oscuro, el reprimido simpático y cabrón.Sutiles no son, pero directos y efectivos sí.


Y todo ello gracias a tres grandes interpretaciones que hacen que el rompecabezas que es el montaje, sobre todo los primeros cuarenta minutos, no se atragante. No hay nada mejor que el buen vino peleón para pasar un mal hueso de aceituna. ¿Qué mejor música que la del Tom Waits más heavy para una cita romántica? Pues lo mismo que los Ulen.


Todo muy bien hecho y con reminiscencias circenses, cabareteras, musicales y surrealistas.Así es que quizás hoy por eso puedo decir que Maná Maná es un gran montaje del que tengo un especial recuerdo, especialmente de su fin de fiesta viajero-musical, y del que me gustó tod… del que me gustó t… del que me… Lo siento, pero no puedo. Soy como el escorpión que picó a la rana y se ahogó junto a ella. No puedo evitarlo. A mí, me aburrió a pesar de todo eso que he dicho (que es verdad). Y me aburrió porque sencillamente no me enganchó y porque no tiene historia. Y yo, desgraciadamente, necesito casi siempre una que me diga algo. Y eso que odio a los escorpiones.

sábado, 12 de septiembre de 2009

Mamma Mia


Fecha: 10-09-09
Teatro: CAEM
Aforo: Lleno

Así me va

Lo reconozco. Debo ser yo el que estoy equivocado. Cuarenta millones de personas que han visto este espectáculo no pueden estarlo. ¿Por qué, entonces, me empeño en decir en este artículo que Mamma Mia! no me gustó en absoluto?

Pues por esto. Concierto encubierto. Interpretaciones salidas de una mala película del oeste. Contenido nulo y mal desarrollado. Canciones famosas correctamente cantadas. Coreografías bien desarrolladas y multitudinarias. Casting mal elegido. Un envoltorio muy bonito, pero absolutamente vacío de cualquier elemento de interés.

Concierto encubierto porque se desgranan uno a uno los grandes éxitos de Abba sin ton ni son y con poco acierto en el libreto, determinado por unas letras que, no nos engañemos, tienen muy poca profundidad lírica y dramática.

Interpretaciones salidas de una mala película del oeste porque todos hablan sin naturalidad, como si estuvieran en el salón de Devil City justo antes de un duelo entre el sheriff y un asaltador de bancos. Especialmente los personajes de Dona y de Sam.

Contenido nulo y mal desarrollado porque la historia, por mucho que queramos, carece de contenido dramático verdadero, la hemos visto cincuenta mil veces mejor desarrollada, adolece de credibilidad, es puro caramelo endulzado a mayores y no tiene fuerza suficiente como para durar más de dos horas.

Canciones famosas correctamente cantadas porque lo son y porque lo están.

Coreografías bien desarrolladas y multitudinarias porque es así y porque es lo que le gusta al público.

Casting mal elegido porque, aunque el personaje de Sofie canta bien, no parece lo que tiene que parecer. Se asemeja a una niña de quince años en vez de a una mujer de veinte, que es lo que exige la historia, lo que la convierte en algo surrealista. Su cuerpo y su voz no reflejan el personaje que exige lo que allí se está contando. Demasiado infantil.

Resultado: Un envoltorio muy bonito, pero absolutamente vacío de cualquier elemento de interés y un teatro repleto puesto en pie y enfervorecido con todo lo que allí vimos. El equivocado debo ser yo, aunque no me baje del burro. Así me va.

lunes, 7 de septiembre de 2009

Arte


Dirección: Eduardo Recabarren
Fecha: 04-09-09
Teatro: Teatro Liceo
Aforo: Tres cuartos

Matices

Hay textos que son un éxito seguro. Que estamos aburridos o no sabemos qué montaje hacer, pues recurrimos a El sueño de una noche de verano o a Arte, por ejemplo. Textos, éste último por su cercanía temporal, que tienen todas las de triunfar por su calidad indudable. Y es que Yasmina Reza sabía lo que se hacía cuando lo escribió. De hecho, estará viviendo estupendamente gracias a él por mucho tiempo –espero- y sus herederos también.

Otra cosa es que llevarlo a escena no implique ciertos riesgos. Una escenografía cool, una versión recortada en algunas partes y tres actores conocidos no siempre ofrecen el mejor resultado si de teatro hablamos. Otra cosa es que las taquillas sean suculentas y que la mayoría del público se vaya satisfecho a su casa.

Y eso ocurrió en el Teatro Liceo. Arte sigue funcionando porque es un texto perfectamente engrasado y porque –perdonen la comparación- es un texto que ante las peores condiciones posibles se crece y sabe sacar cosas positivas sin que se lo pidan: es como un actor que tiene tablas.

Esta versión funciona con el público y la gente premia con un gran aplauso lo que acaban de ver. Innegable. Pero, desde mi punto de vista, lo que se presentó sobre el escenario es un montaje entretenido sin matices, sin tonalidades que le den interés. Una propuesta en la que los roles que propone la obra para cada personaje se pierden a medida que avanza –especialmente los de Sergio, plano y afectado, y Marcos, excesivamente macarra-. En definitiva, al final todo se reduce a una lucha de egos en la que lo único que importa es quién da más voces, olvidando la fragilidad de la amistad o los sentimientos más profundos del ser humano, lo que nos hace la soberbia o el qué dirán.

Y me temo que esto es un problema de la dirección y, en parte, de la versión. Entre las dos dejan a los personajes planos, exentos de evolución dramática, demasiado exteriores y sin fuerza emocional. Hay humor y destellos de muy alta comedia, pero de la visión inteligente del mundo masculino y de su manera de entender la amistad que contiene el texto poco pudimos disfrutar.

Vimos Arte, sí, pero sin más. También podíamos haber visto El sueño de una noche de verano y quizás hubiéramos acertado. Aún así, se nos pasó el rato de manera agradable.

viernes, 21 de agosto de 2009

Segunda oportunidad de ver 'Sin r de adio'


'Los Hernández de Segundo' -Maribel Iglesias y Carlos Vicente- vuelven al Café Bar Tío Vivo para probar su nuevo espectáculo, 'Sin R de adio', una historia en la que el público asiste a la última emisión de un alocado programa de radio presentado, dirigido y falseado por estos dos artistas que ya hicieron las delicias de los aficionados al teatro de texto comprometido, ácido, actual y lleno de referencias a su propia actualidad en Trío de Ases o el Café Teatro de la Vega (el único e inigualable).


El lunes, 24 de agosto, a las 23 h, en el Café Bar Tío Vivo.

lunes, 27 de julio de 2009

Sin R de adio, en el Tío Vivo


No tenemos remedio. No tenemos vergüenza. No tenemos estudios. No tenemos dinero. No tenemos ganas de tener dinero. No tenemos perdón. Por no tener… No tenemos ni R de adio.

Lo que sí tenemos es un ensayo general con público de nuestro nuevo espectáculo en el Café Bar TíoVivo, el lunes 27 de julio, a las 23 h.

No faltéis, que nos gusta que nos aplaudan y nos agasajen y que nos… Bueno, ya sabéis.

El sueño de una noche de verano


Compañía: UR Teatro
Fecha: 24-07-09

Teatro: Patio de Fonseca
Aforo: Lleno



Mucho teatro

No me gusta hacer la ola cuando voy al fútbol, te entretiene y te molesta durante se desarrolla lo que has ido a disfrutar. Me molesta y me pone nervioso que un señor se levante en medio del partido que tú has pagado y no te deje ver lo que realmente merece la pena. Pero mira, no me hubiera importado que, al finalizar el espectáculo de UR, durante el transcurso no, hubiéramos hecho una ola de las buenas.

Para andarnos sin rodeos, que la ocasión lo merece: este montaje de UR sigue siendo de lo mejor que ha pasado por Salamanca en los últimos quince años y continúa manteniéndose fresco, vital y atractivo para el espectador. No hay mejor versión española de El sueño de una noche de verano que la de Helena Pimenta. Y mira que se han hecho…

Verdadero teatro el que se nos ofrece durante hora y tres cuartos en un banquete que nadie en su sano juicio debería rechazar. Eso sería signo de la anorexia mental más desoladora que el ser humano puede sufrir, un crimen de lesa majestad.

Tiene ritmo, tiene interpretación, tiene dirección, tiene un concepto claro y contundente, tiene criterio en el expurgo del texto –muy importante-, tiene sentido del humor, tiene contención y tiene teatro dentro, mucho teatro. Universalidad indeleble en el tiempo, que hace de este montaje un clásico que permanecerá grabado a fuego en nuestras memorias.

Y todo esto gracias a una dirección vigorosamente moderna, a pesar del paso del tiempo, y a seis artistas que en escena lo dan todo y se muestran como verdaderos actores y actrices en plenitud, con el ego debidamente dosificado y con las cosas muy claras para ofrendar todo su trabajo a la mayor gloria del conjunto. Al igual que la iluminación (¡qué susto cuando se te van las luces en mitad de la actuación!) y la banda sonora.

Conclusión: Helena Pimenta es una creadora, una directora que, unida a William Shakespeare, se convierte en autora por derecho propio. Ya nos gustaría a muchos ser heridos por el dardo de la inspiración que rezuma todo el montaje. Una lástima que no saliera a saludar. Merecía el aplauso final. Igual que esa noche de verano recibió un espectáculo de grandísimo calibre.

viernes, 24 de julio de 2009

Entrevista con Los Hernández de Segundo

Los Hernández de Segundo poniendo toda la carne en el asador

Salamanca, 24 de julio de 2009

Los Hernández de Segundo estrenan ‘Sin R de adio’, un espectáculo lleno de humor, acidez e ironía

'El título se nos ha ocurrido a nosotros solitos', han declarado Maribel Iglesias y Carlos Vicente, que actúan en el Café Bar Tío Vivo el lunes, 27 de julio, a las 11 de la noche


La acidez, la crítica y la diversión llegan por fin a los teatros salmantinos de la mano de ‘Los Hernández de Segundo’, Maribel Iglesias Hernández y Carlos Vicente Hernández, que este lunes, 27 de julio, en el Café Bar Tío Vivo, a las 23 h, ponen en escena su mejor montaje… y el primero: ‘Sin R de adio’. Les presentamos en exclusiva una entrevista con estos singulares artistas que, por supuesto, hacemos en un bar a las cuatro de la madrugada.

¿Qué nos cuentan en ‘Sin R de adio’?
Maribel: En este espectáculo, de una hora y cuarto de duración, el espectador podrá ver cómo dos locutores hacen la última emisión de un programa de radio titulado ‘Sin R de adio’ porque sus jefes de la emisora ‘Ponte Radio’ han decidido echarlos a la calle.

¿Es, pues, su montaje una crítica a la situación de crisis que estamos viviendo ahora?
Carlos: ¡Qué va! Ni mucho menos. Si yo fuera director de emisora y escuchara el programa que nosotros planteamos, haría exactamente lo mismo. En esta propuesta hay crítica y acidez, por supuesto, pero siempre partiendo del hecho de que somos los primeros en reírnos de nosotros mismos. Luego, evidentemente, hay referencias a la actualidad local, nacional, internacional y divina. No podemos sustraernos a nuestras trayectorias de los últimos años: nos gusta hablar de lo que conocemos.

¿Siguen fieles a su estilo?
Maribel: Hay que ponerle los cuernos a la fidelidad y a la monogamia. Nuestro estilo es muy ecléctico porque colaboramos con mucha gente: Miguel Martín, Roberto G. Encinas, Fabio Rodríguez de la Flor...
Carlos: Bueno y también Lorca, Thoureau o Confucio, que pasaban por allí y nos inspiraron. Vamos, que les damos nuestro toque personal a los textos (porque nosotros hacemos teatro de texto), pero tocamos muchos palos.

Sin embargo, Alfonso Mendiguchía ‘Mendi’ ya no está con ustedes…
Maribel: En espíritu sí. Y por las noches tomando copas también. Trío de Ases siempre estará ahí dispuesto a hacer actuaciones y otras cosas. Mendi, por fin, se ha dado cuenta de que podíamos hacer cosas solitos y se ha atrevido a coger las maletas e irse a Madrid a hacer castings y triunfar en el mundo de la televisión y esas cosas raras que hacen los actores en la capital. Nosotros nos dimos cuenta enseguida de que su verdadero sitio estaba allí, porque cuando se emborrachaba no hacía más que repetir ‘ya te llamaremos’ y, claro, eso imprime carácter.

‘Sin R de adio’ es, pues, una sorpresa constante
Maribel: Pues sí, para qué os vamos a engañar. Hay radio, hay entrevistas, hay actualidad, hay informativo, hay encuestas callejeras, hay personajes históricos y hasta hay un consultorio estilo Elena Francis. Todo aderezado con buena interpretación y con unos textos magníficos. Lo difícil va a ser aprendérselos, que como a estos autores les gusta poner sinónimos y adjetivos a cualquier cosa, pues luego llegamos el día del estreno y lo llevamos con pinzas.
Carlos: Como casi siempre. No hay que rasgarse las vestiduras por ello.

Suena a inteligente este ‘Sin R de adio’
Maribel: No se lo digan a nadie, pero este título se nos ocurrió a nosotros solitos.

Para más información:
Maribel Iglesias Hernández
T 661 628 394
maribelinateatro@gmail.com

Carlos Vicente Hernández
T 661 264 241
carlosvi70@yahoo.es
http://teatroensalamanca.blogspot.com

jueves, 23 de julio de 2009

Los Hernández de Segundo estrenan 'Sin R de adio'


¿Qué puede salir de la última emisión de un programa de radio que realizan 'Los Hernández de Segundo'? ¿Qué puede ocurrir cuándo se juntan en un escenario Maribel Iglesias y Carlos Vicente? ¿Habrá diversión, habrá ironía, habrá crítica? Pues claro que sí, que somos nosotros.

No obstante, puedes ir a ver nuestro nuevo espectáculo, ‘Sin R de adio’, el lunes 27 de julio, a las 23 h, en el Café Bar Tío Vivo. Y tráete a tu novia, novio, padre, madre o amigo contratado. Nos dan lo mismo tus relaciones sociales, pero tráelos.

Disfrutad.

La fierecilla domada


Dirección: Mariano de Paco
Fecha: 21-06-09
Teatro: Patio del Colegio Fonseca
Aforo: Tres cuartos

El ritmo

Al final esto del teatro va a resultar que es una cuestión de texto y actores que imprimen ritmo a ese texto. Lo que cambia el decir bien las cosas, en el momento justo y con el tono adecuado a decirlas a destiempo y sin saber lo que se está diciendo.

La fierecilla domada, montaje dirigido por Mariano de Paco, está pensado para divertir al público con el ritmo que le imprimen los actores en escena. Todo está dirigido de forma sencilla, podríamos decir que incluso muy clásica, pero haciendo hincapié en el ritmo y la cadencia que los intérpretes le deben poner a cada una de las frases que pergeñó el gran Shakespeare.

Todo es externo, pero funciona porque el objetivo del montaje es divertir. Y lo consigue durante las más de horas en las que nos cuenta la historia del borracho al que hacen creer que es un señor, representando la comedia de la fierecilla domada: teatro dentro del teatro. La modernidad está en los clásicos que decía el otro. Comedia de enredo hecha con sentido del ritmo y con buenos actores, entre los que destacan Mario Martín y José Manuel Seda.

Simplemente, una pequeña duda: el vestuario, que hace que la trama se enrede un poco, sobre todo al final. Es un elemento discordante dentro del conjunto. Confunde y equivoca a un espectador que ya está lo suficientemente enganchado. Y no es que uno se aferre a las épocas y esas zarandajas, que también me gustó la música del saludo, elemento rompedor, no. Pero, si un único personaje de la comedia sele vestido con el atuendo de otra época, pues canta un poco.

Por lo demás, nos lo pasamos bien y se nos hizo corta esta pieza que trata con ligereza un tema machista riéndose de los hombres. Vamos, que los amigos de lo políticamente correcto o las ministras que encuentran en cualquier cosilla un titular de prensa saldrían decepcionados por no poder despotricar contra algo que habla supuestamente a favor de la dominación de la mujer por parte del hombre. Una pena para ellos y una maravilla para nosotros… y para los periodistas.

domingo, 19 de julio de 2009

Intrussión en el Tío Vivo


Intrussión teatro, una de las compañías salmantinas con mayor proyección y mejor trayectoria en el panorama salmantino y castellano leonés, estrena, el lunes, 20 de julio de 2009, a las 23 h, en el café bar Tío Vivo, Intrusionados, un montaje de sketches que incluyen el humor y el excelente uso del lenguaje que caracterizan los textos de Roberto García Encinas.

Podréis ver dos escenas nuevas y algunas no muy conocidas estrenadas en eventos como la Feria del libro antigujo y de ocasión de Salamanca.

No os perdáis a Manoli Vicente, Esther Nácar, Alfonso Mendiguchía y el propio Roberto G. Encinas porque os harán pasar un rato muy divertido.

Disfrutadla.

Verano en la Cueva


Con texto de Luis García Jambrina y dirección de Mariano de Paco, este año se vuelve a promocionar La Cueva de Salamanca mediante teatro y con actores de Salamanca: Alfonso Mendiguchía, Suso Sudón, Germán Mira y Carlos Vicente.

La duplicidad de Salamanca, la existencia de una ciudad interior y otra exterior, la simbología de la cueva como espacio de la heterodoxia y la exclusión, de esa Salamanca que lucha por salir y que ha acabado siendo taponada por la Salamanca culta y oficial se dan cita de la mano de este interesante montaje titulado Viaje al fondo de la cueva, basado en la novela de García Jambrina, El manuscrito de Piedra.

Desde este blog os recomiendo que os paséis todos los viernes y sábados hasta el 12 de septiembre a las 9.30, 10 y 10.30 h. Los pases duran unos dieciocho minutos y el ritmo es muy ágil por lo que la propuesta se te pasa volando.

Id a verlo y no os arrepentiréis.

La propuesta está organizada por turismo de salamanca.

jueves, 25 de junio de 2009

El encuentro de Desacrtes y Pascal joven


Dirección: Josep María Flotats
Fecha: 24-06-09

Teatro: Caja Duero

Aforo: Lleno

Afortunadamente

Tengo un amigo al que le colocaron de segundo nombre Macario y que no está muy contento con lo que le tocó en suerte. Un detalle puede cambiarlo todo. En este caso no, afortunadamente. El nombre de esta nueva propuesta de Flotats, El encuentro de Descartes con Pascal joven, es lo único que le sobra al montaje que este magnífico actor dirige y protagoniza. Hombre, el título es descriptivo, pero también es frío y feo un rato largo.

Todo lo demás es digno de admirar. Una pequeña lección magistral de teatro de texto defendido con maestría desde la dirección, desde la interpretación y desde la sobriedad conceptual. Un espectáculo que puede pasar desapercibido para quienes no gustan de un teatro hecho por y para deleitarse en la palabra bien dicha y mejor interpretada.

Pascal y Descartes se encontraron una sola vez en su vida, en 1647. El primero era joven y estaba obsesionado con la defensa a ultranza de una fe ortodoxa y jansenista. El segundo tenía ya sus años y una experiencia envidiable. Al no haber testimonio de tal encuentro, el autor, Jean-Claude Brisville, nos presenta una crónica ficticia de lo que pudo haber sido tan interesante reunión.

¿Qué iban hicieron estos dos personajes en aquella situación? Pues hablar. Y eso es lo que nos propone la dirección de Flotats, dos personajes hablando de sus diferentes concepciones de Dios y la religión, de la vida. Dos actores sentados frente a frente, con muy pocos, pero acertados movimientos escénicos, con escasos elementos escenográficos y mucho diálogo. ¿Aburrido? En absoluto. Un curso entero de buen teatro, de interpretación ajustada, de entonación y de intención y de texto fino y con el toque justo de finura e ironía.

Una sutil advertencia para todos aquellos que se rodean de grandes efectos y alaracas con el fin de esconder su falta de sapiencia y sensibilidad. Una confirmación de que el texto y dos actores sirven para hacer buen teatro sin aburrir. La prueba viviente de que el teatro está vivo y nos hace vivir. El ejemplo de que un título malo simplemente es un título malo. Afortunadamente.

sábado, 20 de junio de 2009

Show Park


Compañía: Spasmo Teatro
Fecha: 18-06-09
Teatro: Liceo
Aforo: Tres cuartos

En pocas palabras

Dejémonos de gestos inútiles. En pocas palabras: Show Park, de Spasmo Teatro, funciona con el espectador. Y no lo hace por su originalidad porque, en realidad, esos personajes con esos grititos y esas risitas, esos movimientos circulares en grupo, esas bajadas al patio de butacas, ese humor grueso y ese gusto por el travestismo estaban ya en otros espectáculos anteriores –Ojalemos que aplausan y A fiestro y liniestro, los mejores de lejos-. ¿Más de lo mismo?

En parte sí y en parte no. Los chicos de La Vega dan un pequeño paso adelante y son capaces de dotar a la totalidad de hilazón y momentos de mala leche inteligente (la entrega de los Oscar es verdaderamente surrealista) a costa de cierta limpieza técnica. No es que corran ríos de discurso por debajo de las escenas, pero sí tienen coherencia casi todas las secuencias que conforman la hora y veinticinco de espectáculo. Esta vez, parece que las cosas no están puestas ahí porque sí –aunque, por ejemplo, hay cosas que no tienen sentido dentro del conjunto: ¿Qué hace ahí el sketch de los gitanos?-.

No obstante, el hecho de utilizar un armazón compuesto por un parque en una ciudad imaginaria, una acotación temporal de una jornada normal y corriente, cinco personajes principales muy trabajados en su tipología gracias a otros espectáculos y la programación de una emisora de radio, hace que, en esta ocasión, el espectáculo gane y tenga la apariencia de robusto. El diseño de luces y la selección musical ayudan de verdad.

Muy interesantes la escena del demiurgo con sus marionetas bailarinas y los personajes del vendedor de lotería y del mangui, creados con fuerza, convicción y gancho, y algo desaprovechado el mendigo, cuya única misión parece la de sacar el transistor que da voz a la emisora de radio y nos da la información del paso del tiempo y de algunas acciones.
Total, que Isi, Vicente, Jesús, Álvaro y José Gabriel hacen de manera impecable lo que mejor saben hacer: que el espectador olvide dentro y fuera del teatro sus problemas, ni más ni menos. Al menos ese parece el objetivo de este montaje. Seguro que cualquier programador estará encantado de llevar a su teatro una propuesta que hace reír casi de principio a final.

¿Y el público? Muy entregado desde la escena de presentación, muy engrasada y ágil. Por cierto, muy cinematográfica y con toques de cómic. Éxito y abrumadores aplausos. Así es que dejémonos de gestos inútiles. En pocas palabras: Show Park, de Spasmo Teatro, funciona con el espectador. Bueno, y con algo más de hilazón y consistencia. ¿Para qué quieren más?

martes, 16 de junio de 2009

Ahora


Ahora que lo que Zapatero te da por un lado para que te compres un coche, y así estimular la economía, te lo quita con la subida de impuestos en la gasolina, para estimular la caja de la recaudación. Ahora que los bancos no te dan un euro, justo cuando está el dinero barato. Ahora que todo fluye y gira en el sentido en el que ellos quieren que gire. Ahora son necesarios el arte y la cultura para soportarlo todo. Y mucho más el teatro.

Y ahora es necesario decir que el Festival de las Artes de Castilla y León debe celebrarse y hacerlo para siempre en Salamanca. Por mucho que algunos digan que esto no sirve para nada y que afirmen que esto es como el traje nuevo del emperador. Y no es que los demás no seamos críticos, pero lo somos con determinados aspectos de la gestión y preferimos preguntarnos cosas y dudar a criticar sin pasar ni un solo día por el Teatro Liceo o el CAEM.

Ahora, por ejemplo, podemos preguntarnos ¿por qué el Festival tiene tan poca visibilidad nacional e internacional? ¿Por qué se ve a pocos programadores de otros festivales en el patio de butacas? ¿Por qué un belga no estrena su espectáculo aquí y sí lo hace en Avignon? ¿Por qué pagas mucho dinero por traer un excelente trabajo de Jan Fabre y no viene a presentarlo y a dar una charla el propio Jan Fabre? ¿Por qué no te preocupas por traerte a los seis directores más reconocidos del panorama internacional y haces algo con ellos durante tres días? ¿Por qué unos años la programación de teatro de sala es tan buena y regular como la de este año y otras ediciones no se salva ni el veinte por ciento de las producciones, como en 2009? ¿Por qué las entradas vienen numeradas y la gente se sienta donde le da la gana? ¿Por qué este año no ha habido abonos? ¿Por qué la programación se anuncia tan tarde? ¿Por qué se cierra el V Festival con un espectáculo tan pobre como el de Alicia Soto y Post Theater? ¿Por qué hay gente tan idiota que quieren que esto se vaya a otra ciudad? ¿Por qué había espectáculos de calle programados a la intempestiva hora de las tres de la tarde? ¿Por qué Lev, Mortal Engines, Orgy of tolerance eran tan buenas y Yo en el futuro o Super Gravity-Zero Gravity tan olvidables? ¿Por qué cuando baja el presupuesto se empieza a llamar a gente de Salamanca? ¿Por qué se ve tan poco ambiente de Festival en la calle?

La única respuesta que se me ocurre ahora es que por esto es por lo que precisamente me gusta el Festival. Vamos, que me hace sentir más libre, más abierto, con más dudas. ¡Que no todo debe ser dinero bien gestionado para subvencionar libros aburridos y pedantes! El resto pregúntenselo a Guy Martini y a la persona que le contrata. Seguro que ellos tienen una respuesta. Otra cosa es que nos convenzan.

lunes, 15 de junio de 2009

Super gravity-Zero gravity


Compañía: Alicia Soto-Hojarasca/Post Theater
Fecha: 13-06-09
Teatro: Teatro Liceo
Aforo: Lleno

Tropiezo

Los tropezones suelen ser malos para quien los sufre. Te puedes hacer daño, la gente muchas veces se ríe y la seguridad en ti mismo disminuye durante un tiempo. Y si hablamos de danza, mucho más. No sé qué intereses existen para que un espectáculo como este Super Gravity-Zero Gravity cierre una cita de la categoría que debe tener nuestro Festival de las Artes de Castilla y León, pero quien lo ha hecho, quien lo ha programado como colofón y broche final, se ha equivocado. Ha tropezado.

Alicia Soto-Hojarasca y Post Theater nos presentan un espectáculo feo, un híbrido carente de peso y emoción para llegar al espectador. ¿Por qué? Pues porque en este espectáculo no hay danza, no hay concepto y no hay algo con sustrato e interés que llegue al espectador. O, por lo menos, no parece que haya nada, puesto que nada mana del escenario y llega al patio de butacas. Carece de la gravedad suficiente –entiéndase que hablo de grandeza-.

Con momentos repetitivos, aburridos e incluso algo desbaratados, como la escena en la que uno de los actores habla con varias de sus personalidades, este montaje se aleja del espectador a medida que avanza y transita por la senda del devenir inconstante, del quiero y no puedo.

Y parto del hecho de que el aspecto investigador que contiene el espectáculo, esa unión entre danza y vídeo, es lo único que se puede salvar, aunque se queda demasiado corto como para realizar una propuesta sincera y con entidad para llenar una hora. Y eso es lo que parece que ocurre, que nos presentan un conjunto de retazos inconexos y unidos por algunos movimientos rígidos y encorsetados que producen lo contrario de lo que la danza contemporánea debe transmitir: sentimientos.

No transmite fuerza, sensibilidad, ideas…. Vacuidad y rigidez es lo que domina en una propuesta que, repito, deja un mal sabor de boca para un Festival cuya media de espectáculos de sala este año ha sido muy positiva. Quedémonos con ellos y olvidemos estos tropiezos.

viernes, 12 de junio de 2009

Mortal engine


Compañía: Chunky Move
Fecha: 11-06-09
Teatro: CAEM
Aforo: Medio aforo

Y viceversa

Aparece en la prensa la noticia de que, dentro del marco de la feria de arte contemporáneo Art Basel, se ha hecho un experimento titulado El tiempo del cartero en el que varios artistas presentan sus obras en la caja de un teatro, con el espectador en el patio de butacas. El objetivo es que el artista domine y controle el tiempo que el espectador visualiza su propuesta (parece ser que el tiempo medio que gastamos para ver una obra de arte es de tres segundos y medio).

Con un aparataje estético brutal, que envuelve al espectador gracias a los efectos especiales e informáticos, una banda sonora recauchutante y potente y unos bailarines cuyos movimientos son preciosos, los australianos Chunky Move construyen un conjunto de pequeñas piezas de arte que presentan al público en un escenario para epatarlo y, paradójicamente, para que tengan tiempo de degustarlo y reflexionar. Es Mortal Engine.

Cada una de esas pequeñas piezas influidas por la tecnología podría estar perfectamente en nuestro DA2 y no desentonaría para nada. Potencia visual y sonora que dejan poco espacio a la crítica. No obstante, juntas pueden parecer, en algún caso, repetitivas. Visto el efecto, visto el espectáculo, podrían decir algunos.

De todas formas, su mensaje nos habla contundentemente de energías buenas y malas. De eso de lo que no puede separarse el ser humano por mucho que lo desee: de sí mismo. Intensa reflexión digital que se diluye a ratos entre tanto efecto visual. Contrasentido del paraíso de la tecnología en el que se convierte muchas veces nuestra vida.

Me gustó por su intensidad, su capacidad de impactar y por el trabajo técnico y plástico de los bailarines –su trabajo es el que más me ha emocionado este año en el V Festival de las Artes, si hablamos de danza-. No me gustaron los momentos (escasos) en los que la técnica seca el río sensual y poético que fluye por debajo de un espectáculo grande que merece la pena ver y sentir -aprovechen porque la tecnología evoluciona velozmente y, dentro de poco, este tipo de ingenios se podrán ver en cualquier espectáculo tipo Circo del sol y ya no les impactará tanto-. Pero, es lo que tiene esta propuesta: sin la técnica, la pasión no se haría presente. Y viceversa, no se olviden, por favor.

jueves, 11 de junio de 2009

El triciclo


Compañía: Fabularia
Fecha: 10-06-09
Teatro: Caja Duero
Aforo: Lleno

El dichoso ritmo

¿Quién no ha querido volver a ser niño alguna vez, recuperar esos comportamientos alejados del retorcido colmillo de la responsabilidad que crece con el paso del tiempo? La frescura, la vitalidad, los sueños, las expectativas, la ingenuidad…

El triciclo, de Fernando Arrabal, habla de adultos que son niños ingenuos. Ese es el quiz de la cuestión: la ingenuidad, la utopía. Por eso creo que trasladar la acción de este texto al ámbito de la calle, del hip-hop y los grafittis es una muy buena idea de Fabularia. Escuchemos las letras de los cantantes de este tipo de música y observaremos que, aparte de su muy interesante lirismo mezclado con cierta agresividad dialéctica, hay mucha utopía ingenua y necesaria en ellas. Es más, sus letras, reivindicativas, con alto contenido de protesta social y de denuncia y crítica contra el estado o el control policial, le van que ni pintadas a un texto en el que la policía les quiere hacer mucho daño a los protagonistas. Les va porque son de los últimos utópicos.

Otra cosa es que, al introducir al grafitero en mitad de las escenas y cortar los diálogos y las acciones para pintar el nombre de algún personaje o alguna frase importante (hay cierto aspecto cinematográfico en esto), se lastre totalmente el ritmo del montaje, que hace aguas de manera estrepitosa en ese aspecto.

Y mira que la labor de Lourdes Martínez como Mita es intensa, que la propuesta tecnológica con cámaras en directo es interesante, que Korazón Crudo tiene garra rapeando, que la sustitución del personaje del policía es inteligente y que la escenografía es interesante, aunque un poco desaprovechada con esos andamios móviles y los acuarios con peces y las pantallas y las proyecciones…

Pero el dichoso ritmo, ¡ay el dichoso ritmo! Torna en fallida una propuesta que, afortunadamente, acaba mejor de lo que empieza. Curioso, justo en el momento en el que el grafitero pinta mientras hay acción, mientras no interrumpe lo verdaderamente importante, cuando deja de ser el foco de atención y permite que el texto y la acción fluyan como el autor pretendía. Una pena.

miércoles, 10 de junio de 2009

(Purgatorio) POPOPERA


Compañía: Emio Greco/PC
Fecha: 09-06-09
Teatro: Liceo
Aforo: Lleno

Intuiciones

¿Se han levantado ustedes con la sensación de que va a ocurrir algo? ¿Tienen de vez en cuando la intuición de que su equipo va a ganar ese fin de semana o de que les va a tocar la primitiva? Hay gente que vive de esas intuiciones y le va muy bien. O si no, fíjense en… O no, mejor en… Bueno, qué más da.

Claro, que si yo me tuviera que ganar la vida confiando en las mías, ahora mismo estaría viviendo debajo de algún puente, porque antes de entrar en el Liceo para ver este (Purgatorio) POPOPERA, intuí que la cosa podía estar bien y que íbamos a ver algo que nos podía marcar emocionalmente. Y así se lo dije a mi acompañante. Fallé estrepitosamente. Salí frío, muy frío del teatro.

Ni la cantante, con su bella e hipnotizante voz, ni la destreza técnica y física de los bailarines, en algún momento desacompasados y excesivamente gimnásticos (a algunos se les podría poner nota de Olimpiadas tipo 8’327), ni el diálogo que se establece entre el bien y el mal, diluido entre demasiados focos de acción, ni la supuesta fusión entre música y danza ni la acertada iluminación fueron capaces de engancharme a un espectáculo en el que se fusionan, de forma inteligente, los fundamentos clásicos con los contemporáneos, rasgo muy destacable éste, pero insuficiente para conectarme a una propuesta que al final me aburrió.

Y es que eso es lo que tienen algunos montajes, que todo está bien pero es muy frío y se aleja de ti sin querer. Se te escapa de los dedos y toma la senda del olvido y no hay nada que hacer por mucho que lo intentes. Y miren que yo lo hice: dejarme llevar, centrarme en la danza, focalizar en la música, analizar el vestuario o la iluminación, buscar un sentido… La conclusión seguía siendo la misma.

Así es que si ustedes se fían de las intuiciones, por lo menos no lo hagan con las mías. Eso sí, pueden hacerme caso si les digo que, a pesar de mi falta de olfato en algunas ocasiones, el V Festival de las Artes va muy bien en lo que respecta al teatro de sala. Y yo, a riesgo de fallar (cruzo los dedos) que vaya a mejor. Por el bien de todos y de la Salamanca moderna y universal que la gente de bien desea.

martes, 9 de junio de 2009

Lev


Compañía: Muta Imago
Fecha: 08-06-09
Teatro: Caja Duero

Aforo: Dos tercios


Todo fue bien

Ayer todo fue bien en el apartado de teatro de sala del V Festival de las Artes de Castilla y León. Fuimos al Teatro de Caja Duero, nos cortaron la entrada, abrieron a la hora y el espectáculo fue de los que emocionan y hacen afición.

Lev, que así se llama este montaje de la compañía italiana Muta Imago, es una composición de verdadero teatro de emoción, un poema de imágenes con profundos retazos de emotividad, sensibilidad y juegos estéticos que arrancan del espectador los fulgores cálidos y acompasados que el corazón necesita para funcionar en plenitud. Alimento espiritual reconfortante y bello. Lirismo no exento de fuerza y de vida interior. Potencia visual acompañada de víscera cocinada a fuego lento.

Me gustaría pensar que si alguna vez me pegan un tiro en la cabeza todo va a ser como lo representan estos italianos, que, con mesura y con unos efectos especiales salidos de la reflexión y de la emoción a partes iguales, son capaces de representar algo angustiante de una manera mesurada y hermosa: reconstruyen los recuerdos de Lev, el protagonista, con una sensibilidad al alcance de unos pocos elegidos. Se quedan con lo esencial, extraen la esencia de lo que quieren contar y lo plasman con sencillez y habilidad imaginativa.

Es más, el trabajo del actor protagonista y su despliegue físico está a la altura de todo el espectáculo, la iluminación, en la que se sustenta gran parte de su completo resultado final, es excelente y la música está elegida con acierto desde la primera hasta la última nota.

Y al final, el espectador agradece ese río de lava cálida y contundente que le ha bañado y recubierto desde el primer minuto hasta el último. Un acierto que hay que agradecer a una compañía cuyo teatro, si sigue explorando por este camino, abre una senda interesante que atrapará a muchos espectadores deseosos de sentir la suave caricia de la melancolía aterciopelada y para nada afectada de un buen montaje.

lunes, 8 de junio de 2009

An anthology of optimism


Compañía: Campo
Fecha: 07-06-09
Teatro: Teatro Liceo
Aforo: Dos cuartos

Seamos optimistas

Seamos optimistas y pensemos que esta antología del optimismo de Campo es un show. Seamos optimistas y pasemos por alto si el lugar en el que se ofreció es el más adecuado. Seamos optimistas y demos un voto de confianza a un espectáculo bienintencionado, no aburrido y naif, muy naif. Bueno, y algo friki también, ¿para qué vamos a mentir?

Al loro. Dos directores de escena que se enfrentan dialécticamente de una forma muy ingenua para determinar si todavía existe optimismo en el mundo. Pero, no un optimismo cualquiera. Un optimismo crítico. Esa fase en la que uno tiende a ver el vaso medio lleno, pero de una forma razonada, observando los pros y los contras y decidiendo en consecuencia.

Y lo hacen con pocos medios –¡Todavía quedan proyectores de transparencias!-, con grandes dosis de humor sencillo y con gran optimismo, porque plantarse encima de un escenario con algo más que un discurso pseudopolíticosociológico y carteles de colorines escritos a mano y soltar una hora y veinte de argumentaciones, en algunos casos, extremadamente infantiles es ser optimista… y un poco friki en los tiempos que corren.

Y ahí es donde está el asunto. Que podrían haberlo hecho de cualquier otra manera. Con medios digitales avanzados, con actores de alto nivel en el escenario, con un grupo de música en directo, con el público enviando SMS para opinar, etc. Pero no, lo hacen a pelo y con una sonrisa en la boca. Como otro de sus chistes evidentes pero con sentido. Vamos que nos están diciendo: ‘El optimismo es lo de menos, es el envoltorio. Lo importante es pensar, es reflexionar’.

En definitiva, un montaje inclasificable, sincero, alejado del paroxismo y con dosis de humor universal por lo evidente, con dos actores cuyos personajes rayan la naturalidad autoimpuesta y con mensaje que no debemos olvidar. Seamos críticos y dejémonos de chorradas, que se puede hacer de muchas maneras. Unos lo hacen masturbándose en escena y otros con unas simples transparencias que parecen sacadas de las antiguas clases de ciencias. El resultado puede que sea el mismo si somos optimistas.

viernes, 5 de junio de 2009

Yo en el futuro


Compañía: Federico León
Fecha: 04-06-09
Teatro: Teatro de Caja Duero
Aforo: Dos tercios

No entiendo

Yo pensaba que cuando uno va al teatro con una entrada, una señorita con una sonrisa más o menos forzada en la boca te la recoge y la corta, la perfora o lo que sea. Pues no. Ahora, por lo visto, en las actuaciones del V Festival de las Artes que se realizan en Caja Duero, la moda es no hacerlo. Será que eso forma también parte de las performances a las que asistimos y los que han pagado la entrada se queden con un palmo de narices por eso, por haber pagado. Eso por no hablar de que la de ayer empezó con veinte minutos de retraso.

Y digo performance por no decir ejercicio alargado, aburrido e intelectualmente afectado y supuestamente reflexivo sobre algo que parece el paso del tiempo -quizás, por eso se repite tanto-. Ni empieza ni acaba ni tiene una clara justificación, ¿por qué?

Y no digo que los actores fueran malos, que el juego de espejos espaciotemporales, dobles bucles y tirabuzones cinematográficos estuviera mal hecho o que la música estuviera mal elegida –el momento del niño a lo Win Mertens es, cuando menos, surrealista y está bien conseguido-. La factura es digna, hay cierto aire de inquietud en el ambiente y no se le puede reprochar nada estéticamente.

Lo que digo es que no entiendo cuál es el leitmotiv ni por qué el director hace lo que hace y se empeña en que nosotros lo veamos. No entiendo por qué cuarenta minutos, porque una vez vistos los cinco primeros visto todo lo demás. No entiendo por qué tanto silencio afectado y rodeado de tanta cursilería intelectual y falsamente freudiana. Por no entender (permitan el chiste), no entiendo que un actor argentino se suba a un escenario y sea capaz de callarse. No entiendo.

Eso sí, con estas cosas he descubierto que esto del teatro es como el fútbol: la ilusión es lo que importa. No pasa nada porque tu equipo haya perdido por tres goles en casa. Al día siguiente se olvida todo y ya estás pensando en que al partido siguiente todo cambiará y el club de tus amores ganará y fichará al mejor jugador del mundo, y te cortarán la entrada en Caja Duero y verás un espectáculo maravilloso y el Festival de las Artes de Castilla y León se afianzará y tendrá una estrategia acertada… y los agoreros nos dejarán en paz.

jueves, 4 de junio de 2009

Empire (arts & politics)


Compañía: Superamas
Fecha: 03-06-09

Teatro: CAEM
Aforo: Un tercio


Blandiblú

‘No te enganchas cuando no hay nada para engancharte’. Esta frase de Roberto García Encinas al salir de este Empire (Arts & Politics) es un perfecto resumen de lo que me ocurrió viéndola. Y no se crean, que a él le gustó por el tema de la dirección. A mí no. Y eso que empezó muy bien, con unas fotos fijas preciosistas, muy marcadas, con aire cinematográfico, con el escenario muy acotado por arriba y por abajo, con unas transiciones finas y engrasadas y con una dirección muy acentuada y ajustada a lo que allí se pretendía. Incluso la transición de la supuesta ficción a la realidad con una cámara que lo graba e ilumina todo para mostrarnos los pequeños detalles es interesante. Igual que la discusión que plantea sobre la realidad y la ficción suponen para unos y otros.

A partir de ahí, se acabó lo que se daba. Todo lo que les cuente será tan insustancial como lo que allí nos relataron, porque el montaje no transmite nada debido a la frialdad que lo lastra, quizás por una dirección de actores equivocada. Si lo que pretende es tener una conexión emocional con el público, hace todo lo contrario. Y lo que ellos definen en el programa como ‘una mezcla de aparente ligereza y profunda complejidad’ se convierte en Blandiblú, languidez supina y poco atractiva.

Y no estoy hablando del teatro Brechtiano, que buscaba el alejamiento y al público intelectual, el teatro comprometido pero difícil, muy apegado a la época que le tocó vivir y con deseos de transformar el mundo. En el caso de Superamas, su lánguida y blanda propuesta está fuera de contexto y alejada de lo que ahora ocurre en el mundo, al que por tanto, no creo que sea arriesgado decirlo, no transformará. Se puede despreciar la implicación del espectador, pero a la hora de hacerlo hay que llevarlo a cabo con garra, con fuerza y de eso había poco encima del escenario.

Y todo esto para decir que me aburrió y que, a pesar de una factura digna, al final sales con la sensación de que no te han contado nada y de que te has aburrido para nada. Como con el Blandiblú. ¿Se acuerdan?

miércoles, 3 de junio de 2009

Orgy of tolerance


Compañía: Troubleyn/Jan Fabre
Fecha: 02-06-09
Teatro: Liceo
Aforo: Tres cuartos

'Jódete'

Cuando escribes en un periódico la gente te propone ideas y tú, a veces las tomas y otras las dejas. Mi amigo Alberto me dice en un correo electrónico que ‘ya no te puedes librar de ponerle ‘Jódete’ como título al artículo sobre Orgy of tolerance, si el periódico te deja’. Imagino que lo primero que han leído es el título, ¿no?

Me alegro de que los poetastros amigos de sus atalayas subencionadas no vengan al Festival y luego lo critiquen sin razón y para justificarse. Se pierden lo que no merecen –el título de del artículo les viene bien-, como este montaje de Troubelyn y Jan Fabre, del que si de algo estamos seguros los que tuvimos la suerte de verlo es de que está totalmente alejado de la sutileza y de que técnica y estéticamente es perfecto, paradójicamente hablando. Puesto que el mensaje que te escupe es tremendo, pero la estética y la producción son delicadas y perfectas como un Armani. Y lo mejor es que de eso te das cuenta cuando sales, cuando reflexionas.


No es teatro al uso, no tiene un discurso continuado, no utiliza el subtexto y no se preocupa por el qué dirán. A mí me gustó, a pesar de que es excesivamente repetitivo. Pero está tan bien hecho que su vigorosidad y elegancia (a pesar de su violencia visual) son abrumadoras. Un puñetazo en la mesa de alguien que, a pesar de lo que cuenta, demuestra sensibilidad (otra paradoja). ¿Tan ciegos estamos que tiene que venir alguien a gritarnos violentamente a violentarnos en nuestra propia casa para que lo veamos? Pues parece que sí, que necesitamos una metáfora exagerada y necesaria que parece decirnos: ‘Si yo puedo plantaros en la cara masturbaciones, hedonismo y fusiles en el ‘orto’, chistes gruesos, ¿por qué no vosotros?’.

Además, que la total falta de delicadeza a la hora de criticar, ya no el sistema, si no a los que contemplamos el sistema, los que lo odian, los que lo aplauden, los que les da lo mismo, todos, se agradece en tiempos de tanta corrección política. Alguien tenía que hacerlo y ese ha sido Jan Fabre, que nos lanza un ‘jódete’ elevado al cubo: desgraciadamente no podemos huir de lo que nosotros hemos ayudado a crear. Ni tan siquiera él mismo, que da a conocer su obra, toda su obra, en los circuitos más selectos, tolerantes y caros. Una paradoja del sistema, ¿qué le vamos a hacer? Habrá que joderse y aguantarse, incluido el propio Jan Fabre. Ese es el chiste.



lunes, 1 de junio de 2009

Continuous city


Compañía: The builders Association
Fecha: 29-05-09
Teatro: Liceo
Aforo: Un cuarto

Fondo y forma

Dos de las pesadillas recurrentes en un actor es soñar que sale al escenario y: no se sabe el texto o no hay nadie en el patio de butacas. El primero denota cierta inseguridad. El segundo… Se supone que el teatro en compañía se disfruta mucho más. La gente, aunque no hable, acompaña en un patio de butacas. Al espectador y al actor, para qué nos vamos a engañar. Fundamentalmente al actor. Bueno, y a la consejera de cultura, que para eso ha venido, digo yo. Que, ¿qué va a pensar esa señora tan seria y elegante, que se pega una paliza de viaje para venir hasta Salamanca?

Con un Teatro Liceo que daba miedo de lo vacío que estaba (¿sin no vais a ir para qué os invitan?), regresaba a Salamanca The builders association. Y lo ha hecho con un espectáculo formal y tecnológicamente espectacular y, además, con fondo. Quizás un poco repetitivo y falto de ritmo en parte de su desarrollo, pero tremendamente efectivo en sus pretensiones y objetivos, y muy inteligente, elegante y comedido en la utilización de los medios con los que cuenta.


Desazonador por su mensaje final, Continuous city utiliza el tema de las tan nombradas y estudiadas redes sociales en Internet para enfrentarnos a nuestros más íntimos deseos de huir de la realidad y la responsabilidad. Un antropólogo urbano (la metáfora de todos nosotros) que lleva dos años perdido en continua huida y construye su propio laberinto voluntario, una hija que quiere a su padre a través del ordenador, una niñera que se desahoga haciendo un blog, un alucinado tecnólogo que es un alucinado especulador y un público que ve el lado amargo de las TIC.

Escenas duras y oscuras, como la iluminación –reflejo de la parte tenebrosa de Interne-: la niña se comunica con su niñera a través de mensajes al ordenador estando en la misma habitación; la niña prefiere al padre del ordenador en vez del padre real, de carne y hueso; el espectáculo debe continuar, y quien duda no tiene cabida en un mundo frío y especulativo.


¿Mensaje negativo sobre las tecnologías avanzadas? Pues sí, pero en realidad lo que hay en la red es un reflejo de cómo queremos nosotros que sean las cosas, ¿no? Todo tiene su parte buena o mala. De hecho, gracias a ellas pudimos ver un espectáculo redondo, bien trazado, con cargas de profundidad y que hace reflexionar. Bien elegido para comenzar este V Festival desangelado en cuestión de público. ¿Habrán ganado la partida los envidiosos de la subvención ajena, los falsos poetas de la verdad? Deseo fervientemente que no.



lunes, 25 de mayo de 2009

El hombre de la tierra


Compañía: Grupo Kiasmo
Fecha: 21-05-09
Teatro: Biblioteca Torrente Ballester
Aforo: Tres cuartos

Una buena defensa

Tenía un amigo yo de pequeño que era más bajito que yo. Y en clase, en las escuelas, en Peñaranda, la gente se metía con él por su aspecto de tirillas. Estaban equivocados. Se defendía mejor que cualquiera de nosotros –la verdad es que yo tampoco era, ni soy, un dechado de musculatura- y cualquiera que se le acercara con malas intenciones salía trasquilado.

Viendo El hombre de la Tierra, de Kiasmo, he recordado varias cosas. La primera es que, muchas veces, una buena defensa es lo más importante. Y es que este grupo joven y con futuro sabe lo que hace y defiende con recursos y oficio una historia de texto algo plana, quizás demasiado eruditamente discursiva en algunas partes y con un final bastante pastiche que, no obstante, tiene unos diálogos interesantes, críticos con las bases de la religión cristiana –afortunadamente- y bienintencionados en los aspectos que tienen que ver con el medio ambiente y el humanismo de verdad. La prueba está en que deciden bajarla del escenario y montarla en el suelo del patio de butacas, rodeados de público, acercarse a él sin de forma sincera. Metáfora de lo que ahí están contando.

La segunda es que, no voy a ocultarlo, admiro a la gente con la que trabajo. Mendi, Roberto, Manoli, Miguel… Y Maribel Iglesias no iba a ser una excepción. Haga lo que haga está sólidamente plantada en el escenario y aquí saca petróleo de un personaje pequeño, pero muy grande en su composición. También es verdad que el montaje está interpretado a un gran nivel en general.

Y la tercera es que la desconsideración y la mala educación no entienden de edades. Lo digo porque esas señoras y señores mayores que van al teatro a hablar y comentar las jugadas en voz alta para molestar al espectador y al actor son unos maleducados que no merecen mi respeto y espero que tampoco de los que les acompañan. - Señora, el hecho de que el espectáculo sea gratuito no significa que usted puede hablar gratuitamente. Significa que hay que valorarlo como si pagara quince euros por él. Aunque ahora que lo pienso, si costara aunque sólo fuera uno, seguramente usted no iría. Y otro gallo cantaría, es verdad.

miércoles, 20 de mayo de 2009

Por el Teatro Bretón

Ya sé que tod@s recibimos a menudo mensajes como este y pasamos de firmar lo que nos piden, pero esta vez ¡FIRMAD, POR FAVOR! Que nos van a tirar el Teatro Bretón y estamos haciendo un proyecto para que, en vez de apartamentos, hagan un centro de creación escénica.

Marieta

Con tu firma, manifiesta tu oposición al derribo del Teatro Bretón de Salamanca e insta a las administraciones públicas, y otras instituciones culturales, a: aumentar la protección legal del patrimonio teatral, adquirir el edificio, rehabilitarlo y constituir un Centro de Creación.
http://www.teatrobreton.info/index.php?firmas

lunes, 11 de mayo de 2009

Días mejores


Compañía: Teatro de la Abadía
Fecha: 09-05-09
Teatro: Liceo
Aforo: Un tercio

Deliciosamente histriónica

Nadie sabe cómo, pero todo el mundo llega al final de sus días sobreviviendo. Esto, que puede parecer una perogrullada, se convierte en los tiempos que vivimos en una magnífica excusa para reivindicar la libertad personal, la locura controlada y el derecho a equivocarnos como mejor nos venga. ¡No van a ser sólo los bancos y los políticos los únicos que pueden hacerlo!

Y es que quizás me equivoque, pero a mí me gustó este Días mejores por su histrionismo controlado y porque es un canto al absurdo divertido y surrealista, al lenguaje de series de animación como Padre de familia, a las escenas made in Calixto Bieito, a lo políticamente marginado y a la positividad enrabietada. Lo que me atrae es la idea de juntar a unos personajes normales y corrientes en una situación loca y ridícula y plantárnoslos en nuestra jeta para que nos sintamos ¿locos, ridículos y positivos o cuerdos y pagados de nosotros mismos? Si es usted un superviviente que ha tenido que hacer cualquier cosa para sacar adelante a su familia o pagar la jodida hipoteca sabrá elegir en qué bando está.

Ya, ya sé que manejar todos estos elementos es complicado y no todo iba a ser perfecto. No es un montaje de diez, pero es un espectáculo honesto y real para gente honesta y real… aunque parezca lo contrario.

Bien es cierto que tanto absurdo y tanta conversación sobre el negocio de la quema de edificios y coches para cobrar el seguro es excesiva y lastra el ritmo del montaje –sobra alguna escena o falta más hilazón entre algunas- y que, algunas veces, los actores –magníficos y deliciosamente histriónicos Tomás Pozzi y Ernesto Arias-, pecan de una dicción deficiente, quizás por algunos diálogos vertiginosos que se les imponen.

Lo dicho. Probablemente no sea un montaje espectacular y querido por el público, pero a mí me pareció tan deliciosamente loco e histriónico que, simplemente, por escenas como la del horno, la arena, los perros, la comunión de la Iglesia de la Divina Garantía o la surrealista orgía merece la pena tenerla en cuenta. Y recuerde que puede ser usted el que mañana haga cualquier cosa para sobrevivir. Cualquier cosa. Incluso teatro.


viernes, 8 de mayo de 2009

Tocata y fuga en fu renol


Compañía: Zanguango Teatro
Fecha: 07-05-09
Teatro: CAEM Sala B
Aforo: Dos tercios

Ositos de peluche

Mi psicoanalista dice que los sueños son muy importantes. Me insiste: ‘¿Y dices que tu madre llevaba barba y fumaba en pipa? ¿Cómo es que aquel toro te hablaba con la voz de tu novia?’ No sé. El caso es que yo hoy he soñado con la cárcel… y me sentía bien. No, no se preocupen que no me ha dado por soñar con jabones que se caen por el suelo en las duchas o con carceleros turcos que hacen dar miles y miles de vueltas a un patio circular.

Lo que pasa es que acababa de ver Tocata y fuga en fu renol, de Zanguango Teatro, montaje teatral-musical sencillo, fresco, divertido, con su puntito de mala leche y con unos personajes que se hacen querer tiernamente. Por poner alguna pega, creo que el monólogo justificativo en el que se habla de los presos como personas que sufren, sienten y padecen sobra por evidente. Pero, sólo por poner una pega.

Y es que esta disparatada historia del correccional de San Dimas, que intenta corregir a tres presos a base de enseñarlos a cantar, es un ejemplo de espectáculo desenfadado y con enjundia.

Eso sí, lo mejor, desde mi punto de vista, son los personajes, que tienen mucha chicha y dan juego al espectador para que inmediatamente les coja cariño y los adopte como si fueran ositos de peluche. Esa es la gracia de este espectáculo y, por eso mismo, sobra el discurso pseudosocial del tramo final. Todos hemos captado el mensaje y lo hemos aceptado al conocer las tragicómicas historias de unos seres que te enganchan sin remedio.

Destaca también los juegos con el lenguaje del texto del carcelero. Muy típicos, pero muy buenos. ¿Quién dijo que no se podía triunfar con lo clásico? Eso es lo difícil. Ese es el reto.

Vayan a verla -incluido mi psicoanlista- si tienen oportunidad y seguro que se olvidan por un rato de todos sus problemas. Tanto, que estarán deseando ir directos a la cárcel. Bueno, siempre que sea la de San Dimas y que tenga unos presos tan maravillosos y dignos como los de Zanguango.

miércoles, 29 de abril de 2009

Las noticias del Gran Cafe-Teatro de la Vega que no pudieron ser

Debido a que el único e inigualable Gran Café Teatro de la Vega ya no podrá ser por la inaudita, insólita, chapucera, arrabalera, bárbara, criminal, demencial, navajera y estúpida decisión de alguien que cree que sabe programar y pretende ser fiel a su amo (lo peor de Lanzarote no es él, son los que le rodean), he decidio colgar algunas de las noticias que podrían haber sido si el Gran Café Teatro de la Vega estuviera donde tiene que estar y con quien tiene que estar. Ya sabéis, las que se hacían en la sección que tanto éxito tenía.

Falta lo más importante, el saber estar de Maribelina con sus gestos medidos, finos e inteligentes (desde aquí mi homenaje a ella), pero ahí van:

Muy buenas noches y bienvenidos a una nueva edición de las Noticias que no pudieron ser en el Gran Café Teatro de la Vega (el único e inigualable).

Nacional

¡Increíble! Mariano Rajoy contrata a Carlos Sainz como chófer personal. Lo curioso es que los rumores apuntan a que viene recomendado por Esperanza Aguirre y uno de sus asesores, que no ha querido hacer declaraciones porque estaba espiando a Alberto Ruiz Gallardón.

Internacional

Barak Obama contrata a Michael Jackson como nuevo asesor de imagen y nombra a Ramón Calderón nuevo presidente del tribunal supremo.

Local

Julián Lanzarote decide retirar el medallón de Franco de la Plaza Mayor… y sustituirlo por uno suyo. ‘Total, nadie se va a dar ni cuenta’, ha declarado el portavoz popular, Fernando Rodríguez.

Juan Mari Montes graba, por fin, otro disco. ‘Sí, será en la primavera de dos mil veintidós o en el verano de dos mil veintitrés, porque con lo que saco de la SGAE no tengo suficiente. Además, que estoy esperando a la subvención que me van a dar en el Ayuntamiento cuando Fernando Pablos gane las elecciones’, ha indicado el ya no tan joven cantautor entre las risas de sus más directos colaboradores.

Breves
Se cargan el Gran Café Teatro de la Vega, programan un seudo espectáculo en el CAEM y pretenden ser graciosos ¡y críticos!

Hasta aquí las noticias que no pudieron ser en el Gran Café Teatro de la Vega, tendrán más en próximas entregas. Por cierto, que podéis enviar las que queráis.

lunes, 27 de abril de 2009

A+, cosas que nunca te conté


Compañía: Senza Tempo
Fecha: 25-04-09
Teatro: Liceo
Aforo: Un tercio



Las alas


Vuelve el Festival Internacional de las Artes a promocionarse con un espectáculo de adelanto, de regalo. Una buena experiencia de marketing de futuro. Y a mí me sigue pareciendo inteligente idea.

Igual que este A+, cosas que nunca te conté, de la compañía Senza Tempo. Una propuesta interesante en cuanto a lo emocional y poco explicable en lo racional. Pero, ¿qué quieren que les diga? A veces, hay que olvidarse de la parte cerebral y dejarse llevar por aquello que te toca la fibra.

Y eso lo consigue muy bien un montaje que utiliza la música como elemento principal para que te llegue lo que no somos capaces de describir al corazón. La selección de la banda sonora es tremendamente acertada. Además, unida a unas proyecciones cuidadas y unas coreografías sencillas nos proporciona momentos poéticos y líricos verdaderamente intensos y satisfactorios. De la parte circense poco había y me hubiera gustado que ese elemento hubiera estado más presente a lo largo de la hora que dura la propuesta.

Por eso me interesó este montaje. Por eso y por la historia del ángel y sus alas. Porque, aunque el mensaje pueda ser amable e irreal, tiene un punto amargo y pegado a la vida. El ángel, en la última parte, se quita lo que le define como diferente y si hasta ese momento no se ha implicado en la acción, justo cuando se desprende de ese elemento ‘divino’ se mete hasta las cejas en la acción y vive, sufre, llora, se emborracha y no sólo de alcohol, también de vida, con todo lo que eso implica.

Dejemos de ser divinos e impliquémonos más en lo que es la vida. Tengamos las fuerzas para hacerlo y disfrutar del camino que nos queda por recorrer, incluso aunque no lo entendamos. Atrevámonos a vivir mirándonos y sintiendo que somos auténticos, incluso con nuestras contradicciones, aunque no lo entendamos. Seamos capaces de contar cosas que nunca dijimos a los demás o a nosotros mismos. Dejémonos llevar por el teatro, aunque sea extraño e indescifrable. Y no tenga alas.

Otro buen tema para leer esta entrada escuchando la mejor música.

martes, 21 de abril de 2009

Consideración


CONSIDERACIÓN: Acción y efecto de considerar.
CONSIDERAR: Pensar, meditar, reflexionar una cosa con atención y cuidado.

El Gran Café-teatro de la Vega en la Sala B del CAEM (?)

Hace años, en las noticias del Gran Café-Teatro, decíamos:
“El alcalde ha decidido por unanimidad suya cambiar la patrona de la ciudad por San Cristóbal; y, además, lo vamos a celebrar en Sevilla que hace mucho mejor tiempo; y añadió: este año, por mis santos cojones, no se suspende ninguna corrida”.

Y nos reíamos mucho porque, gracias a Dios, siempre nos hemos reído mucho…

Nunca imaginé que alguien, y menos uno de los que entonces se reía bastante con aquello —el presentador del Gran Café Teatro—, adoptara una postura parecida a la que entonces tomaba en la ficción el Alcalde: “Lo mismo da hacer el Café-Teatro de la Vega en la Vega que en el CAEM” (?); “Si el espectáculo dependiera del lugar, mal vamos” (?)

¿Ustedes piensan que el Camino de Santiago podría hacerse a Triana y que tuviera además el mismo espíritu? No, ¿verdad? Pues lo mismo.

Se anuncia la continuidad del Café-Teatro en otro sitio y con otros artistas, pero con el mismo espíritu (?); bueno… ¡en fin!

Bien es verdad que “el que no sabe es como el que no ve” y que “lo más atrevido que hay es la ignorancia”. Pero también es verdad que la ignorancia no te exime de la culpa.

Evidentemente, cuando se prepara una obra de teatro, se hace para un escenario de unas dimensiones determinadas, y luego, cuando se representa en un teatro o en otro lo que se hace es adaptar la escenografía y las luces para que el sitio sea lo más fiel al escenario ideado por el escenógrafo o por el director. Y esto siempre que uno conciba un espectáculo para “girar”; y no estoy diciendo que de vueltas sobre sí mismo, sino que vaya de un lado a otro, de una ciudad a otro (lo explico “pa” por si acaso…).

El Gran Café-Teatro de la Vega no era un espectáculo más.
El Gran Café-Teatro de la Vega no era un espectáculo al uso.
El Gran Café-Teatro de la Vega no era una obra de teatro.

Era, fue y será por siempre una obra de arte en sí misma imposible de representar en otro sitio que no sea el Teatro de la Vega (y no es de nostalgia de lo que hablo, sino que hablo de la experiencia de haberlo hecho en algunos pueblos en verano y saber que, aunque no estaba mal —sobre todo porque estábamos el equipo base de los últimos años del Gran Café-Teatro de la Vega—, no tenía nada que ver con lo que sucedía en el Teatro de la Vega cuando se representaba una nueva edición del Gran Café-Teatro) y para ello la única posibilidad real es el rehabilitación del Teatro de la Vega (algo que, por otra parte, es absolutamente posible y barato y que si no se hace, será por algún oscuro interés político) y comprender lo que significan las palabras respeto y dignidad.

El Gran Café-Teatro de la Vega nació entre las paredes del teatro de la Vega y es ahí donde puede presentarse con su máximo esplendor. Además, el hecho de que durante veintidós años hayan pasado por sus tablas más de doscientos artistas, hace que cada uno de ellos haya dejado impregnado su espíritu y yo creo que vamos mal si olvidamos esto: el respeto por los espacios, por las fórmulas, por el público y por los artistas.

Lamentablemente, la realidad se impone y descubrimos que hay quien sólo tiene respeto por el dinero, por la fama y por la apariencia.

Maribel Iglesias
Co-fundadora, co-directora
y actriz del GRAN CAFÉ-TEATRO DE LA VEGA